Nacida en Verviers (Bélgica), Pascale Zintzen creció rodeada de objetos, herramientas y procesos manuales. Desde muy joven se interesó por el trabajo artesanal y por la capacidad de las manos para transformar la materia. Esa curiosidad la llevó a explorar diferentes disciplinas antes de llegar definitivamente a la cerámica: estudió Arqueología e Historia del Arte, se formó en tapicería tradicional y mantuvo siempre una relación cercana con los oficios manuales.  

Tras viajar por distintos países, se instaló definitivamente en Barcelona en 2016, una ciudad desde la que ha desarrollado su práctica artística y su estudio. Poco después descubriría la cerámica de manera casi accidental, gracias a unas clases que le regaló una amiga. Aquella experiencia marcaría un punto de inflexión. La artista recuerda ese momento como una revelación: trabajar la tierra le proporcionó una sensación de calma y una necesidad inmediata de seguir creando. Desde entonces, confiesa, raramente han pasado más de cuarenta y ocho horas sin modelar barro.  

De ese descubrimiento nació Oikos Estudio, un proyecto artístico que toma su nombre del término griego oikos, entendido como casa, hogar o espacio donde la vida sucede. La elección no es casual: para Zintzen, el taller, la familia y el proceso creativo forman parte de una misma continuidad vital. Su práctica se desarrolla entre su estudio en Barcelona y su casa-taller en el Baix Ebre, un paisaje rural cercano al delta del Ebro donde la artista encuentra el ritmo pausado que necesita para trabajar.  En este entorno, rodeada de campo, olivos y silencio, la vida doméstica y la creación conviven de forma natural. El taller no es un espacio separado del mundo, sino una extensión del habitar cotidiano.

El gesto, la materia y la memoria

La obra de Pascale Zintzen se construye a partir de procesos manuales deliberadamente lentos. Sus piezas se modelan sin moldes, mediante técnicas tradicionales como el enrollado o la construcción por placas. Cada recipiente se levanta gradualmente, capa a capa, en un proceso que exige atención, repetición y paciencia.  

La artista trabaja principalmente con stoneware y arcillas de alta temperatura, materiales que le permiten explorar superficies densas, texturas irregulares y acabados profundamente táctiles. A menudo incorpora pigmentos naturales recogidos durante sus paseos, una práctica que introduce en las piezas el paisaje que le rodea.

El resultado son objetos que parecen situarse entre la arqueología y la escultura contemporánea. Vasijas que recuerdan a recipientes antiguos, formas que evocan artefactos rituales o fragmentos de una cultura imaginaria. Esta dimensión arqueológica no es casual: la artista reconoce la influencia de su formación académica y su fascinación por los objetos cotidianos de civilizaciones antiguas.

Con el paso del tiempo, su trabajo ha evolucionado desde piezas más cercanas al ámbito doméstico hacia un lenguaje cada vez más escultórico. Los volúmenes se vuelven más grandes, las proporciones más radicales y las superficies más expresivas. Las piezas dejan de ser únicamente contenedores para convertirse en presencias autónomas.

Entre la cerámica y el bronce

En 2025, Zintzen amplió su práctica introduciendo el bronce, trabajado mediante la técnica tradicional de cera perdida. Esta incorporación no supone un cambio de dirección, sino una extensión natural de su vocabulario formal.

Una de las primeras esculturas en este material es Buffalo Moon, una figura que sintetiza muchas de las tensiones presentes en su trabajo: fuerza y fragilidad, arcaísmo y contemporaneidad. Realizada en una edición limitada de doce piezas, la obra traslada a un material metálico la gestualidad y la sensibilidad táctil que caracterizan sus cerámicas.  

La presencia del bronce abre un nuevo campo material en su práctica, manteniendo al mismo tiempo la relación con técnicas ancestrales y procesos manuales.

Artefacts of Shelter: una colaboración con Matter Edit

El 24 de marzo de 2026 se presentó Artefacts of Shelter, una colección desarrollada junto al estudio británico Matter Edit. El proyecto propone tres piezas —destinadas a contener líquidos, almacenar elementos secos y alojar fragancias ceremoniales— que remiten a necesidades humanas fundamentales: habitar, conservar y ritualizar.  

La colaboración se inspira en gestos primitivos: el momento en que los primeros humanos comenzaron a moldear la tierra para crear refugios y recipientes. Desde esa perspectiva antropológica, los objetos de la colección se sitúan en un territorio donde diseño, arquitectura y arte se entrelazan.

Más que objetos decorativos, las piezas funcionan como artefactos simbólicos, pequeñas arquitecturas de barro que hablan de protección, identidad y memoria colectiva.

Arte contemporáneo y tradición

En los últimos años, el trabajo de Pascale Zintzen ha ganado visibilidad en distintas galerías y espacios europeos. Sus piezas están representadas por Etesian Gallery en Menorca, Galerie Lalune en Francia y Scenario Collective en Milán, y forman parte de exposiciones y proyectos curatoriales en varios países.  

Su presencia también se extiende al ámbito del diseño contemporáneo a través de colaboraciones con marcas y proyectos culturales, manteniendo siempre una relación directa con el hacer artesanal.

A pesar de esta proyección internacional, el centro de su práctica continúa siendo el mismo: el taller, la tierra y el gesto repetido de las manos.

