El edificio se levanta en un barrio residencial de Dakar, integrado en un jardín de vegetación densa que preexistía al proyecto y que el diseño asume como condición primera. El solar linda con el Museo Léopold Sédar Senghor, y esa proximidad impone una responsabilidad de escala y tono que Kéré Architecture traduce en contención formal: un volumen compacto de dos plantas cuya silueta reproduce la línea de las copas de los árboles que llevan años habitando el lugar. La arquitectura toma forma a partir de su entorno.

Estructura de bloques de tierra compactada

La estructura completa se construye con bloques de tierra compactada (BTC) de origen local. El material aparece en los muros portantes, en las particiones interiores y en una segunda piel translúcida que envuelve el edificio hacia el exterior, filtrando la luz y dotando al conjunto de una presencia a la vez sólida y permeable. Esta segunda piel cumple también una función acústica: protege a los vecinos del ruido generado por una institución de actividad intensa —conciertos, exposiciones, clases, reuniones informales— y ofrece a los visitantes un umbral de calma respecto al tráfico de la calle. El material y la geometría trabajan juntos; cada decisión constructiva produce consecuencias espaciales, climáticas y relacionales al mismo tiempo.

La planta baja concentra la vida pública del edificio: el auditorio, la cafetería y la biblioteca se organizan con una lógica de apertura y accesibilidad, pensadas para acoger a una comunidad amplia y diversa. La planta superior aloja las aulas y las oficinas administrativas, separando el ritmo cotidiano del instituto de su dimensión más permeable hacia la ciudad. Sobre ambas plantas, una cubierta en voladizo, que prolonga la lógica de las copas arbóreas en el plano horizontal, proporciona sombra a todos los niveles, reduce la ganancia térmica y protege los espacios exteriores de la lluvia. El edificio respira a través de su sección: la ventilación natural atraviesa la doble piel y la cubierta regula la temperatura sin depender de sistemas mecánicos de climatización.

Arquitectura fruto de la colaboración

El Goethe-Institut de Dakar abre en abril de 2026, cuatro años después del inicio de la construcción y ocho desde el comienzo del diseño. Ese tiempo largo dice algo sobre la naturaleza del proyecto: una obra que requirió coordinación entre equipos en Berlín y Dakar, ingenieros locales y colaboradores internacionales, la tradición constructiva en tierra del África Occidental y los estándares de una institución cultural de alcance global. La directora del Goethe-Institut Dakar, Stefanie Peter, lo formuló con precisión en el día de la inauguración: la arquitectura como acto de traducción, como práctica que emerge de la negociación, la mediación y la cooperación sostenida en el tiempo.

Kéré, por su parte, recordó: “Mi primer edificio fue una escuela. Siempre he entendido que donde la gente viene a aprender, también viene a encontrarse, y donde se encuentran las personas es donde se crea la cultura.” El Goethe-Institut de Dakar existe en esa intersección: un edificio enraizado en el lugar donde se asienta, construido con la tierra de ese lugar, y abierto a la ciudad con la confianza de quien sabe que la belleza, cuando es honesta, es también hospitalaria.

Proyecto: Goethe-Institut Sénégal.
Ubicación: Dakar, Senegal.
Superficie: 1.800 m².
Diseño: 2018–2021.
Terminado: 2026.
Arquitecto: Francis Kéré.  Kéré Architecture.
Arquitectos de proyecto: Jaime Herraiz Martínez, Andrea Maretto Equipo · Fabiola Büchele, Léon Bührer, Javier Mola Cardenes, Linda Franken, Juan Carlos Zapata.
Colaboradores: Worofila, André Poretti, Delta Ingenieurs Conseils, Dial Consulting, Scat Internationale s.a., Elementerre, Matthias Middelkamp.
Fotografía: Iwan Baan.
Fuente: Goethe-Institut.

Francis Kéré

Francis Kéré nació en Gando, una aldea rural de Burkina Faso sin electricidad ni agua corriente, y creció con la convicción de que la belleza tiene capacidad transformadora. Esa convicción es una certeza forjada en su propia comunidad: en el calor que aplasta los cuerpos bajo techos de zinc, en la ausencia de escuelas que obliga a los niños a aprender a la intemperie, en la comprensión temprana de que el espacio construido puede dignificar o degradar una vida.

