El paisaje que recibe al viajero es llano, salpicado de pinares y sabinas centenarias, y recorrido por kilómetros de muros de piedra seca que durante generaciones delimitaron parcelas y protegieron los cultivos del viento salino, un oficio que los artesanos de la isla siguen practicando y que hoy se reclama incluso en la construcción contemporánea como seña de identidad. Junto a ese trazado de piedra, las fincas encaladas, de muros gruesos pensados para aislar del frío húmedo del invierno y del calor del verano, definen una arquitectura vernácula tan funcional como austera, ajena a cualquier ostentación.

El último paraíso mediterráneo

Pero es el litoral el que ha dado a Formentera su reputación de último paraíso mediterráneo. Arenas finísimas y aguas que van del turquesa al verde esmeralda, una transparencia que se debe en gran medida a las extensas praderas de posidonia oceánica que tapizan sus fondos, una planta que actúa como pulmón y filtro natural del mar y que la Unesco ha declarado Patrimonio de la Humanidad. La playa de Migjorn, la más extensa de la isla, se despliega durante más de seis kilómetros por toda la vertiente sur, alternando tramos de arena abierta con calas más recogidas, en un paisaje que privilegia el contacto directo con la naturaleza frente a cualquier urbanización agresiva.

Formentera conserva, además, una memoria bohemia que se remonta a los años sesenta y setenta, cuando la isla se convirtió en uno de los lugares más icónicos de la cultura hippie y el espíritu libre, refugio de artistas, músicos y viajeros en busca de libertad, llegados de medio mundo; esa herencia sigue viva en los mercadillos artesanales de El Pilar de la Mola o Sant Ferran, y en un modo de vida que privilegia lo lento y lo esencial. Es sobre ese sustrato —isla filtrada por el mar, arquitectura de piedra y cal, paisaje protegido, memoria de libertad— donde el estudio del arquitecto Antonio Obrador ha levantado Dunas de Formentera, un hotel muy especial de 45 habitaciones diseñado para disolverse y fundirse con ese paisaje.

Un conjunto de edificaciones independientes

El emplazamiento elegido es la propia duna, en el entorno natural de la playa de Migjorn, y de ahí procede tanto el nombre del proyecto como su lógica interna. En lugar de un único volumen hotelero, Antonio Obrador ha optado por fragmentar el programa en un conjunto de edificaciones independientes —de 100 a 535 metros cuadrados cada una— que se reparten entre la vegetación autóctona y las ondulaciones de arena, más como un pequeño poblado que como un edificio único. El resultado es un recorrido que alterna interior y exterior sin una frontera clara entre ambos. La luz, la arena y el matorral mediterráneo entran en las habitaciones tanto como el visitante sale a ellos.

Cada volumen encalado remite a la arquitectura vernácula de la isla, con muros de cal que respiran, cubiertas de teja árabe protegidas por pérgolas de madera vista y algunos cuerpos que se elevan a una segunda planta rematada en terraza para las suites de mayor tamaño. La paleta se ciñe casi por completo a los tonos arena, un color que más que una elección estética forma parte de la estrategia de integración. La misma tonalidad que reviste las fachadas de las habitaciones se repite en el restaurante, la piscina y el solárium, concebidos todos ellos como prolongaciones del paisaje más que como piezas construidas sobre él.

Una trama de sendas peatonales comunica todos los espacios

Este proyecto, se trata, conviene subrayarlo, de una rehabilitación antes que de una obra enteramente nueva. El estudio ha intervenido sobre un complejo hotelero preexistente en ese mismo enclave, y una de sus decisiones más significativas ha sido de naturaleza casi urbanística. La antigua red viaria que conectaba los distintos edificios del hotel ha desaparecido por completo, sustituida por una trama de sendas peatonales resueltas con tablones de madera dispuestos directamente sobre la arena, sin pavimentar. Es el mismo sistema que el Consell Insular aplica en las zonas dunares protegidas de la isla, y su adopción resume bien la actitud del estudio ante el lugar: apoyarse en el paisaje en lugar de imponerse sobre él. Desde el propio complejo se accede caminando hasta la arena de Migjorn, sin que medie carretera ni aparcamiento visible.

Tradición y modernidad, artesanía y funcionalidad contemporánea

El interiorismo, desarrollado íntegramente por el equipo de Antonio Obrador, insiste en la misma contención: mobiliario diseñado a medida, fibras naturales, texturas orgánicas, una atmósfera serena que evita cualquier estridencia decorativa. Es la misma dualidad —tradición y modernidad, artesanía y funcionalidad contemporánea— que Antonio Obrador ha defendido a lo largo de toda su trayectoria, aplicada aquí a una escala doméstica y horizontal, muy distinta de la monumentalidad de una fortaleza como Cap Rocat, pero fiel al mismo principio: “la reforma se piensa siempre desde el respeto a lo que ya existía en el lugar”.

La condición regenerativa del complejo no se limita a la disposición del conjunto. Los muros están acabados con pintura a base de cal, un material que permite la transpirabilidad del cerramiento, evita la aparición de humedades de forma natural y mejora el aislamiento térmico sin recurrir a soluciones industriales. La autosuficiencia energética se apoya en paneles fotovoltaicos, y un sistema de recuperación y tratamiento de aguas grises permite reutilizar el agua doméstica en el riego de los jardines. Son piezas de un mismo engranaje de economía circular que reduce la huella de carbono del hotel y que responde, en última instancia, a la fragilidad del entorno que lo acoge: unas dunas y unas praderas de posidonia que exigen del arquitecto más cautela que ambición.

Un paisaje mediterráneo habitable

Quien se aloja en Dunas de Formentera camina descalzo la mayor parte del día, envuelto en el sonido intermitente del viento entre los pinos y en una arena que sustituye a cualquier acera o carretera. Es, en el fondo, la experiencia que Antonio Obrador ha querido construir, y que resume en una frase que bien podría servir de manifiesto del proyecto: “se propone una arquitectura que trasciende la idea de hotel para convertirse en un paisaje habitable, donde la sencillez, la luz y la naturaleza construyen una nueva forma de habitar el Mediterráneo desde el respeto, la calma y la autenticidad”. Esa frase, lejos de la retórica publicitaria habitual en este tipo de comunicados, describe con precisión lo que ocurre entre este conjunto de habitaciones, donde cada estancia mantiene su propia relación con la duna y ninguna repite exactamente la misma vista.

A Formentera solo se llega por mar, decíamos al principio, y esa lentitud impuesta por la geografía encuentra en Dunas de Formentera su traducción arquitectónica: un hotel que no interrumpe el paisaje que atraviesa para llegar hasta él, sino que lo prolonga. Es la misma convicción que Antonio Obrador ha sostenido en cuatro décadas de restauración hotelera, desde la fortaleza de Cap Rocat hasta el Gran Hotel Son Net: que la arquitectura más lograda es, casi siempre, la que menos se nota.

Proyecto: Dunas de Formentera.
Ubicación: playa de Migjorn, Formentera.
Finalización: 2025.
Promotor: Marugal.
Arquitectura, interiorismo y paisajismo: Estudio Antonio Obrador.
Equipo del proyecto: Antonio Obrador, Adriana Méndez, Jordi Muñoz, Lluis Bort.
Superficie construida: 3.078 m², en volúmenes de 100 a 535 m²
Habitaciones y suites: 45.
Fotografía: Lluís Bort.