Una práctica como forma de vida

En la obra de Pascale Zintzen no existe una separación clara entre vida personal y práctica artística. Su trabajo se alimenta de los ritmos domésticos, de la crianza de sus hijos, de los paseos por el campo y del tiempo compartido en familia. Modelar arcilla se convierte así en una forma de atención: una manera de permanecer presente en el mundo. Cada pieza surge de ese diálogo lento entre cuerpo y materia, entre memoria cultural y experiencia cotidiana.

En un momento en que el diseño tiende a la velocidad y la producción en serie, las obras de Zintzen proponen otra forma de relación con los objetos: más silenciosa, más paciente y profundamente humana. Como sus propias vasijas, su trabajo habla en voz baja, pero con una persistencia que permanece.

Nacida en Madrid, se formó inicialmente en Restauración de Antigüedades y en Escultura e Historia del Arte en la Universidad, y ejerció como Museóloga. Con 34 años abrió su primera Escuela de Arte en el centro de Madrid. En 2010 creó el Espacio Creativo Creae, su segunda escuela y, actualmente dirige Latrés, su tercera escuela, galería y taller, en plena Sierra de Tramontana en Selva (Mallorca).

Actualmente centra su trabajo en la cerámica artística, una actividad en la que el gesto tiene el mismo peso que el resultado final. “Crear no es un acto rápido ni inmediato: es un proceso que exige cuidado, paciencia y respeto por los tiempos de la materia”. Esa actitud atraviesa toda su obra y define tanto el ritmo de producción como la naturaleza de cada pieza.

En su estudio, el tiempo adquiere otra dimensión. “Cuando empiezo a trabajar no hay nada más: solo el barro, la respiración y el instante que se abre”. La práctica se convierte así en un ejercicio de presencia, donde la artista acompaña a la materia sin forzarla, aceptando la imperfección como parte del proceso y confiando en que el propio hacer depure lo innecesario. Con los años, ese aprendizaje se ha transformado también en una manera de estar en el mundo, más serena y consciente: “Hoy elijo otro ritmo. Crear despacio”.

La naturaleza es una referencia constante, no como imagen a reproducir, sino como memoria y sustrato. Las montañas que rodean su estudio y la costa de Mallorca —con sus piedras erosionadas por el mar y la sal— permanecen latentes en su trabajo. “No intento reproducir esos paisajes, sino acercarme a ellos desde la humildad”, explica, entendiendo toda creación como una interpretación necesariamente imperfecta y humana.

Trabaja con barro desnudo y mezclas propias que incorporan arena, piedra, texturas volcánicas, tierras y cenizas. El proceso puede incluir varias cocciones y posteriores intervenciones sobre piezas ya horneadas, combinando el uso del fuego con pátinas en frío: ceras, betunes, óleos y procesos de envejecimiento que añaden capas de tiempo y memoria. “Uso el horno como forma de fuego —como un elemento vivo—, pero no abandono las pátinas que no necesitan quema”. Cada objeto se convierte así en un pequeño contenedor de experiencia, que porta historia y presencia.

Virginia Torrego rehúye la repetición. Su producción es lenta, limitada y consciente, orientada a piezas únicas que entienden la exclusividad como autenticidad. “Nunca quiero dos piezas iguales”, señala, buscando formas silenciosas y esenciales, cercanas al minimalismo. Prefiere los colores neutros, las superficies que guardan huella y las formas que respiran. No se adhiere al wabi sabi como estética, sino como actitud vital: aceptar, simplificar, permitir que el tiempo dialogue con la materia.

Actualmente desarrolla un proyecto de lámparas de barro cargadas de piedra, suspendidas con cuerda, objetos que remiten a lo ancestral y a formas antiguas de habitar el espacio. Piezas que, como el resto de su trabajo, se sitúan en un territorio intermedio entre arte, objeto y presencia.

Su obra se muestra y comercializa en galerías de Mallorca y Menorca, así como en la galería de su propio estudio. Defiende el valor del trabajo artesanal y la necesidad de volver a materiales honestos y procesos lentos en un mundo acelerado. “Mi obra es tierra, fuego y silencio”, resume. En la cerámica ha encontrado un lugar de calma y de refugio, un espacio donde la materia y las manos se encuentran, y desde el que su trabajo continúa evolucionando con coherencia, quietud y profundidad.

Tras años trabajando desde el estilismo y la dirección creativa —seleccionando, ordenando y dando sentido a piezas ajenas—, Mar decide situarse en otro lugar. Sin abandonar lo aprendido, consigue destilarlo. Lempicka surge cuando la autora comprende que ha llegado el momento de crear desde el origen, de asumir la materia como lenguaje y de aceptar que diseñar implica, también, exponerse.

La colección toma su nombre de Tamara de Lempicka, referencia explícita a una geometría femenina y rotunda. A esa herencia se suma la concepción egipcia del tiempo, entendida como permanencia. Dos influencias que no aparecen de forma literal, sino que se traducen en proporción, peso y presencia.

El origen del proyecto está ligado a un momento de introspección y a un viaje en solitario a Egipto, que actúa como detonante conceptual y emocional. Allí, la diseñadora asimila una lección que atraviesa toda la colección, “Egipto me enseñó que la transformación necesita tiempo”, confiesa la diseñadora. Ese aprendizaje se refleja tanto en el ritmo del proceso como en el resultado final, donde nada es apresurado ni superfluo.