Marchó a Alemania becado para formarse como maestro de obras y acabó doctorándose en arquitectura en la Universidad Técnica de Berlín. Antes incluso de terminar sus estudios, proyectó y recaudó los fondos necesarios para construir la Escuela Primaria de Gando junto a los vecinos de su pueblo natal. Cuando el edificio se terminó en 2001, era el primero que la aldea había tenido nunca. Tres años después, en 2004, esa obra le valió el Premio Aga Khan de Arquitectura, uno de los premios más importantes del mundo árabe y africano, y le situó de golpe en el centro de la conversación arquitectónica internacional.

En 2005 fundó en Berlín Kéré Architecture GmbH y, simultáneamente, la Kéré Foundation e.V., una organización sin ánimo de lucro dedicada a continuar el trabajo en Gando. Los dos proyectos nacen con el convencimiento de que rigor formal y compromiso social no son términos opuestos sino condición el uno del otro.

Desde entonces, Kéré ha construido en cuatro continentes. Sus obras incluyen la Asamblea Nacional de Burkina Faso, el Lycée Schorge en Koudougou, la Clínica Quirúrgica y Centro de Salud de Léo, el Pabellón Serpentine de 2017 en Londres y Xylem, el pabellón para el Tippet Rise Art Centre en Montana. La escala varía; la lógica de fondo permanece: cada proyecto toma la especificidad del lugar —su clima, sus materiales disponibles, sus formas de vida colectiva— como punto de partida.

Ha enseñado en la TU München, en la Harvard Graduate School of Design, en la Accademia di Architettura di Mendrisio y en Yale. Ha expuesto en la Bienal de Venecia, en el Museo ICO de Madrid, en el Architekturmuseum de Múnich y en el Philadelphia Museum of Art. En 2022 recibió el Premio Pritzker, la distinción más alta de la profesión, convirtiéndose en el primer arquitecto africano en ser reconocido con él.

La práctica de Kéré Architecture, con equipos en Berlín y en Burkina Faso, mantiene una doble orientación que define su identidad desde el origen: la excelencia constructiva entendida como deuda moral con quienes habitan los edificios, y la convicción de que es posible, y necesario, construir con belleza en los lugares donde más se necesita.

Arquitectura de pertenencia

El mayor desafío del proyecto fue crear para los niños un entorno familiar, reconocible, que respetara las costumbres visuales y materiales de la población local. El lenguaje arquitectónico del Campus bebe de la tradición de las construcciones espontáneas etíopes, pero ordenado en composiciones claras y protectoras. Los patios interiores, en los edificios principales, evocan la tipología mediterránea y se convierten en lugares de encuentro y de aprendizaje, un espacio seguro para el juego y la convivencia.

El clima exigente de Soddo —con calor intenso y lluvias estacionales— fue otro de los retos superados con ingenio. Las fachadas se protegen con filtros de madera de eucalipto, que funcionan como celosías brise-soleil, mientras que los amplios aleros y balcones proporcionan sombra y ventilación pasiva. Estos espacios intermedios, a medio camino entre interior y exterior, actúan como verandas que resguardan de la lluvia y permiten mantener vivas las actividades al aire libre.

Materiales de la tierra

La arquitectura se levanta sobre materiales profundamente ligados al lugar. El eucalipto, árbol nacional de Etiopía, se utiliza desde la fase de construcción para los andamios, hasta las estructuras de cubierta, las celosías solares y las barandillas. La piedra local reviste los suelos de los patios, mientras que la arcilla roja colorea la arquitectura, otorgando a los espacios un vínculo directo con el territorio.

El Campus es también un organismo autosuficiente: cuenta con huertos, pequeños espacios para la cría de animales y un pozo propio que abastece no solo a los residentes, sino también a la comunidad vecina. Los niños participan en estas actividades como parte de su aprendizaje, integrando la educación formal con la experiencia directa de la tierra y el cuidado compartido.