Antonio Obrador

Antonio Obrador (Palma de Mallorca, 1956) encontró su vocación mucho antes de tener nombre para ella. De niño quedó fascinado por los pilares sin basas ni capiteles de La Lonja de Palma, el edificio gótico que Guillem Sagrera levantó en el siglo XV. Esa fascinación temprana se sostuvo contra las presiones familiares que le señalaban otros caminos y confirmó, con el tiempo, lo que Obrador entiende como una certeza: “la vocación es algo innato que uno lleva adentro”.

En 1980 fundó en Mallorca el estudio que hoy lleva su nombre. Más de cuatro décadas después, ese recorrido se ha traducido en un catálogo de arquitectura, interiorismo, decoración y paisajismo que abarca tanto la vivienda particular como, de forma muy señalada, el ámbito hotelero, el terreno en el que Obrador ha construido buena parte de su reputación y en el que firma algunas de las restauraciones patrimoniales más celebradas de las últimas décadas en España.

La obra del estudio se sostiene sobre un diálogo constante entre tradición y modernidad, términos que Obrador se niega a considerar contradictorios. La tradición se expresa en el respeto a los materiales nobles —la piedra, la madera, el hierro— y en la reivindicación del oficio artesano, de la mano experta que los trabaja; la modernidad, en la voluntad de reinterpretar, de responder a las necesidades del presente sin apelar a la nostalgia. Frente a un edificio antiguo, el estudio aborda la rehabilitación desde el respeto y la puesta en valor del trabajo de su autor original; frente a un solar vacío, la obra nueva se libera de esos condicionamientos en busca de un resultado singular. En ambos casos el objetivo declarado es el mismo: una extensión contemporánea de la firmitas vitruviana que Obrador entiende como “diseño perdurable”, ajeno a otros enfoques que dominan buena parte de la construcción actual.

Ese principio ha encontrado su expresión más reconocida en la restauración hotelera. El Hotel Cap Rocat, instalado en la antigua fortaleza de Cap Enderrocat, en Llucmajor, es para el propio arquitecto el proyecto de mayor dificultad y también el de mayor reconocimiento: recibió el Premio de la Unión Europea de Patrimonio Cultural (Europa Nostra) de manos de la reina Sofía en 2018, la distinción más alta que existe en el ámbito de la conservación patrimonial. El Gran Hotel Son Net, en Puigpunyent, llegó a manos del estudio en estado ruinoso y hoy figura entre las veinticinco mejores restauraciones hoteleras del mundo según Condé Nast. A ellos se suman el Hotel Majestic y el Gran Hotel Florida, en Barcelona; el Urso Hotel & Spa, en Madrid; el Palacio Solecio, un palacio andaluz del siglo XVIII en Málaga; y, en las islas, intervenciones como las de La Residencia de Deià, el Castillo Hotel Son Vida o el Gecko Hotel & Beach Club de Formentera.

Al frente del estudio, con sede en el Casc Antic de Palma, Obrador trabaja hoy junto a María Chocarro, arquitecta directora y socia de AO Estudio, con un equipo de quince arquitectos internos y una red de colaboradores externos —ingenieros, paisajistas, interioristas y decoradores— que se completa con artesanos de la piedra, el hierro y la madera. Con más de cuarenta años de trayectoria a sus espaldas, el estudio ha optado por seguir creciendo antes que replegarse: fruto de esa revisión del propio archivo es Hotels (Ediciones El Viso, 2025), primer volumen de una colección que el estudio prevé completar con sendos libros dedicados a la obra nueva y al paisajismo.

El reconocimiento a esta trayectoria incluye, entre otros, el Premio Ramón Llull a la Trayectoria Profesional del Gobierno Balear (2005) y el Premio Ciutat de Palma de Rehabilitación por Ca’n Nadal, un casal del siglo XVII en el casco antiguo de Palma con el que abrió su palmarés en 1985. Cuatro décadas después, Obrador sigue describiendo su oficio en términos de búsqueda antes que de logro: “La perfección no existe, pero en cambio sí existe la búsqueda de la perfección. Solo a base de autocrítica e inconformismo se consigue avanzar en ese camino”.

El centro histórico es pequeño y se puede caminar, pero su tejido urbano no tiene la continuidad de los cascos históricos europeos ni la densidad de las ciudades coloniales del altiplano mexicano. La escala es horizontal con edificios que no superan las dos plantas, en su mayoría. Las calles alternan casas coloniales encaladas, comercios de planta baja y solares abiertos sin que existan unas fachadas continuas. El color actúa como hilo conductor: rojos, ocres, amarillos y blancos se suceden con libertad, en un entramado urbano que se asemeja más a un pueblo que a una ciudad.

Es en ese entorno donde Ra! diseña el Laiva Plaza hotel, un edificio de 1.557 m² que Grupo Laiva encargó al taller mexicano para crear hospitalidad integrada en el ritmo del centro histórico.

El punto de partida del proyecto es la relación del edificio con la calle. Ra! retrae el volumen de la alineación para liberar un atrio público que actúa como umbral sombreado, ventilado y transitable. Quien camina por la acera puede entrar, detenerse, atravesarlo. La experiencia de hospedarse en Laiva empieza en ese primer umbral, antes de cualquier recepción.

Este atrio de acceso desarrolla la continuidad entre espacio público e interior e incorporan el flujo urbano dentro de la organización espacial del edificio. Hacia adentro, el patio central vertical toma el relevo: ordena la circulación, introduce luz natural y regula la ventilación cruzada, actúa como eje climático y espacial a la vez, regulando la atmósfera de cada planta. Las aberturas circulares que comunican las escaleras con el patio añaden una capa de continuidad visual entre entre interior y exterior.

El programa se resuelve en cuatro niveles: planta baja de usos mixtos con restaurante, dos plantas de habitaciones y un roof garden con piscina y áreas de estar orientadas a las vistas del entorno urbano. El volumen se escalona progresivamente hacia arriba, generando terrazas plantadas que, desde la calle, parecen crecer del propio edificio.

La fachada protagoniza el edificio con su estuco artesanal en rojo coral cubriendo la totalidad de los muros, aportando una presencia unitaria que dialoga con la paleta cromática del centro histórico de la ciudad desde un lugar propio. La repetición rítmica de las aperturas y los planos entrelazados evoca las banderillas de papel picado que cuelgan en las calles de San José, un referente cotidiano y local traducido a sistema estructural y formal. El color actúa como identidad construida.

En el interior, el mismo estuco envuelve pasillos, escaleras y habitaciones generando continuidad en todos los espacios. El mármol travertino de Veracruz reviste los baños; las piezas de barro artesanal acompañan los suelos de acceso; la madera aparece donde el tacto lo pide. El color cambia de tono con la luz del día —intenso y cálido por la mañana, más suave al atardecer—, y esa variación forma parte de los espacios.

Los arquitectos de Ra! han conseguido que el hotel Laiva Plaza se convierta en un fragmento de ciudad. Entrar, recorrer el pasaje, subir las escaleras junto al patio, asomarse desde la terraza o llegar al roof garden al final de la tarde son acciones que forman parte del ritmo del centro histórico: graduales, con pausas, orientadas al lugar. RA! propone en este proyecto una prolongación de la calle en la ciudad de San José del Cabo.