Para materializar este universo, Mar Gausachs encuentra en la ceramista Montse Lozano, del taller Areté d’Empordà, a la cómplice necesaria. La alianza se plantea como un trabajo compartido desde valores comunes: respeto por el oficio, excelencia artesanal y comprensión del tiempo como parte esencial del diseño. Cada pieza se tornea a mano, capa a capa, en gres chamotado cocido a alta temperatura, asumiendo la imperfección controlada como signo de identidad. El acabado, sobrio y esencial, remite a materiales que forman parte habitual del imaginario de la diseñadora —cemento, cal, hierro, textiles— y refuerza una estética que huye del ornamento para centrarse en lo estructural.

La colección se compone de siete objetos que responden a tipologías esenciales del hogar: jarrones, bowls, una lámpara, un centro de mesa y una taza. Piezas funcionales que adquieren aquí una dimensión escultórica, no por su vocación monumental, sino por su capacidad de ocupar el espacio con serenidad.

El jarrón Hathor, dedicado a la diosa egipcia de la belleza y la protección, es alto y contenido, pensado para representar la energía femenina. El jarrón Nefer, más bajo y compacto, reivindica la plenitud desde el equilibrio. La lámpara Metameric, la pieza de mayor formato, introduce uno de los conceptos clave de la colección: el metamerismo. Según la luz y el entorno, su superficie oscila entre grises y marrones, revelando una identidad cambiante que nunca se fija del todo. El centro de mesa Quantum alude a la transformación constante de la materia, mientras que los bowls Kheper, en dos tamaños, celebran el ciclo continuo de lo cotidiano. Cierra la serie la taza Mar, concebida inicialmente como regalo: un objeto íntimo, pensado para acompañar el gesto de lo cotidiano.

Cada pieza está firmada por la diseñadora con la palabra MAR, una decisión consciente que refuerza el carácter íntimo del proyecto. Aquí su nombre aparece no como una marca, sino como una presencia. En la base, está también la firma de la ceramista Areté.

Lempicka no pretende definir tendencia alguna, es una colección pensada para permanecer, para convivir con el paso del tiempo sin perder sentido. Con Lempicka, Mar Gausachs abre un territorio que es algo más que una línea de producto. Un territorio en el que el diseño se entiende como gesto consciente, la materia como memoria y el tiempo como aliado.

La presentación oficial de Lempicka está teniendo lugar en Maison&Objet Paris, del 15 al 19 de enero de 2026, como culminación natural de un proceso que ha sabido esperar. A partir de ahí, las piezas inician su propio recorrido, disponibles a través de los canales de la diseñadora y, desde febrero, en su web oficial.

Proyecto: Colección Lempicka.
Fecha de diseño: 2025.
Diseñadora: Mar Gausachs.
Fotografía: María Pujol.
Ceramista: Montse Lozano. Taller Areté d’Empordà.
Fuente: Marta Alonso. MASmedia.

Mar Gausachs

Hay trayectorias profesionales que se forjan con la coherencia silenciosa de un recorrido a través de muchos años, impregnado de un gran talento y una gran vocación. Así ha sido la trayectoria de Mar Gausachs. Con su trabajo durante más de 20 años ha conseguido construir un lenguaje propio, que culmina en su nueva colección Lempicka, llamada a ser un punto de inflexión en su recorrido en el mundo de la decoración, el interiorismo y el diseño.

Formada en Visual Merchandising en el IED Instituto Europeo di Design entre 2003 y 2005, y con un posgrado en Retail Design por Elisava (2006–2008), Mar inicia su carrera profesional desde una comprensión precisa del espacio como medio narrativo. El punto de partida no fue nunca la decoración entendida como superficie, sino el uso, la experiencia y la relación entre objeto, contexto y persona.

Esa mirada se afianza en su paso por firmas como E. Furest, Mandarina Duck o Textura, entornos donde el producto convive con el relato y donde el espacio actúa como mediador entre marca y usuario. Durante siete años, como directora creativa del Grupo Casa Viva, Mar desarrolla una labor extensa y compleja. Esta marca, con más de veinte tiendas en España y Andorra fue el campo de pruebas donde aprendió a tomar decisiones con impacto real, sostenidas en el tiempo.

En 2018 inicia su etapa como freelance, centrada en estilismo, dirección creativa y set design. Desde entonces, su trabajo se despliega con mayor precisión: proyectos editoriales, espacios domésticos, encargos para marcas y particulares que buscan algo más que una imagen afinada. En su práctica, cada elección responde a un propósito. La estética es una construcción que define su actividad durante todo ese tiempo.

Paralelamente, desde hace dos años, comparte proceso y pensamiento con la fotógrafa María Pujol. Juntas fundan Kanela Estudio, un tándem en el que fotografía y estilismo dialogan desde el respeto mutuo y la independencia creativa. Esta asociación no es una fusión de autorías, sino una colaboración consciente, donde cada proyecto se aborda desde la suma de miradas.

Tras años trabajando con objetos diseñados por otros, Mar da un paso más y decide producir desde el origen. Diseñar más allá de un ejercicio de estilo. La cerámica aparece aquí como materia lenta, resistente, capaz de absorber el tiempo y devolverlo en forma de presencia. Su colección Lempicka destila su alma poética y la convierte en forma.

Mar Gausachs forma parte de una generación que entiende el diseño como responsabilidad. Conocimiento técnico, sensibilidad cultivada y una relación honesta con el proceso definen su trabajo. En un contexto saturado de imágenes rápidas, su práctica propone otra velocidad, la del tiempo lento, con rigor y con una voz propia que no necesita gritar para ser escuchada. Mar Gausachs ocupa ya un lugar privilegiado en el panorama del interiorismo, la decoración y el diseño contemporáneo.