Un taller de tipografía: lugar de edición y aprendizaje

En diciembre de 2024, un nuevo sueño se hizo realidad: el nacimiento de un taller de tipografía dentro del Campus. Llegado en un contenedor desde Italia, con impresoras digitales, cortadoras, encuadernadoras, tóneres, cuchillas, pegamento y 25 palés de papel, este espacio representa un punto de inflexión, convirtiéndose en un auténtico centro de producción de libros escolares.

Antes, las escuelas de Soddo apenas disponían de ejemplares, y los niños debían aprender con una sola copia desgastada. Hoy, gracias al taller, se editan libros de texto distribuidos gratuitamente, mientras jóvenes residentes se forman como artesanos del conocimiento. Dos técnicos especializados enseñan a los primeros aprendices el oficio de crear y encuadernar libros, sembrando una semilla de autonomía educativa que perdurará en el tiempo.

Proyecto: Busajo Campus.
Ubicación: Soddo, Etiopía.

Superficie: 33.500 m² (parcela) – 4.300 m² (contruido).
Arquitectura: André Benaim, Studio Benaim.
Cliente: Busajo Onlus.
Consultores: AeI progetti, Florencia.
Fotografía: Pietro Savorelli.
Construcción: 2015-2020. Ampliación 2025.

Studio Benaim

En Florencia, Studio Benaim es un estudio de creación arquitectónica, fundado por el visionario André Benaim, quien trajo consigo la herencia de su formación y una profunda sensibilidad hacia el patrimonio de su ciudad adoptiva. El estudio está formado por un grupo de jóvenes arquitectos talentosos con la coordinación de André, generando un diálogo entre juventud, tradición y modernidad. Su filosofía se nutre de la rigurosidad y la poesía: “sabemos ser románticos y rigurosos”, según su propia declaración.

La obra de Studio Benaim se caracteriza por un compromiso profundo con la historia y el entorno florentino, capaces de reinterpretar espacios cargados de memoria con una mirada contemporánea. Tal es el caso de Villa Bellosguardo, en las colinas de Florencia: el estudio recupera y armoniza un edificio fragmentado incorporando un lenguaje limpio de geometrías mediterráneas, e integrando criterios de sostenibilidad como aislamiento térmico, vidrios atermales y envolventes eficientes.

El compromiso con la restauración y la transformación consciente se manifiesta también en proyectos como la acogedora Fattoria di Capezzana, donde una antigua casa rural se convierte en una estructura agroturística sensible al entorno histórico.

En cada intervención, Studio Benaim demuestra una cualidad esencial: un equilibrio entre respeto y reinvención. Su arquitectura invita al diálogo: la historia existe, la modernidad se asoma, el espacio respira.

El ladrillo rojo, como material de construcción importante en la arquitectura clásica italiana, se convierte en un elemento de diseño necesario. La historia del ladrillo rojo se remonta a la antigua época romana. Con el desarrollo de su aplicación, su uso se extendió gradualmente desde Roma a toda la península itálica. Los edificios de ladrillo rojo, con su estilo sencillo y su larga herencia, se han convertido en un punto de partida en la exploración de la cultura italiana.

Li Xiang obtiene el significado constructivo común de los ladrillos rojos del doble contexto cultural de China e Italia, destacando el espíritu artesanal inherente al material. El meticuloso trabajo artesanal de tallar y apilar ladrillos tiene en cuenta la sutileza del espacio, y también pretende recordar que es preciso ralentizar el ritmo de vida en la era de las prisas. Esto mismo ocurre con la lectura; sólo leyendo lentamente palabra a palabra puede uno encontrar la paz del espíritu.

El diseño pretende difuminar los límites físicos de la arquitectura, sugiriendo que las fronteras del conocimiento y la sabiduría son imprecisas, pero el fundamento espiritual es claro y firme.

La búsqueda de la innovación en el vocabulario arquitectónico tradicional

El proyecto se inspira en el objeto cotidiano y familiar de las persianas, extrayendo una percepción desconocida. La luz que atraviesa las lamas se separa en hilos, entrelazando luz y sombra. La diseñadora observa una técnica de corte en la estructura superpuesta de las persianas y la traslada al orden constructivo de la biblioteca.