Proyecto: Laiva Plaza Hotel.
Ubicación: San José del Cabo, BCS. México.
Cliente: Grupo Laiva.
Superficie: 1.557 m².
Terminado: 2026.
Arquitectura: RA!.
Fotografía: Oscar Hernández.
Ingeniería Estructural: DDOZ.
Ingeniería Estructural. Ingeniería Hidrosanitaria: Grava | Ing. Antonio Villarreal
Ingeniería Eléctrica: Ing. Eduardo Martínez.

RA!

Hay estudios de arquitectura que nacen de una búsqueda formal. RA! nació de la necesidad de hacer sentir. Fundado en 2017 en la Ciudad de México por Cristóbal Ramírez de Aguilar, Pedro Ramírez de Aguilar y Santiago Sierra, este taller de arquitectura parte de una convicción que pocos se atreven a sostener con tanta claridad —que un espacio solo es verdadero cuando quien lo habita lo recuerda.

El nombre es más que una sigla. RA! es una exclamación: ánimo, entusiasmo, aliento, que condensa una actitud frente al oficio, una disposición hacia el proceso creativo sin miedo al error ni al comienzo.

La propuesta de RA! nace de lo que precede a cualquier forma —la memoria, el cuerpo, la experiencia vivida. Antes del trazo existe una lectura profunda del lugar, de las personas que lo habitarán y del espíritu del encargo. Cada proyecto es una narrativa que se recorre paso a paso, donde la secuencia importa tanto como el objeto, donde la atmósfera pesa tanto como la función. Lo emocional y la precisión técnica se entrelazan.

En RA! no existe un lenguaje formal reconocible de un proyecto a otro. Lo que existe es una metodología de apertura: materiales, escalas, modelos, dibujos y sistemas explorados en iteración constante. El error se asume como parte natural del proceso creativo, y esa libertad es la que les permite no repetirse —construir siempre desde lo que el lugar y sus futuros habitantes dicen.

Más de cuarenta proyectos en México, América Latina, Estados Unidos y Europa dan cuenta de su actividad: vivienda, hospitalidad, espacio público, instalaciones culturales y masterplans. Obras en concursos de Abu Dhabi, planes maestros en la cordillera de los Andes, proyectos en las costas del Caribe mexicano. Un taller de quince arquitectos que opera como un organismo de múltiples inteligencias, guiado por la convicción de que la arquitectura transforma por lo que provoca.

La obra ha sido reconocida con el Gran Premio CAM-SAM, el Architectural MasterPrize, el Premio Félix Candela, los A+ Architizer Awards, los LOOP Design Awards y el Simon Architecture Prize, otorgado por la Fundación Mies van der Rohe de Barcelona. Publicada en Domus, Divisare, Dezeen, Designboom, ArchDaily y Arquine, con presencia activa en América, Europa, Asia y otras regiones del mundo.

Cristóbal Ramírez de Aguilar

Cristóbal Ramírez de Aguilar estudió Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Anáhuac México, donde se graduó en 2018. Desde que cofundó RA! en 2017 ha liderado el estudio como director de proyectos con una claridad de pensamiento poco común: la arquitectura no surge de la forma ni de la tipología, sino de la experiencia humana, del contexto y de la narrativa.

Al frente de un equipo multidisciplinar de quince arquitectos, Cristóbal combina diseño conceptual, estrategia técnica y supervisión integral de obra. Bajo su dirección han tomado forma proyectos como La Cañada, ArtWalk y Casa LL, cada uno construido desde la misma pregunta: ¿qué necesita sentir quien habite este lugar?

Además de la práctica, Cristóbal escribe sobre el oficio, la ética del diseño y la relación entre arquitectura y lenguaje. Le interesa lo que permanece: una arquitectura que va más allá de la forma, buscando lo que provoca en quienes la habitan.

Pedro Ramírez de Aguilar

Pedro Ramírez de Aguilar nació en la Ciudad de México en 1987. Se formó en la Universidad Iberoamericana (2011), con especialidad en Ciudades Sostenibles. Antes de encontrar su propio camino, pasó por algunos de los despachos más rigurosos del país —Tarme, Vázquez del Mercado Arquitectos, Abax Arquitectos y FR-EE.— construyendo criterio desde los márgenes del oficio.

En 2017 regresó a sus orígenes: fundó RA! junto a su hermano Cristóbal y a Santiago Sierra. Desde entonces ha dirigido proyectos que van de la restauración residencial al espacio cultural, del Caribe mexicano —Tulum, Cozumel— a los Andes sudamericanos. Su arquitectura es de escucha lenta. Antes de proponer, Pedro observa.

Más allá de la práctica construida, Pedro ha explorado la intersección entre la arquitectura, la experimentación y la narrativa, desarrollando proyectos como los cortometrajes El Trapo y El Luchador, así como el libro 30 días proyectando, una iniciativa que reunió a 30 despachos emergentes en México para reflexionar sobre los procesos cotidianos de la profesión.

Santiago Sierra

Santiago Sierra se formó en la Universidad de Texas en Arlington y completó sus estudios en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallès de Barcelona —dos ciudades, dos formas de entender el espacio, una sola manera de hacer preguntas. Su carrera temprana transcurrió entre despachos de la Ciudad de México: BNKR Arquitectos, República Arquitectos, Serrano Monjaraz Arquitectos. La práctica fue su escuela real.

La distancia lo llamó. Se mudó a París y se incorporó al estudio de Olivier Palatre Architectes, donde lideró la propuesta ganadora del concurso Réinventer Paris en la subestación Voltaire. La victoria lo convirtió en director de proyectos. Europa lo afinó; México lo reclamó.

En 2017 regresó a la Ciudad de México y, junto a Cristóbal y Pedro Ramírez de Aguilar, fundó RA!. Lleva consigo una convicción aprendida en el camino: que la distancia no separa, que lo vivido fuera enriquece lo que se construye en casa.

El casco antiguo conserva casas que crecen sobre galerías subterráneas y bodegas profundas, estructuras que revelan un continuo uso anclado en la experiencia del clima y del paisaje. Aquí, la arquitectura no se lee únicamente como forma, sino como acumulación de tiempo, prácticas y paisajes vivos. Intervenir este tejido urbano —rehabilitar una vivienda centenaria, conservar una bodega histórica— implica reconocer una memoria construida que es producto tanto de la viticultura como de la vida cotidiana. En este contexto de producción cultural y material se sitúa el Hotel Bodega Enoa Suites, una intervención de Lecoc Arquitectura que asume la rehabilitación como ejercicio de escucha e integración del pasado con el uso contemporáneo.

La intervención parte del objetivo de rescatar la identidad del edificio sin transformarla. Lejos de borrar las marcas del paso del tiempo, el proyecto las incorpora como parte esencial del espacio. Muros erosionados, forjados de madera y superficies irregulares permanecen visibles, consolidando la estructura original y devolviendo a la casa una lectura honesta de su propia biografía.

La organización interior se articula en torno a un núcleo húmedo que estructura la vivienda y actúa como elemento separador sin necesidad de compartimentar. A su alrededor, los espacios se desarrollan de manera continua, sin tabiques, favoreciendo una secuencia fluida que diluye los límites entre estancias. Esta disposición permite una forma de habitar abierta y flexible, donde el recorrido se construye más por la percepción y el uso que por la jerarquía tradicional de los espacios.