Licenciada en Bellas Artes, especializada en restauración de pintura, Silvia se dedicó durante varios años a la restauración de pinturas murales en yacimientos arqueológicos hasta que descubrió la cerámica. Se formó en la Escuela de Cerámica Francisco Alcántara y ha convertido su trabajo con la arcilla en el espacio donde su creatividad respira con más claridad: “Para mí la cerámica es la manera de construir un mundo en el que me encuentro bien. Pero, sobre todo, lo que busco es hacer piezas bellas que ocupen su espacio digna y expresivamente”. Su trabajo se reconoce al instante: superficies rugosas, colores terrosos, óxidos profundos, interiores esmaltados que contrastan con exteriores ásperos. Esa tensión sensible entre dureza y caricia define su lenguaje.

Ecos ancestrales

Hay algo ancestral en su renuncia al torno. Silvia comprendió que ese método no pertenecía a su forma de crear: “Me di cuenta de que el torno no era para mí, al descubrir otras técnicas constructivas que me permitían huir de la simetría y la perfección de las piezas hechas con torno”. Trabaja únicamente con barro refractario, un material honesto que le permite abrazar el azar, lo inesperado, lo que sucede entre las manos cuando la idea deja de ser idea y se convierte en forma: “un material… que potencia la creatividad de todo el que entra en contacto con él”. En su proceso, el barro dialoga, cambia mientras ella lo cambia. Y juntos encuentran una dirección: el barro le guía, le cuenta lo que quiere ser.

Aunque su obra destila modernidad, Silvia la entiende como una continuidad histórica: “objetos de arqueología futurista o atemporales”, una expresión que define con precisión la identidad de su trabajo. No es casual que visite museos de arqueología como quien visita un oráculo, ni que confiese emocionarse ante una pieza prehistórica. Esa herencia se percibe no solo en las formas, sino en su búsqueda esencial: “su esencia orgánica, sin adornos ni florituras técnicas”. Sus mezclas artesanales de esmaltes, sus texturas rugosas, sus perfiles inesperados anuncian un lenguaje personal que expande los límites del oficio. Sus piezas recuerdan a la cerámica antigua, pero con un estilo muy peculiar que convierte su obra en contemporánea. Su legado es un puente: de lo arcaico a lo actual, de lo intuitivo a lo diseñado.

La cerámica como espacio interior

Trabajar con barro es para Silvia una forma de habitarse: “una especie de meditación que conecta con la memoria dormida, una sensación de concentración plena, instantánea, sin esfuerzo”. Ahí reside la verdad de su obra: cada cuenco, cada fuente, cada jarrón es una conquista silenciosa contra la prisa. Una invitación a recuperar la atención, a volver al tacto, a permitir que los objetos nos recuerden que la belleza, cuando es honesta, nace de lo esencial.

Las piezas de Silvia Valentín escriben, en líneas irregulares, una nueva página en el arte cerámico contemporáneo. Conservan ecos ancestrales, pero hablan en voz presente. Son arte, sí, pero también compañía. Son objeto y gesto, utilidad y poesía. Son, sobre todo, un modo de mirar la vida con las manos.

Fotografías: Silvia Valentín.
Foto de portada: Álvaro López del Cerro.

La artista Beatriz Gil con su estudio Pellizco Cerámica representa la voz contemporánea de una tradición cerámica que se ha transmitido a lo largo de varias generaciones de alfareros. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, su obra persigue la pureza de lo orgánico, modelando formas y texturas que evocan paisajes y memorias arraigadas en el territorio. Su trabajo es una reinterpretación sensible del paso del tiempo, una expresión visual de su profunda conexión con la naturaleza.

El trabajo de Pellizco con la arcilla nace de una exploración intuitiva. Cada forma y textura se convierten en el reflejo de un diálogo constante entre las manos y la materia, haciendo única cada creación. En un mundo donde predomina lo fabricado en serie, Pellizco propone un regreso a lo esencial, a la materia, al tiempo lento, al objeto que respira. No hay moldes, no hay prisa: cada pieza nace de un impulso instintivo, casi ancestral, una búsqueda profunda de conexión con la naturaleza.

El trabajo cerámico de Pellizco está guiado por una mirada biofílica, esa necesidad de sentir cerca la presencia del mundo natural, y se manifiesta en piezas únicas, orgánicas, que hablan de cortezas, semillas, erosiones, rocas, fragmentos de un paisaje interior que encuentra forma en lo cotidiano: un cántaro, un cuenco o una escultura. 

«Entiendo este arte no sólo como un oficio, sino también como una forma de conectar con la tierra. Trabajo con las manos, pero también con la paciencia y la memoria sensible de lo que la naturaleza me muestra” comenta Beatriz y añade: “Construir la pieza desde un bloque macizo de barro es puramente un ejercicio de meditación. Sustraer material es como vaciar el pensamiento, quitar lo que sobra y quedarse con lo esencial”

Más que una artesana, Beatriz es arquitecta de historias visuales. Su cerámica habla del cuerpo que habita y del paisaje que abraza, reconociendo en cada grieta y superficie el reflejo de una tierra viva. En su obra, el gesto humano y la materia dialogan para invocar la quietud de un instante, el tacto de una emoción, la huella de una entorno.