Los huecos de las persianas se introducen en la densa mampostería original, transformando en ligera la pesada textura material, creando un efecto visual donde se entrelaza lo virtual y lo real, haciendo el espacio transparente y dinámico. La estrategia de diseño de intervenir en la técnica de apilamiento con una lógica de corte, no es sólo una práctica artística de desmontar y volver a montar elementos arquitectónicos clásicos, sino que también pone de relieve la persistencia en el pensamiento independiente y la búsqueda de la innovación en el marco de un profundo vocabulario arquitectónico tradicional.

En el centro del edificio se extienden capas de acero azul oscuro, con el color extraído del agua marina del puerto de Tianjin, y la forma de corte más delicada corresponde a las ondulantes olas, interpretando el espíritu del mar que abarca todos los ríos y el carácter urbano de Tianjin. Los grandes arcos avanzan hacia arriba, como si la marea subiera con ondas, simbolizando la difusión y propagación del conocimiento a través de los libros.

Nada más entrar en la biblioteca, los escalones se elevan, extienden y profundizan. Hay que subir los escalones para pasar al cuerpo principal de la biblioteca, que representa metafóricamente la búsqueda incesante de la verdad por parte de la humanidad. A medida que uno avanza físicamente, el espíritu viaja a través de los libros, con el cuerpo y la mente persiguiéndolos juntos. Los escalones se extienden hasta las estanterías, y la forma progresiva simboliza las características locales de la ciudad portuaria: barcos zarpando, pensamientos diversos llevados por el mar, avanzando hacia las profundidades, siguiendo un camino siempre en movimiento.

Redefinición innovadora del uso del ladrillo

Todo el cuerpo principal de Tianjin Zhongshuge se completa únicamente con ladrillos, complementados con herrajes, sin ninguna intervención superflua. El acero, con su moderna fuerza industrial, armoniza con el encanto clásico de los ladrillos rojos, y la mezcla de tonos cálidos y fríos consigue desplegar una tensión visual.

El entrelazamiento y escalonamiento de los materiales no sólo existe como estructura física, sino que también da origen a la forma de las estanterías. Éstas se extienden de forma natural con el espacio, guiando suavemente la disposición de asientos y escalones. La disposición funcional toma forma de manera natural, reflejando el alto nivel de integración y coexistencia armoniosa del diseño. Así, diversas funciones como la exposición, el descanso y las líneas de flujo de tráfico en el espacio, se integran mediante una lógica de diseño coherente, en la que cada elemento es a la vez independiente y está estrechamente vinculado.

En cuanto a la tecnología de construcción, la lógica de montaje es minimalista, con ladrillos apilados uno a uno y placas de acero colocadas en capas progresivamente. En última instancia, el gran edificio comienza con dos materiales y una acción, similar a la determinación de Mr. Fool moviendo montañas para llevar a cabo una tarea ingente. Los anillos entrelazados, las capas anidadas y la acumulación de pequeños esfuerzos conducen a resultados significativos. Si se desea sustituir un determinado ladrillo o capa, habría que desmontar desde el final de la secuencia de construcción actual en sentido inverso, lo que sin duda exige un alto nivel de concentración y precisión por parte de los constructores.

Aquí, los ladrillos y el acero, materiales estructurales de construcción, se utilizan para una delicada expresión espacial, ya no se ocultan bajo la decoración como un material más, sino que se convierten en una expresión directa del espíritu de la construcción.

Una nueva visión del ladrillo y su rica gama de formas expresivas

Los ladrillos rectangulares comunes son regulares pero monótonos, y las técnicas tradicionales de colocación, aunque pueden mostrar ciertos patrones, están inevitablemente ligadas a un sentido de formalidad. En este proyecto podemos examinar los contornos de la forma del ladrillo desde una dimensión escultórica, suponiendo una rebelión contra la forma rígida tradicional. Se utilizaron unos 400.000 ladrillos. Si los analizamos uno a uno obervaremos que fueron tratados según las diferentes necesidades de escala, dotándoles de una rica gama de formas expresivas.