La bodega ocupa un lugar central en el proyecto, tanto desde el punto de vista espacial como simbólico. En ella se conservan e integran tinajas del siglo XIII, testimonio directo de la tradición vinícola de Requena. La bodega se convierte así en un espacio vivo: los huéspedes disponen de una selección de vinos y de una bodega propia, prolongando la experiencia más allá del alojamiento y vinculando la estancia a la cultura local.

Materialmente, la intervención responde a una estrategia de recuperación frente al revestimiento. Los materiales originales se muestran con sinceridad, revelando las capas acumuladas a lo largo del tiempo y estableciendo un diálogo directo entre lo existente y las nuevas incorporaciones. Las decisiones contemporáneas se expresan con contención, evitando competir con la estructura histórica y apostando por soluciones precisas, funcionales y silenciosas.

El Hotel Bodega Enoa Suites se presenta así como un ejercicio de continuidad entre historia, materia y vida actual. Una rehabilitación que no pretende reinterpretar el pasado, sino hacerlo habitable de nuevo, entendiendo la arquitectura como un soporte atento para la memoria y para quienes hoy deciden revivirla.

Proyecto: Hotel Bodega Enoa Suites.
Ubicación: Requena (Valencia).
Terminado: 2025.
Cliente: Enoa Suites.
Arquitectura: Lecoc Arquitectura.
Fotografía: Mariela Apollonio.
Fuente: Lecoc Arquitectura.

Lecoc Arquitectura

Lecoc Arquitectura es un estudio internacional con sede en Valencia, fundado y dirigido por los arquitectos Alicia Medrano García y Fernando Pedrosa López. Ambos se forman como arquitectos en la Universitat Politècnica de València y comparten desde el inicio una manera de entender la arquitectura como un ejercicio de responsabilidad cultural, ambiental y social.

La trayectoria profesional de Medrano y Pedrosa se ha desarrollado entre la práctica arquitectónica y la gestión de proyectos complejos, combinando el diseño con una visión estratégica del territorio, la sostenibilidad y el impacto a largo plazo de la arquitectura. Esta doble mirada —técnica y sensible, económica y espacial— se refleja en el trabajo del estudio, especialmente en proyectos vinculados a la vivienda, la rehabilitación y los espacios para el cuidado.

Desde Lecoc Arquitectura, ambos impulsan una práctica rigurosa y abierta, en la que el diseño se plantea como una herramienta para construir espacios coherentes con su contexto y con quienes los habitan. Su arquitectura se apoya en la precisión, el control de la proporción y la atención al detalle, buscando generar atmósferas equilibradas donde la luz, los materiales y la escala trabajan de manera conjunta.

El estudio desarrolla proyectos tanto en el ámbito público como privado, con un interés constante por la sostenibilidad entendida en un sentido amplio: ambiental, económica y social. Cada encargo se aborda como un proceso de diálogo, incorporando desde las primeras fases a clientes, colaboradores y especialistas, y evitando soluciones estandarizadas o gestos impuestos.

Con una práctica internacional, Lecoc Arquitectura trabaja en distintos contextos culturales, adaptándose a cada lugar desde el respeto por su identidad y su memoria. Su equipo multidisciplinar, respaldado por diversos reconocimientos internacionales, garantiza un alto nivel de exigencia en cada proyecto, entendiendo la arquitectura como un servicio atento, preciso y comprometido con las personas.

Con una superficie construida de más de 4.300 m², el edificio de cuatro plantas y planta baja acoge 67 habitaciones dobles en categoría cuatro estrellas superior. Promovido por Natarent Cambrils y operado por URH Hotels, el proyecto —que ha supuesto una inversión cercana a los seis millones de euros— combina rigor funcional y sensibilidad estética, integrándose con respeto en el tejido histórico de la ciudad.

El recorrido comienza en la calle Pau Casals, donde un porche luminoso introduce al visitante en un espacio cálido y amable. Pavimentos en tonos claros, revestimientos suaves y acentos en amarillo ocre configuran una atmósfera serena que anticipa el carácter del hotel: cercano, acogedor y profundamente mediterráneo.

El atrio: corazón escultórico del edificio

El vestíbulo se organiza en torno a una gran escalera circular que asciende en espiral alrededor de la estructura portante, conduciendo a un atrio de tres alturas. Revestido con paneles de mimbre trenzado, este espacio filtra la luz natural como si se tratara de un tejido artesanal, evocando las cestas de pesca del antiguo puerto. La textura del mimbre, el tono cálido de la madera y la iluminación tenue transforman la estructura en una pieza escultórica que otorga escala y carácter al conjunto. Los pasillos, delimitados por los mismos paneles de mimbre y puertas de madera, conservan esa sensación de continuidad y sosiego. La iluminación indirecta suaviza las transiciones, invitando a recorrer el edificio con calma.

Habitaciones de bienestar mediterráneo

En las plantas superiores, las habitaciones despliegan un lenguaje de bienestar y discreción. La cama se sitúa como pieza central, con un cabecero escenográfico que oculta el baño, mientras que un largo escritorio multifuncional recorre la pared opuesta. Maderas de roble, tonos tierra y tapizados en amarillo —color conductor del proyecto— definen un ambiente envolvente. Una alfombra de lana natural tejida a mano refuerza la sensación de hogar y tactilidad.

Luz, materia y paisaje

En la cuarta planta, el restaurante de desayunos se abre al mar a través de grandes ventanales que desdibujan los límites entre interior y exterior. El mobiliario combina mármol oscuro, madera natural y cerámica amarilla, creando una continuidad cromática que unifica todo el proyecto. Dos amplias alfombras delimitan zonas diferenciadas dentro de un espacio diáfano, pensado para el encuentro y la contemplación.

Desde allí, una terraza-solárium se extiende hacia el horizonte. La piscina desbordante, elevada sobre una plataforma de madera, ofrece vistas abiertas al Mediterráneo: un gesto simple que resume el espíritu del proyecto —equilibrio, calma y claridad.

Arquitectura que pertenece al lugar

La volumetría del edificio se abre hacia la plaza, generando un diálogo amable con la ciudad. Los retranqueos y balcones proyectan sombras cambiantes, mientras la piedra caliza del zócalo y el enlucido liso del resto de la fachada remiten al lenguaje tradicional del casco antiguo. En los extremos, una doble piel de paneles de madera tecnológica filtra la luz y aporta intimidad, estableciendo un puente entre tradición y contemporaneidad. Así, el nuevo Hotel Marina Cambrils se integra con naturalidad en el tejido histórico del barrio marinero, aportando un espacio de calidad que contribuye a revitalizar la Plaza del Pòsit y reforzar la vida urbana del litoral.

Arquitectura e interiorismo: Isern Associats – Daniel Isern.
Dirección de proyecto: Aleix Naudó.
Dirección de ejecución: Tècnic Empordà.
Estructura: Bac Engineering Consultancy Group.
Instalaciones: Atoms.
Project management: Klar Management.
Operador: URH Hotels.
Constructora: Units-4.
Mobiliario / Iluminación: Lifra Contract / Lumens.
Fotografía: Meritxell Arjalaguer.
Fuente: Boutique de Comunicación.

Isern & Associats

En la arquitectura de Daniel Isern conviven la razón constructiva y la emoción del espacio habitado. Arquitecto por la Universitat Politècnica de Catalunya, donde se especializó también en rehabilitación arquitectónica, inició su carrera profesional en 1999 antes de fundar en 2012 su propio estudio en Barcelona, Isern Associats, desde el que ha construido una sólida trayectoria en el ámbito del diseño hotelero y residencial.