Las obras de Beatriz Gil, nacen de una profunda observación de los ritmos naturales y de una práctica artesanal comprometida con lo único y lo imperfecto. Con su proyecto Pellizco, propone objetos cuyo lenguaje material y emocional conecta con la esencia de los interiores que valoran la autenticidad, la textura y la experiencia sensorial, llevando a los espacios algo más que forma: memoria, raíz y sentido.

El taller Pellizco Cerámica es un espacio de aprendizaje y de creación, orientado a la técnica del pellizco, una metodología que promueve la espontaneidad y la sensibilidad manual.

Serie Erosiones

Erosiones es una serie inspirada en los procesos naturales de desgaste y transformación. Las formas remiten a fragmentos de tierra, a rocas moldeadas por el tiempo, a texturas minerales. Son piezas silenciosas pero densas, que invitan a detenerse y observar la belleza que deja el paso del tiempo sobre la materia.

Serie Geoma Kurinuki

Por otro lado, la serie Geoma Kurinuki explora el vacío desde la técnica tradicional japonesa del tallado en bloque. Aquí, la pieza no se construye, sino que se descubre a través de la sustracción. El resultado son formas crudas, talladas con intención, donde las huellas del gesto permanecen visibles, como si fueran pequeñas formaciones geológicas.

Ambas series, Erosiones y Geoma Kurinuki, están pensadas para dialogar con los espacios interiores contemporáneos. No como simple decoración, sino como presencias vivas que aportan textura, peso, calidez. Piezas que invitan al tacto, al silencio, a la contemplación, que pueden transformar un espacio en un lugar con alma.

El trabajo de Cognet es rotundo y delicado a la vez. Se mueve entre la escultura, el diseño y la arquitectura interior, con piezas que parecen emerger de la tierra para tocar el cielo. Murales cerámicos de gran formato, lámparas como tótems, mesas que parecen ruinas sagradas: todo en su lenguaje apunta a una conexión primitiva con los materiales, pero también a una mirada sofisticada y contemporánea. En sus obras conviven la sensualidad del barro cocido, la precisión geométrica y una intuición escultórica que le es profundamente propia.

Olivia Cognet reinventa la experiencia poética de la creación, plasmando su obra a través de la pureza del material. Esta es la magia del artesano, combinada con la promesa de una belleza vibrante, para realzar la vida cotidiana.

Su admiración por Roger Capron no es solo estética, sino ética. Como él, cree en la cerámica como forma de vida y no solo como medio. Como él, piensa en los objetos como extensiones de un alma artística. “Me inspira su capacidad de unir arte y funcionalidad con una poesía atemporal”, ha dicho en entrevistas. En su taller de Vallauris, aún se percibe el eco del horno de Capron, pero ahora el fuego es suyo.

El mundo ha tomado nota: sus esculturas y mobiliario han sido acogidos por algunas de las galerías más relevantes del diseño contemporáneo. En Estados Unidos, The Future Perfect ha presentado su obra en Miami, Los Ángeles y Nueva York, consolidándola como una de las voces más singulares del arte cerámico actual. En Europa, la Galerie JAG de París ha mostrado sus piezas como se exhiben los tesoros: con silencio y asombro.

A medio camino entre lo monumental y lo íntimo, la obra de Olivia Cognet propone un nuevo humanismo cerámico. Una alquimia en la que la mano, la materia y la memoria se funden para dar lugar a formas que no solo se miran, sino que pueden sentirse. Como diría Capron, “la cerámica debe hablar al alma”. Y la de Olivia Cognet lo hace con una voz profunda y luminosa.

Fuente: Olivia Cognet.

Estudió Bellas Artes en la universidad, donde se enfrentó por primera vez a la cerámica, pero no fue hasta hace nueve años cuando empezó a experimentar primero con porcelana y después con arcilla, para crear esculturas orgánicas, extrañamente bellas que parecen salidas directamente de la tierra. “Descubrí que el colectivo Gasworks NYC tenía su estudio justo enfrente de mi casa, y me hice socia. Es maravilloso formar parte de un grupo creativo», comenta. 

Whalen ha encontrado en el barro su voz definitiva: una voz sin palabras, que habla desde la quietud. Su obra, no busca lo perfecto, sino lo verdadero. «Mi trabajo celebra la identidad natural de la arcilla, resaltando sus texturas y formas orgánicas a través del trazo: como el viento, el agua y la arena dan forma a la tierra, mis superficies transmiten movimiento y profundidad. Me inspiro en la naturaleza, la arquitectura, el arte y la música, y colecciono notas de objetos cotidianos con siluetas llamativas para reimaginarlos en arcilla» explica Tania.

Más que objetos, sus piezas son paisajes en miniatura, topografías emocionales. Hay en ellas algo ritual, casi sagrado. Tania no trabaja solo con arcilla, sino con el tiempo: el tiempo del torno, del secado, del fuego. “La cerámica me obliga a escuchar”, ha dicho en alguna entrevista. Escuchar los ritmos internos, los accidentes fértiles, la resistencia de la materia.

Su filosofía creativa rehúye las prisas del mercado y se alinea con una idea de belleza profundamente conectada con la sostenibilidad, con el respeto por los procesos artesanales y con una forma de vida atenta y consciente. En un mundo que tiende a lo veloz y lo superficial, su trabajo es todo un acto de resistencia.

En Exágono, celebramos a los artistas que crean con sentido, que ofrecen refugios visuales y táctiles, que nos recuerdan la importancia de lo hecho a mano. Tania Whalen es, sin duda, una de esas creadoras esenciales. Sus piezas no son solo cerámicas: son gestos detenidos en el tiempo, fragmentos de una conversación eterna entre el ser humano y la tierra.