Cada forma de ladrillo se diseñó específicamente para esta biblioteca, con una solución de diseño personalizada que exigía a posteriori la repetición de los materiales. Se diseñaron ladrillos de diferentes formas y tamaño, en función del estilo general, la distribución espacial y los requisitos funcionales de la biblioteca. Desde los bocetos conceptuales iniciales hasta la construcción de modelos tridimensionales detallados, el equipo de diseño realizó innumerables simulaciones y validaciones para garantizar la perfecta presentación de cada detalle en la aplicación real, previendo posibles situaciones diversas.

Tomando como ejemplo una única estantería, y teniendo en cuenta las necesidades de visibilidad de la misma desde distintas direcciones, se diseñó una mesa de colocación de libros continua en la parte inferior, en transición con un contorno curvo. La tendencia a la transición se extiende a un área cada vez mayor, con lo que los ladrillos de esa zona, aunque todos trapezoidales, varían de tamaño lo que requiere un molde distinto. Incluso en un espacio reducido, la inversión es innegable.

El diseño poco convencional requiere que el fabricante siga el ritmo de las ideas, rompa con la inercia del pensamiento habitual e intente hacer las cosas sin ninguna experiencia en la que basarse. Para ilustrar las necesidades de la forma del ladrillo y destacar las sutiles diferencias, el equipo de diseño ha proporcionado vistas superiores, secciones transversales y diagramas de nodos desde distintos ángulos para un solo ladrillo. La producción de ladrillos requiere que los artesanos corten cada uno a mano para asegurarse de que la forma cumple los requisitos del diseño.

El uso de técnicas de corte para difuminar la realidad física de la arquitectura transmite metafóricamente que los límites del conocimiento humano también son imprecisos, por lo que necesitamos buscar ideas claras en la lectura. La nueva exploración en torno a los materiales del ladrillo intenta reducir el énfasis en la tecnología y volver a pensar en la propia forma en sí, innovando fundamental y originalmente el material. El diseño deconstruye el vocabulario espacial de la arquitectura clásica occidental, traduce el núcleo de la artesanía con la cultura local y, en última instancia, es la narrativa emocional de la propia ciudad.

Proyecto: Tianjin Zhongshuge Bookstore.
Diseño: X+Living. Directora de diseño: Li Xiang.
Director técnico: Wu Feng
Director de proyecto: Cui Zehuan.
Diseñador: Chengqing Zhang Zhiyu Xiao Yuting.
Ubicación: Tianjin, China.
Superficie: 1821㎡.
Terminado: septiembre 2024.
Fotografía: SFAP.
Texto: X+Living.
Traducción: Exágono.

Li Xiang

Li Xiang, licenciada en Arquitectura por la Birmingham City University (Reino Unido), fundó X+Living en 2011, un estudio internacional de arquitectura y diseño. “Nuestro concepto central en el diseño es crea valor y nos esforzamos por integrar a la perfección la estética artística y la funcionalidad en nuestros proyectos” comenta.

Al adoptar una visión del mundo diversa, busca un nuevo paradigma en el diseño futurista. “Todas mis inspiraciones se derivan del mismo objetivo de diseño, crear un diseño que pueda llegar al corazón de los demás. Mi trabajo no consiste sólo en decorar un espacio, sino en utilizar técnicas arquitectónicas para crear una ciudad y un mundo dentro de ese espacio. Mi trabajo siempre parece tener un estilo mágico, soñador, incluso surrealista, y esto se debe a que lo que quiero crear no es sólo un espacio bonito, sino una experiencia espacial para los visitantes” comenta Li Xiang.

X+Living diseña muebles a medida para la mayoría de sus proyectos, con el objetivo de conseguir una experiencia de inmersión en los espacios creados.

Su trabajo ha sido reconocido en todo el mundo con numerosos premios. Ha sido invitada a participar como jurado en concursos internacionales como los Dezeen Awards, los Frame Awards y los A’ Design Awards. Fue nombrada Diseñadora con más potencial de Forbes, Diseñadora de interiores del año de los Premios Iconic Design de Alemania y Diseñadora global de interiores en los Premios Prix Versailles.

En 2020, fue la única diseñadora china seleccionada por Fast Company en el Most Creative People in Business. En 2021, se convirtió en la única diseñadora china incluida en la lista PMI Future 50.

Fuente: X+Living.