Su práctica se asienta sobre un principio esencial: el equilibrio entre precisión técnica y sensibilidad humana. Cada proyecto nace de una lectura rigurosa de las necesidades del lugar y de quienes lo habitan, pero también de una intuición capaz de transformar la funcionalidad en experiencia. Isern defiende que un hotel debe “funcionar como un reloj”, sin fallos ni artificios, pero también debe emocionar: debe contar una historia a través de la luz, la textura y el silencio.

Desde su fundación, el estudio ha desarrollado proyectos reconocidos por su coherencia conceptual y su excelencia material, entre ellos el Hotel OHLA Eixample en Barcelona, la rehabilitación del hotel Palau Fugit Girona, Me by Melià, el ME Sitges by Meliá, el Áurea Palacio de Correos en Logroño, el Hotel Bellville en París o el Hotel Atzavara, en Santa Susanna. En todos ellos, la arquitectura y el interiorismo se funden en una narrativa común donde la atemporalidad y la serenidad se imponen a la moda y al exceso.

La obra de Isern Associats ha sido nominada en los WAN Awards (2014 y 2018) y distinguida con una mención de honor en los Premios Catalunya Construcció 2018, reconocimientos que avalan su rigor técnico y su sensibilidad proyectual. Paralelamente, Daniel Isern dirige el posgrado en Diseño Hotelero de la Escola Sert, vinculada al COAC  (Colegio de Arquitectos de Cataluña), desde donde impulsa una visión contemporánea y exigente del diseño de espacios para la hospitalidad.

El estudio, formado por un equipo multidisciplinar de arquitectos, interioristas y diseñadores, trabaja desde la integración absoluta de arquitectura, luz y materialidad. Su lenguaje es sereno, táctil y preciso: una arquitectura que busca el confort desde la proporción, el detalle y la autenticidad.

En cada obra, Daniel Isern parece recordar que la verdadera belleza habita en la discreción de lo bien hecho, en la armonía entre lo que se ve y lo que se percibe. Así se entiende el nuevo Hotel Marina Cambrils by URH Hotels, donde su mirada mediterránea —clara, sobria y luminosa— convierte la funcionalidad en atmósfera y el espacio en una forma de emoción duradera.

Detrás del proyecto se encuentra Iria Urgell, hija de Ricardo Urgell, fundador de Pachá. Pero Aguamadera poco tiene que ver con la Ibiza del bullicio: es su contrapunto, un refugio sereno que se nutre de la tradición, el paisaje y la esencia espiritual de la isla. «Aguamadera es casa», explica Iria. «Desde el corazón de Ibiza reúno a una comunidad creativa de almas para compartir experiencias y amor por la cultura, la gastronomía, la naturaleza y la tradición de la isla». Su visión parte del respeto por la autenticidad rural ibicenca, reinterpretada desde una sensibilidad contemporánea que une hospitalidad, arte y sostenibilidad.

Arquitectura con alma: la mirada de Alicia Uldall

El interiorismo lleva la firma de Alicia Uldall, arquitecta de interiores en Ibiza Interiors, que ha sabido conjugar el legado arquitectónico payés con una estética contemporánea, sobria y poética. Uldall estudió la arquitectura tradicional de Ibiza y de otras regiones españolas, analizando sus sistemas constructivos y su estrecha relación con la naturaleza. De esa investigación nació un proyecto profundamente respetuoso: fiel a la arquitectura ancestral, pero sin replicarla; una reinterpretación serena que actualiza sus proporciones, materiales y atmósfera. «Hay muchas Ibizas para diferentes personas», comenta Alicia, «pero para mí se trataba de rendir homenaje, después de todos estos años, a la arquitectura y los elementos que hacen de esta isla un lugar único».

El resultado es un conjunto que conserva la estructura original de la finca sin alterar sus volúmenes. Paredes encaladas e irregulares, esquinas redondeadas, hornacinas, puertas de madera suavemente erosionadas por el tiempo… cada detalle respira autenticidad. El mobiliario combina piezas rústicas del Empordà con objetos artesanales y obras locales seleccionadas por la propia Iria Urgell, creando un diálogo entre pasado y presente, entre materia y memoria.

La Finca y Los Corrales

Aguamadera se organiza en dos ámbitos que conservan la integridad de la finca original: La Finca y Los Corrales. La Finca cuenta con seis habitaciones y una suite, rehabilitadas con materiales naturales y una estética que elige la luz y la calma. Cada estancia parece extenderse hacia el paisaje, invitando al descanso y a la contemplación. Los Corrales, por su parte, transforman los antiguos establos en cuatro suites y una habitación que conservan la estructura payesa original. Las terrazas privadas, las chimeneas y los jardines de hierbas refuerzan el vínculo con la naturaleza, articulando un conjunto que se despliega alrededor de una piscina central y un huerto ecológico, verdadero corazón del proyecto.

La Era: el fuego como lenguaje

En el centro del complejo, el Restaurante La Era celebra la esencia de la cocina mediterránea a través del fuego. El chef Gonzalo Cerrato Laguna, con una trayectoria que lo ha llevado de Londres a México, hace del fuego su herramienta de creación. No hay gas, solo la leña de olivo que se enciende cada mañana al amanecer. «La cocina es mi pista de baile», confiesa, «y el huerto de Aguamadera me provoca cada temporada con sus joyas para crear una carta honesta, de buen producto y respeto por la tradición».

Sus platos, sencillos y elaborados al fuego, evocan los sabores primitivos: pimientos asados con pilpil de bacalao, judías verdes tiernas, carnes a la brasa o postres sorprendentes como el helado de remolacha con tierra de algarrobo y cacao. Incluso los cócteles llevan la huella de las brasas: frutas ligeramente ahumadas que destilan aroma y carácter. Durante el día, el restaurante vibra con los sonidos puros del campo; al caer la tarde, las velas y el jazz envuelven el ambiente en una calidez casi ritual.

El salón de Aguamadera es un lugar de encuentro para el cuerpo y el alma, donde se imparten sesiones de movimiento, meditación y sanación consciente. El programa de terapias y bienestar incluye tratamientos naturales y disciplinas activas que buscan reconectar con el propio ritmo interior. “Cultivar cuerpo y espíritu” es el propósito que guía este espacio, donde cada práctica, cada respiración, se alinea con el pulso tranquilo del paisaje.

El campo y el huerto: corazón de Aguamadera

Rodeando la finca, más de 2.800 metros cuadrados de bancales agrícolas y 1.300 de jardines dan vida al proyecto. Bajo el sol de Ibiza crecen berenjenas, kale, tomates de distintas variedades, calabazas, hinojos, maíces y frutas que cambian con las estaciones. Entre ellos, las hierbas aromáticas —romero, lavanda, menta, salvia, albahaca— perfuman el aire y atraen abejas que polinizan las flores, fortaleciendo el equilibrio natural del entorno.

A cargo del huerto están David y Tomás, dos agricultores mexicanos que aplican principios de permacultura para recuperar la pureza de los sabores. “Queremos que los tomates sepan a tomate y la albahaca se huela de lejos”, dicen. Este huerto no es solo fuente de alimento: es también fuente de inspiración para la cocina y metáfora del propio espíritu de Aguamadera. Aquí todo sigue el ritmo de la naturaleza.