Tania Whalen
gtaniawhalen@gmail.com
www.taniawhalenceramics.com
@taniawhalenceramics

Tengo que confesaros que este texto de Virginia, que leeréis a continuación, me emocionó cuando lo recibí, porque no solo describe su obra, sino que muestra su interior de una forma tan clara, que permite descubrir a esta gran artista, a esta gran mujer apasionada del arte. Su arte, como expresión de su intimidad, la define, y nos permite ver su obra con una mirada cómplice, que va más allá de las formas y texturas del barro, para aproximarnos a su yo más íntimo. Espero que disfrutéis su texto y su obra tanto como yo. Andrés Moratinos.

«Soy una ceramista nacida en Madrid que, después de muchos años en Menorca, he acabado afincada en Mallorca. He llegado al mundo de la cerámica por el camino más largo, pero de cada etapa de ese camino he aprendido algo que después he acabado aplicando en mis piezas. Hace muchos años estudié Restauración de Antigüedades y trabajé mucho tiempo entre materiales y herramientas poco conocidos para la mayoría. Intercalé clases de Escultura e Historia del Arte en la Universidad y con el tiempo me hice Museóloga».

«Con sólo 34 años abrí mi primera Escuela de Arte en el centro de Madrid, y ya voy por la tercera, en plena Sierra de Tramontana (Mallorca). Y me casé con un pintor vasco que me tiene la casa llena de cuadros y pinceles. En definitiva, no es que mi vida gire alrededor del Arte, es que, sin Arte, no tendría sentido.

A estas alturas de vida, cuando complicarme ya no es una opción, lo que la cerámica me transmite es paz. Es mi parte creativa más personal e íntima. Tanto, que todas las piezas llevan dentro de sí mi propio estado de ánimo. Porque el barro es poroso, permeable, y absorbe todo lo que yo siento cada uno de los días que dedico con esmero a cada pieza. Un barro que también es frágil y duro al mismo tiempo, como yo».

«Tengo torno, pero nunca está enchufado y la balda de esmaltes está muy alta. Me gusta el silencio, la calma, la simplicidad. La pureza y la autenticidad que encuentro en las cosas más elementales es algo que ningún añadido ni artificio me ofrece, y huyo literalmente del ruido visual y de todo aquello que no sienta como auténtico». 

El barro, su textura y color, siempre neutros, siempre tierras, es lo que me encanta ver encima de mi mesa rodeado de herramientas y de restos de otros barros que, en ocasiones, se mezclan con el nuevo… Sólo eso. Nada más. Y nada menos.

«Y así van surgiendo las piezas, escultóricas, imperfectas, llenas de heridas o pulidas, dependiendo de si el día es bueno o no. Las horas se van, absorta en el tratamiento de cada pieza, sin ninguna expectativa, sin saber jamás dónde voy a llegar con ella, cómo va a acabar, o si va a salir adelante siquiera. Yo me dejo llevar, no le veo sentido a ofrecer resistencia. A veces vuelvo al taller al día siguiente y modifico todo, rompo y golpeo sin dramas. Nunca sale adelante una pieza con la que no conecte emocionalmente. No importa. Lo importante es que la sienta. Es parte del proceso. Un proceso sin objetivos. Porque el objetivo es el propio proceso. No busco perfección, ni la quiero, porque como siempre digo: Mis imperfecciones me hacen ser quien soy, lo mismo ocurre con mis piezas”

«En consecuencia, todas mis piezas están hechas de maneras muy distintas, y siempre a mano. Puedo trabajar en bloque y vaciando o puedo trabajar con placas y churros, no hay un único camino por el que llevar todas las piezas, porque cada una es única y distinta. Aún así, me gusta la idea de composición, de familia, de series. Busco entre las piezas conexiones y resonancias, y así las presento en mi galería. A veces ni siquiera son del mismo barro, ni tienen la misma forma, pero hablan bien entre ellas, y eso es lo importante, dejar que encuentren su lugar, su propio espacio.

Después de la fase de modelado, el horno es siempre una apuesta al rojo, y aunque respeto los consejos del fabricante, disfruto experimentando en varios rangos de temperatura, utilizando la cocción como otra herramienta más con la que explorar recursos creativos, con la que dejar que las piezas se encuentren a sí mismas. Y, finalmente, los acabados, siguiendo con esa búsqueda de la pureza en lo sencillo, suelen ser con ceras, mezclas de pigmentos, o polvo de talco, observando cada pieza bajo diferentes tipos de luz, buscando acentuar sus características más interesantes, cuidando que nada compita con el propio barro desnudo, con su carácter y su textura».

«Ya fuera de la creación en mi Taller, mi trabajo de directora y profesora de Arte me mantiene cada día en contacto con todo tipo de materiales, procesos, proyectos, ideas, libros… y con alumnos que me mantienen al día con infinidad de preguntas, y que enriquecen mi propia visión sacándome a menudo de mi zona de confort, algo siempre necesario.

Y si me alejo un poco más, siempre acabo en un Museo, o perdida en la Naturaleza. Son los lugares en los que he aprendido la mayor parte de lo que sé. Es una pasión casi enfermiza, pero para mí, los Museos son mis templos, mis refugios. Son bibliotecas de Belleza que me abren los ojos a todo un mundo de inspiración. Y viviendo como vivo en la Sierra de Tramontana, en Mallorca, donde el contacto con la naturaleza es rotundo y absoluto, no puedo evitar perderme por sus bosques llenos de madera, piedra, rocas y tierra, maravillada con todas su formas posibles, y también las imposibles. De todo eso es de lo que me nutro antes de regresar a mi Taller y volver a empezar el círculo».