Un alma que florece en silencio

Aguamadera es, sobre todo, una declaración de amor a la isla, un lugar donde la hospitalidad se confunde con el arte de vivir despacio. Entre los muros encalados y los campos cultivados, el tiempo parece detenerse. El sonido del viento en los pinos, el crepitar del fuego, el murmullo del agua en las acequias antiguas: todo converge en una misma melodía, la del reencuentro con lo esencial, porque Aguamadera es un regreso a la tierra, a la calma y a la verdad simple y luminosa de la vida.

Proyecto: Aguamadera Hotel.
Superficie: 840 m².
Terminado: 2023.
Interiorismo: Ibiza Interiors.

Fotografía: Ariadna Puigdomenech.
Construcción: Hernan Puga.
Paisajismo: Green Hands Ibiza. Andy Szymanowicz.
Cocina: Antonio Spelleta.

Ibiza Interiors

Fundado en 2014 por el interiorista Jurjen van Hulzen, Ibiza Interiors es un estudio que celebra la luz, el espacio y el paisaje de la isla para reinventar el Mediterráneo. Su enfoque ofrece proyectos que cuidan desde el primer boceto hasta el paisaje exterior, para clientes privados y desarrolladores que buscan proyectos con carácter. La misión de Ibiza Interiors reside en crear interiores modernos de esencia mediterránea, funcionales y atemporales, capaces de resonar con el entorno isleño y con las personas que los habitan.  

En su prolongación natural surge Ibiza Exteriors, impulsada por Alicia Uldall y Jurjen van Hulzen, un estudio nacido del convencimiento de que la arquitectura interior encuentra plena expresión cuando se extiende al paisaje que la rodea. Ibiza Exteriors acompaña al cliente tanto en el diseño de jardines y terrazas como en la transformación de parcelas completas, procurando que cada proyecto exterior dialoge con el interior y se funda con la topografía, la vegetación y el clima de Ibiza. La práctica se articula mediante una cuidada colaboración con especialistas en paisajismo, para que cada proyecto se materialice como un verdadero refugio al aire libre.  

Conjuntamente, estos estudios trazan un discurso coherente: el diseño entendido como experiencia holística que vincula dentro y fuera, el detalle y el conjunto, el lujo natural y la serenidad. Ibiza Interiors e Ibiza Exteriors invitan a habitar el paisaje con sensibilidad, a moldear interiores que respiran, y exteriores que vibran con los ritmos de la isla.

Situado en la costa occidental de Córcega, Cargèse conserva una historia tan singular como visible. A orillas del Mediterráneo, su perfil está definido por dos iglesias que se miran frente a frente —una católica romana, otra griega ortodoxa— como testimonio de una convivencia iniciada en el siglo XVII, cuando un grupo de exiliados griegos encontró aquí un nuevo hogar.

El trazado del pueblo, con su topografía escalonada, sus fachadas sobrias y pasajes estrechos, sirvió de inspiración directa para los arquitectos de Orma Architettura. Así, Mylos se concibe no como un objeto aislado, sino como una continuación natural del lugar, profundamente enraizado en su morfología y memoria.

Una arquitectura discreta que se mimetiza con el lugar

El nombre del hotel —Mylos, “molino” en griego— evoca las ruinas que coronan la colina sobre la que se asienta el proyecto. Desde sus inicios, la voluntad fue clara: construir un lugar que se integrara plenamente en el paisaje. El hotel se compone de varios volúmenes conectados por pasarelas y cubiertas vegetales, que permiten recorrer el conjunto en suaves ascensos, siguiendo el ritmo del terreno.

Con 35 habitaciones repartidas entre el edificio principal y dos bloques escalonados, el complejo se organiza alrededor de un patio central, donde un árbol Belombra impone su presencia serena. Escaleras y senderos conducen a las zonas comunes —restaurante, bar, spa, piscinas— desplegadas en distintos niveles, siempre abiertas al horizonte marino. La vegetación mediterránea —olivos, mirtos, helicriso— fue cuidadosamente replantada tras la obra, subrayando el compromiso ecológico del proyecto.

Conciencia ambiental en el proceso constructivo

La pronunciada pendiente del terreno impuso una excavación considerable. Orma Architettura respondió a este reto con una lógica circular: los materiales extraídos fueron reutilizados para crear bloques de hormigón, minimizando el impacto ambiental. Así, los dos edificios escalonados se construyeron con un hormigón seco, rugoso y terroso, nacido de los escombros del propio lugar.

En los otros volúmenes, se optó por un hormigón fluido, también reciclado, enriquecido con fragmentos de terracota que confieren a las superficies una textura vibrante, como si la tierra hablara en tonos rojizos y cálidos. El conjunto se cubre de vegetación, incluso en los tejados, y ninguna superficie fue impermeabilizada artificialmente: el agua encuentra su curso natural y penetra en la tierra. El edificio no domina el paisaje; forma parte de él.

El interior como relato mediterráneo

Dorothée Meilichzon, enamorada de Cargèse desde sus primeras estancias veraniegas, ha volcado en este proyecto una mirada cargada de emoción. Para ella, la arquitectura interior debía contar una historia: la de un pueblo entre el mar y la montaña, entre el presente y el mito.

En las habitaciones, las texturas priman sobre lo liso, los materiales son nobles y orgánicos, y en ciertos rincones aparece incluso la roca original, como si el lugar no quisiera esconder su verdad. Columnas, frisos grabados, nichos y baños de aire clásico evocan la mitología griega; mientras que los detalles hablan de la isla: cabeceros que recuerdan a boinas pastoriles, tejidos que remiten a redes de pesca, mármoles veteados en verde, mesas con asas que son casi ánforas.

Cada ventana, cada terraza, abre al mar, que se convierte en hilo conductor del diseño y en fuente de inspiración permanente. Meilichzon busca traducir el espíritu del lugar a través de formas suaves, materiales naturales y un cromatismo bañado por la luz del Mediterráneo.

Teos: un restaurante entre Grecia y Córcega

La experiencia Mylos se completa con Teos, el nuevo concepto gastronómico de Pierre Geronimi, maestro heladero originario de la vecina Sagone. Aquí, la cocina es una celebración del territorio: verduras de pequeños productores locales, pescados de costa, quesos y carnes corsas… Todo servido con una sencillez generosa y estacional.

La carta, viva y cambiante, ofrece platos como la lasaña de pescado, tartar de ternera con mango o un tiramisú perfumado con ouzo. Los helados de Geronimi, dulces y salados, aparecen como toques inesperados: sorbetes cítricos que acompañan al pescado, helado de queso con carne… Una propuesta lúdica, ligera y profundamente sensorial.

El restaurante, diseñado también por Meilichzon, despliega un ambiente cálido y orgánico, donde piedras, yesos, celosías y formas redondeadas componen una atmósfera íntima. La terraza, abierta durante la temporada estival, se convierte en un mirador privilegiado para disfrutar de un cóctel, unas piattini o una tempura, mientras el mar se extiende hasta donde alcanza la vista.

Proyecto: Mylos Hotel.
Situación: Chemin de Paomia Montalbo, Cargèse (Córcega).
Arquitectura: Orma Architettura.
Interiorismo: Dorothée Meilichzon.
Terminado: 2025.
Fotógrafo: Julie Ansiau. @julieansiau.
Fuente: Mylos Hotel, Dorothée Meilichzon y Orma Architettura.

Dorothée Meilichzon

Dorothée Meilichzon cree que cada lugar tiene alma. Su trabajo, paciente y apasionado, consiste en desvelarla.

Nacida en París, creció rodeada de telas, simetrías y papeles pintados a mano, acompañando a su madre, diseñadora de interiores, en sus viajes a Londres. “Mi madre era muy buena decorando. Crecí en una casa muy bien decorada”, recuerda. Aquella infancia sensorial dejó una huella profunda.

A los doce años, su curiosidad por los objetos y su vocación por inventar se transformaron en una revelación: descubrió a diseñadores franceses como Philippe Starck y Raymond Loewy y supo que el diseño sería su camino. “Hasta esa edad quería ser inventora, pero descubrí que ser diseñadora me permitiría trabajar en el aspecto y en la funcionalidad de los objetos”.

Se formó en diseño industrial en Strate College, con una estancia en la prestigiosa Rhode Island School of Design. Allí aprendió a pensar en el usuario como centro de cada proyecto, un principio clave en el diseño de producto. Pero fue en 2009, con tan solo 27 años, cuando su voz creativa encontró expresión propia al fundar su estudio Chzon, en París. Comenzó como freelance, trabajando dieciséis horas al día desde su apartamento. “Tuve la oportunidad de diseñar un bar de cócteles, el Prescription Cocktail Club, en el distrito 6 de París”. Así empezó a forjar su nombre.

Desde entonces, ha centrado su energía en el diseño de hoteles, restaurantes y bares, construyendo espacios que respiran autenticidad. Su enfoque combina narrativa cultural, piezas únicas, artesanía, materiales locales y una mirada profundamente respetuosa con el lugar. Su diseño, con alma sostenible, pone siempre la escucha, del lugar y el cliente en el centro de su metodología. Ver biografía completa.

Orma Architettura

Orma Architettura surge de la profunda complicidad entre cuatro arquitectos formados en la École Supérieure d’Architecture de Marseille‑Luminy: Jean‑Mathieu de Lipowski, Michel de Rocca Serra, François Tramoni y Alicia Orsini. Su práctica, enraizada en la isla de Córcega, se estructura como un atelier donde la arquitectura nace del diálogo entre materia, luz y paisaje.

Para este equipo de arquitectos, la arquitectura es un testigo contemplativo del tiempo, un cuerpo marcado por la huella del hombre en la naturaleza, un vestigio comprometido con las generaciones futuras. Este pensamiento se traduce en proyectos que buscan emocionar y fusionar tradición, paisaje y arquitectura; es una búsqueda constante de coherencia, autenticidad y memoria.

Orma Architettura ha sido reconocido con numerosos premios: del Premio Delarue 2024 (Académie d’Architecture), al Premio Nacional de la Construcción en Madera 2023 (Logements en pin Laricio Cristinacce) y nominaciones al Mies van der Rohe Award 2022 por “Auvent de Evisa” y “Vigna Maggiore”. También obtuvieron el Premio Europe 40 Under 40, Trophée Béton Pro, y otros honores que celebran su vocación innovadora y sostenible.

El diseño y la organización del hotel difiere de la mayoría de los hoteles, ya que el cliente pidió que más de la mitad de los espacios estuvieran abiertos al público. El diseño de los espacios existentes y nuevos, ha tenido en cuenta este criterio. El hotel ofrece un espacio público urbano acompañado de una experiencia de hospitalidad orientada a la cultura y a las personas que lo visitan.

La parte central del Jingyang Camphor Court consiste en un claustro de madera que rodea los frondosos alcanforeros, lo que establece una atmósfera muy original en el núcleo central del complejo hotelero. Todos los nuevos espacios del hotel, los porches, las habitaciones, las salas de conferencias y el restaurante, están dispuestos alrededor de este nucleo central y conectados con él. Debido a las limitaciones del solar, no se pudieron crear otros grandes espacios públicos aparte del claustro. 

Las distancias entre los muros de los distintos espacios son muy estrechas, similares a la escasa anchura entre los muros exteriores de los edificios originales. Al situar todos los edificios muy cerca unos de otros, se crea una atmósfera íntima y acogedora, en la que los huéspedes pueden descubrir las distintas tonalidades materiales dispuestas a lo largo de los corredores, como si deambularan por un laberinto.

La zona oeste del hotel cuenta con un nuevo edificio con patio, en el que las fachadas de los tres edificios avanzan y retroceden para formar pequeñas plazas delante de ellos. Desde el exterior, el sutil retranqueo de estos edificios respecto a la calle, atrae y sorprende a los visitantes. 

La entrada del hotel está situada al este del solar y tiene un perfil deliberadamente bajo y discreto, acorde con la presencia de árboles y marquesinas. La pequeña altura discreta y proporcionada a la altura de las personas, crea un ambiente íntimo y acogedor a la llegada al hotel. 

Las habitaciones del hotel ocupan el antiguo espacio de dormitorios, al norte del patio central. Se conservaron sus muros, mientras que una nueva estructura penetra y sobresale del espacio existente. Cada habitación del hotel tiene un balcón que da al patio interior y a los corredores que comunican los edificios. 

El nuevo restaurante está situado en la estructura de la antigua fábrica, en la parte sur del solar. Los arquitectos de Vector conservaron las paredes laterales originales de esta reliquia industrial y añadieron aislamiento térmico y acústico. Además de los refuerzos estructurales generales, se añadió una nueva estructura metálica al tejado para aumentar la seguridad de los edificios. También se aumentó la altura del techo y se introdujeron nuevas claraboyas, creando un ambiente espacial más agradable y contemporáneo para los huéspedes, al tiempo que se rendía homenaje al pasado industrial del edificio. 

Los ladrillos de las estructuras originales tenían un tono rojo y naranja. Los arquitectos de Vector respetaron esta paleta de colores al elegir la tonalidad de los nuevos edificios. En todo el hotel utilizaron hormigón de color cálido y una fina capa de azulejos con un degradado similar. 

Los muros exteriores de los edificios nuevos y antiguos son una mezcla de ladrillos actuales y ladrillos de arcilla vieja. Entre ambos se ha vertido hormigón de color cálido para crear una transición armoniosa entre los elementos conservados y los añadidos. Su materialidad, color y textura están estrechamente relacionados con la historia de la producción de porcelana en Jingdezhen.

Proyecto: Jingyang Camphor Court Hotel.

Ubicación: Jingdezhen, Jiangxi, China.
Terminado: 2024.
Arquitectura, Interiorismo y Paisajismo: Vector Architects.
Arquitecto principal: Dong Gong.
Arquitecto del proyecto: Zhang Han.
Arquitectos de obra: Liu Yaduo, Xue Zhengnan
Gestión de la construcción: Zhao Liangliang, Li Jinteng
Equipo del proyecto: Guo Tianshu, Yan Xu, Gou Fanlin, Liu Yaduo, Li Jinteng, Ma Xiaokai, Mao Bo, Weng Qicheng , Liu Shida, Andre Chedid, Ai Xin, Li Mofei, Sun Yingyi, Gao Yudi, Guan Shipeng, Tao Wei, Li Jiahui.
Cerámica Art Avenue：Zhang Jie.
EPC Lead: An-design Architects. 