¿Y dónde se pueden encontrar mis piezas antes de que se independicen y encuentren su hogar definitivo? Pues en primer lugar en Latrés: mi propia galería, taller y escuela, situada en Selva, Mallorca. Pero también en diferentes Galerías de Arte de Menorca, un lugar con el que, después de tantos años viviendo y dirigiendo una escuela de Arte allí, siempre mantengo los lazos, tanto emocionales como comerciales.

Si pasas un día por Selva, estaré encantada de darte la bienvenida a mi pequeño y sencillo mundo de formas, de contrastes, de belleza y de emoción; y de charlar un rato contigo».

Su conexión con la cerámica empieza unos años antes en un conocido taller-coworking de cerámica en Londres donde recibe varios cursos y aprende de forma autodidacta. De vuelta a Cataluña, continúa su formación profesional en L’Escola de Ceràmica la Bisbal de l’Empordà, pueblo con historia y tradición alfarera, y en la Escuela Ramon Fort, donde aprende de los grandes maestros de su tierra. 

La intuición y la exploración son aspectos claves en su práctica. Jordina alimenta su imaginario de ideas a través de la naturaleza y los recursos de su tierra que le conducen a desarrollar diseños únicos. Fascinada por las formas, la corporalidad, las texturas y los tonos naturales, su obra busca destacar la sencillez y la desnudez de las piezas dejándolas sin o parcialmente esmaltadas, resaltando la textura y el color del barro cocido para apreciar la esencia de lo natural y lo orgánico. 

Cada pieza es creada a mano con delicadeza y esfuerzo respetando el proceso y tiempo necesarios para su desarrollo. Sus piezas presentan singularidades y variaciones que reflejan el trabajo artesanal detrás del proceso de creación aportando una esencia única a cada pieza. Trabaja varias técnicas, pero la más preciada es el modelado a churro. Poco a poco y churro a churro, se va construyendo la pieza, una práctica que permite lograr formas orgánicas perfectamente imperfectas con un trazo manual muy marcado. Cautivada por lo corpóreo, ésta es para ella la técnica más agradecida y con mayor libertad de expresión.   

La voluntad de su obra es aportar belleza y armonía a los espacios, buscando el equilibrio entre la expresión artística y la funcionalidad del objeto. Colabora con galerías como Llop Madrid o Kave Gallery para presentar su obra, y trabaja con profesionales del sector del diseño, la arquitectura y el interiorismo, realizando proyectos personalizados. 

La colaboración está muy presente en su práctica, cada asociación es una oportunidad nueva para crear algo único o también para innovar un concepto ya existente. Recientemente ha iniciado una colaboración con la marca de moda francesa Sessùn, conocida por su savoir-faire y su amor por la artesanía, donde muy pronto podremos encontrar sus piezas en algunas tiendas. Actualmente también está trabajando en dos proyectos expositivos, que darán luz durante los primeros meses de 2025, en el Design Festival en Madrid y en L’Empordà, donde va expondrá su obra junto a otros artistas. 

Su pasión por el diseño y el arte, así como la admiración por la gastronomía, la han llevado también a conectar estos dos mundos y trabajar con clientes del sector de la hostelería para la creación de colecciones exclusivas de vajillas y piezas decorativas para sus establecimientos, como por ejemplo el Hotel Palau Fugit y el Restaurante Can Xapes en Girona.

Jorceramics poco a poco está ganando reconocimiento como proyecto artístico. En la Revista Exágono nos gusta apoyar a los jóvenes con talento. Jordina nos tiene fascinados por la delicadeza de su arte que muestra en todas sus piezas.

Quienes queráis saber más sobre ella y su obra, podéis hacerlo visitando la web, con tienda online que acaba de publicar.

Fotos: Mònica Casas, Bel Gestí, Laura Pujolàs.
Texto: Jordina Ferrando.

Jordina Ferrando

En Banyoles (Girona), su tierra, la artista Jordina Ferrando pretende expresar a través del diseño y la cerámica el amor por el territorio y la esencia que ofrece el Mediterráneo. Con el deseo de conectar con una forma de vida más genuina, alimenta su imaginario de ideas a través del compromiso con su entorno y sus recursos naturales. Le fascinan las formas, la corporalidad, las texturas y los colores, esencialmente la búsqueda constante de la belleza en la simplicidad de las cosas que le lleva a explorar nuevas ideas y diseños únicos.

La intuición, la organicidad y la libertad creativa son esenciales en su práctica, desde la fase de inspiración hasta la de realización. Su trabajo se centra en la producción responsable de piezas escultóricas y decorativas únicas, así como vajillas en ediciones limitadas. Todo está hecho a mano con cuidado, delicadeza y esfuerzo en su taller, respetando el proceso y el tiempo necesarios para la creación de cada pieza. Los objetos presentan singularidades y variaciones fruto del trabajo manual que hay en el proceso de elaboración, lo que proporciona una esencia única a cada obra de arte.