Project Architect: Hu Jianxin, Zhang Bingbing
.
Arquitectos: Wu Wenxue, Wang Zhi, Wang Yongping, Zhong Kai
.
Diseño estructural: Zhang Jueyang, Liu Yahui, Bi Xin
MEP
Design: Yang Yanan, Wang Juan, Guo Chunshuang, Feng Zhanwei, Shi Xiaofeng, Li Hui
Paisajismo: Li Siyu, Yu Mingyu, Yang Xu.
Consultor fachadas: An-design Architects, LongBang Construction Co., Ltd.
Consultor iluminación: X Studio, School of Architecture, Tsinghua University.
Consultor estructuras madera: IStructure & CROWNHOMES.
Consultor edificios inteligentes: BOE.
Diseño de señalización: Beijing SEED Cultural Media Co., Ltd.
Construcción: Shanghai Greenland Construction (Group) Co. Ltd., Suzhou Gold Mantis Construction Decoration Co. Ltd., Shanghai Fair Face Concrete Technology & Development Co. Ltd.
Sistema estructural: Estructura Frame, Estructura de acero, Estructura de madera.
Materiales: Hormigón visto coloreado, Vidrio, Ladrillo de terracota, Acero inoxidable, Madera laminada
Construido: 8.290 m2 (en superficie 6.347 m2/ subterráneo 1.943 m2)
Footprint Area: 2.400 m2.
Site Area：6.130 m2.
Fotografía: Pianfang Studio. Chen Hao-Vector Architects. Zheng Yuning-Vector Architects. Xu Jun-Vector Architects.

Dong Gong

Dong Gong (1972) obtuvo la licenciatura y el máster en Arquitectura por la Universidad de Tsinghua, seguidos de un máster en Arquitectura por la Universidad de Illinois. Trabajó para Solomon Cordwell Buenz & Associates en Chicago, y después en Richard Meier & Partners y Steven Holl Architects en Nueva York.

Dong Gong fundó Vector Architects en 2008. Fue elegido Miembro Extranjero de la Academia Francesa de Arquitectura en 2019. Ha sido profesor de estudios de diseño en la Universidad de Tsinghua y en la Academia Central de Bellas Artes. También fue nombrado Profesor Visitante Distinguido Plym en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign, y Profesor Visitante de la Universidad Politécnica de Turín, Italia.

Dong Gong y Vector Architects han sido invitados a varias exposiciones importantes, incluida la primera exposición de arquitectura china en el MoMA de Nueva York; la Bienal de Venecia 2018 «FREESPACE», y han ganado premios internacionales como «El premio de oro del Premio ARCASIA de Arquitectura»(2022); «RIBA International Awards for Excellence”(2021); “100+ Best Architecture Firms” seleccionado por Domus (2019); nominado para el Swiss Architectural Award (2018); el ganador absoluto de los premios italianos “Archmarathon Awards” (2016); y el “Design Vanguard” seleccionado por Architectural Record (2014).

En 2019, la revista de arquitectura AV Monographs publicó una monografía de Vector Architects titulada «Cosmopolitan Vernacular» (vol.220). Sus proyectos también han sido ampliamente publicados en Casabella, Arquitectura Viva, The New York Times, A+U, Detail, The Architectural Review, L’Architecture d’Aujourd’hui, Lotus, Domus y muchos otros.

Dong Gong ha sido invitado como conferenciante y crítico por instituciones académicas y profesionales como la Universidad de Tsinghua (China), la Universidad de Hong Kong (China), la Universidad Politécnica de Madrid (España), la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign (EE.UU.), el Instituto Federal Suizo de Tecnología Zürich-ETH (Suiza), la Société Française des Architectes (Francia), la Universidad Politécnica de Turín (Italia) y Casabella Formazione (Italia).

El estudio de Dong Gong se ha ganado el reconocimiento internacional por sus obras representativas, como Seashore Library, Seashore Chapel, Yangshuo Sugarhouse, Renovacion de the Captain’s House, Pingshan Art Museum, Haibing Center at Nankai University, Jingyang Camphor Court, y People’s Elementary School.

Vector Architects

Así entienden en Vector Architects su quehacer arquitectónico: “Todavía tenemos fe en el poder primitivo, tranquilo y eterno que encarna la propia arquitectura. Puede viajar a través del tiempo y resistir el desasosiego y la incertidumbre. La arquitectura tiene que abordar el contexto y responder a los problemas realistas de los parámetros sociales, políticos y medioambientales. Sin embargo, después de resolver todos los problemas, la arquitectura necesita conservar su capacidad de ir más allá de las limitaciones de la realidad, para recuperar su razón de ser, es decir, aliviar nuestro cuerpo y nuestra alma. La arquitectura es un medio para conectarnos estrechamente física, mental y emocionalmente con el mundo en que vivimos. En nuestra opinión, este es el valor y la responsabilidad última que debe tener la arquitectura.


Desde la creación de Vector Architects en 2008, nos centramos intensamente en las cuestiones del emplazamiento, la luz y el diseño. La arquitectura se arraiga en un lugar, y el lugar hace que la arquitectura sea real. Creemos que cada lugar, ya se encuentre en un paisaje natural o en un contexto urbano, debe poseer ciertas energías por su propia existencia. Estas energías pueden desprenderse de su paisaje, o de sus habitantes y sus comportamientos. La misión de la arquitectura es orquestar esas energías mediante tácticas espaciales precisas, de modo que puedan configurarse percepciones y modos de vida únicos. Cuando dejamos caer una piedra en el agua, generando ondas ondulantes, entonces sentimos que el agua fluye. Del mismo modo, una pieza arquitectónica no es un objeto independiente, sino un medio para conectar objetos y revelar un sentido.


La luz natural, al iluminar los materiales fijos y tangibles y los límites del espacio, disuelve simultáneamente sus limitaciones físicas. La luz produce emociones difusas e indescriptibles y ambienta el espacio. A medida que el sol recorre su trayectoria a lo largo del día en las condiciones cambiantes del tiempo y las estaciones, la cualidad intangible evocada también cambia, descubriendo el sentimiento del espacio y el ritmo de la vida. En arquitectura, la luz es un fenómeno que nuestros ojos observan, y un aura en la que sumergir nuestro cuerpo y nuestra alma.


La creación es la base de la arquitectura, y el proceso de creación es un conjunto de operaciones y manipulaciones de “materiales”. Las complejidades del diseño, así como las habilidades y el trabajo con las manos y el cuerpo durante la construcción, deja sus huellas en la arquitectura..

En la industria china de la construcción, problemas como los retrasos, el caos y los defectos son potenciales que hay que convertir en ventajas para los arquitectos. Seguimos nuestra estrategia de colaborar con los constructores. Para cada proyecto, enviamos a un arquitecto de obra para que participe en todo el proceso de construcción: desde la investigación, experimentación y fabricación de materiales de construcción, hasta la creación de prototipos y calibración de juntas y detalles, pasando por toda la supervisión y coordinación in situ, con el fin de garantizar la plena aplicación de las intenciones iniciales del diseño.

Este largo proceso de adaptación y colaboración nos ha dado muchas oportunidades prácticas de aprender de los constructores locales, lo que nos ha permitido revisar las limitaciones del proceso de diseño y documentación para evitar incoherencias entre los planos y la construcción.”

Fuente: Vector Architects. Traducción Exágono.

Otros proyectos de Vector Architects