Su intención es aportar autenticidad y armonía estética a los espacios, buscando el equilibrio entre la expresión artística y la funcionalidad del objeto. Sus obras se pueden encontrar en galerías de diseño y alta artesanía como Llop en Madrid y Gla en el Empordà, así como en plataformas online como Único Gallery y Kave Gallery. Su trabajo también ha aparecido en medios de estilo de vida, diseño y arquitectura como AD España, la revista El País Semanal y Arquitectura y Diseño.

El amor por el arte y el diseño convive con su admiración por la gastronomía, y la cerámica es el medio para conectar ambas pasiones. Ha colaborado con establecimientos galardonados como el Hotel Boutique Palau Fugit y el Restaurante Can Xapes, ambos en las comarcas de Girona, para la creación de vajillas a medida.

«Lo mío con la Cerámica fue amor a primera vista. Cuando la descubrí a los 19 años su magia me cautivó, y desde entonces es mi pasión. Dejé un trabajo seguro y bien remunerado, en contra de mi familia, para ingresar en la Escuela de Arte Francisco Alcántara Cerámica de Madrid, y dedicarme por completo a la Cerámica.

Mi obra discurre entre el diseño y la escultura.  A lo largo de los casi 40 años de trayectoria profesional he desarrollado una  evolución de la tradición a la modernidad y una sensibilidad hacia los valores del material cerámico, como material de gran riqueza expresiva y cromática, que trabajo desde el disfrute de las piezas hechas a mano con cariño y esmero, el dominio de la técnica y la destreza manual. 

De todas las técnicas, la que más me gusta es el Modelado, transformar el bloque de barro intuitivamente hasta que surge el objeto o la escultura, buscando la belleza de las formas, la elegancia de líneas y la calidad de los acabados. 

Mi obra está basada en el estudio de la forma. Realizo piezas de formas concisas y estéticamente equilibradas, donde la definición de planos rectos o curvos  se ve delimitada por aristas que refuerzan la forma, y posteriormente se enriquecen con la decoración de engobes y esmaltes de creación propia, para obtener un conjunto coherente y armónico, piezas únicas creadas para embellecer el espacio que nos rodea.

En mi obra Escultórica desarrollo dos líneas bien diferenciadas: la obra de formas geométricas, constructivista, calculada, elaborada a partir de bocetos previos. Con ellas afronto el reto de dominar el barro y someterlo a  la rigidez de las formas geométricas de ángulos rectos, hasta conseguir  planos limpios y aristas secantes, evitando las deformaciones propias del material.  En ocasiones estos volúmenes aparecen fragmentados para dar lugar a formas dinámicas, creando sutiles juegos volumétricos.  

Por el contrario, la otra línea de formas orgánicas inspirada en la naturaleza, donde predominan las curvas, me permite trabajar desde la intuición, con mucha más libertad y fluidez, estableciendo un  diálogo con cada pieza,  dejándome llevar por el barro y sus cualidades plásticas, que se muestra más dúctil, hasta que encuentro una forma sugerente a través de suaves curvas que evocan movimiento. 

María de Andrés

María de Andrés  (Asturias) es ceramista, diseñadora y escultora, y posee amplia experiencia profesional en el ámbito de la Cerámica Contemporánea. Se graduó en Cerámica Artística en la Escuela de Arte Francisco Alcántara de Madrid. De 1985 a 2019 desarrolló su activiad artística en su taller en Madrid, trasladándose a Valencia en 2020.

Ha realizado Exposiciones individuales en ciudades como Hamburgo, Saratoga Springs-New York, París, Milán, Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Ciudad Real, Talavera de la Reina, Puertollano, Chinchón y participado en Exposiciones colectivas en diferentes ciudades extranjerias como  Braunschweigt y Diessen am Ammersee (Alemania), Carouge, Ginebra, Milán, Faenza, Frascati-Roma, Saratoga Springs-New York, Taipei, Taiwán, Fuping y en ciudades españolas como Madrid, Barcelona, Valencia, Granada, Málaga, Zaragoza, Muel, Alava, Vitoria, Irún, Castellón, Segovia, Burgos, Valladolid, Teruel, El Escorial, Alcalá de Henares, Majadahonda, Móstoles, Alcorcón, Manises, L’Alcora, Lloret de Mar, El Vendrell, Oropesa del Mar, Ciudad Real, Puertollano, y otras.

Ha recibido numerosos Premios y participado como Artist in Residence  en 2004  y 2006 en Summer Art Program  Skidmore College, Saratoga Springs, New York, y  en 2008  Artist in Residence en el proyecto FLICAM,  FuLe International  Ceramic  Art  Museums, en Fuping, Shaanxi (China).

Su obra está representada en  Museos e Instituciones en China, Taiwán, Francia y España, y en colecciones privadas como  Colección AENA, Colección Paideia, Hoteles AC en España, Italia y Panamá, Selección Española de Baloncesto, Selección Griega de Baloncesto, y otras. Ha participado en importantes Ferias en Alemania, Milán, Barcelona,  Madrid, Mallorca,  Guipuzcoa y otras.

Entre sus clientes destacan:  Museo del Prado, Caixa Forum Madrid, Perfumes Loewe, Indra,  World Fashion Week Paris 2014, Telefónica, PepsiCo,  Johnson’s  Wax  Española, Ministerio de Sanidad, Mapfre Seguros, Universidad de Alcalá, Hoteles AC, Huerta de San Vicente, Comité Olímpico Español, Cámara de Comercio Hispano-Portuguesa, Comisaría General Expo’92 de Sevilla, Vitaldent, Suanfarma, Mutua Pelayo de Seguros, Artes Granda, y otros.

Texto: María de Andrés