El recorrido por este espacio revela, paso a paso, la intensidad de su pensamiento global. No hay disonancias ni rupturas. Cada estancia se abre como un capítulo de la misma historia, tejida a través de texturas, colores tenues y piezas cuidadosamente dispuestas. Muchas de ellas pertenecen a su colección autoeditada: la lámpara Cone X, las mesas Tiga y Orma, el banco Ary o los apliques Raku-Yaki, cuya presencia escultórica parece surgir del propio lugar más que haber sido colocadas en él.

Emmanuelle compone sus interiores como si se tratara de una partitura. Los volúmenes se suceden con delicadeza, las transiciones espaciales se producen con suavidad y cada detalle —una moldura, un tirador, un pliegue de tela— se convierte en un gesto que se integra en el espacio con naturalidad. La iluminación orquesta este conjunto con un ritmo pausado que invita al disfrute y la contemplación.

El apartamento es también un compendio de sus pasiones: la cerámica, a la que dedica una biblioteca entera; los objetos recogidos en sus viajes; las obras de artistas que admira, como Hermentaire, Romain Guillon o Thomas Gleb, cuyas presencias en el espacio aportan una dimensión onírica y simbólica.

Pero más allá de su refinamiento, este proyecto destaca por su valor emocional. El diálogo con los artesanos, como Delphine Messmer, autora del suelo en mosaico, Romain Guillon, con su mural en tierra cruda en la cocina o los artesanos que dan vida a las piezas diseñadas por Emmanuelle, aporta a los espacios una notable calidez. Aquí, la materia además de decorar, expresa, conecta, recuerda, esos grandes valores de la artesanía por los que cada vez está más presente tanto en los espacios residenciales, comerciales o de hospitalidad.

En esta casa, Emmanuelle Simon no solo ha proyectado su hogar, ha realizado una declaración de intenciones: su manera de entender la arquitectura de interiores como un arte total, donde cada línea, cada sombra, cada objeto participa de una misma visión: la de crear belleza desde la autenticidad de los materiales y la escucha profunda del espacio.

Proyecto: Bonne Nouvelle.
Ubicación: París.
Interiorismo y diseño de mobiliario: Emmanuelle Simon.
Terminado: 2025.
Fotografía:  Damien de Medeiros.

Emmanuelle Simon, una de las jóvenes diseñadoras más prometedoras de la escena europea 

Con sede en París, Emmanuelle Simon cultiva una visión del diseño profundamente sensorial, en la que lo arquitectónico y lo emocional se entrelazan con una armonía silenciosa. Interiorista y diseñadora de objetos, su práctica abarca desde la creación de espacios hasta el diseño de mobiliario e iluminación, en una búsqueda constante de equilibrio entre forma, función y sensibilidad.

Después de su formación en la parisina escuela Penninghen, colabora con grandes maestros de la arquitectura y el diseño como Jean-Marie Massaud y Pierre Yovanovitch y en 2017 funda su estudio en París en el que desarrolla un lenguaje estético propio, con influencias del estilo Art Déco y la filosofía wabi-sabi. Estas inspiraciones reflejan una estética donde la naturaleza cruda de los materiales infunde autenticidad a las líneas definidas de los espacios arquitectónicos. Su concepción de los proyectos es casi escultórica: cada unos de ellos, ya sea un interior o una lámpara, se construye a partir de la relación íntima entre los materiales, la luz y el vacío.

Como interiorista, se distingue por crear atmósferas envolventes y atemporales, capaces de inducir al recogimiento y a la contemplación. Sus espacios —residencias, spas, boutiques o showrooms— son paisajes de calma construidos con piedra, yeso, madera, tejidos naturales y piezas únicas, elegidas para integrarse en los espacios como si pertenecieran a ellos mismos.

En 2021 lanza su primera colección completa de mobiliario y luminarias, donde cada pieza parece esculpida más que diseñada. Taburetes, consolas, lámparas y mesas que evocan lo arcaico y lo contemporáneo al mismo tiempo, producidos con artesanos locales y materiales nobles. Enseguida es invitada a colaborar con la galería parisina Kollector y sus piezas comienzan a formar parte de catálogos internacionales de diseño.

Su trabajo como diseñadora de productos le ha permitido desarrollar un repertorio de muebles y luminarias que prolongan su universo conceptual. Mesas de líneas esenciales, lámparas escultóricas, bancos monolíticos o taburetes totemizados son expresión de su profundo respeto por la materia y por el gesto artesano. Muchas de estas piezas, nacidas para proyectos concretos, han trascendido los espacios para convertirse en objetos codiciados por coleccionistas y galerías.

En todo lo que firma, Emmanuelle Simon defiende una estética de lo esencial, un lujo silencioso que apela a los sentidos y a la memoria. Su voz, sutil pero firme,  se ha consolidado como una de las jóvenes más singulares del diseño contemporáneo. Fue incluída en la lista AD100 de 2024 y recibió el premio al «Mejor Diseñador de Interiores Joven» de Ideat.

Fuente: Emmanuelle Simon y Balkin Bureau.

El respaldo curvado, generoso pero contenido, verdadero protagonista de la silla, elaborado como una sola pieza y posteriormente dividido y acabado en dos partes espejadas, presenta delicados procesos manuales de desbaste y alisado, de los que emergen capas de diferentes maderas que crean asombrosos efectos cromáticos gracias a la sutil marquetería negra. El respaldo y las patas traseras sólo se unen en la base, formando un amplio hueco que aporta flexibilidad a la estructura a la vez que evoca una imagen totémica.

El armazón de nogal canaletto macizo, de fina sección rectangular, descubre toda la expresividad de la chapa a través de la variación de sus espesores, sujetando el asiento magistralmente curvado y tapizado en piel o tela.

Tacchini, en su constante labor por rescatar piezas esenciales del canon moderno, reedita esta silla que resume, con sobriedad y belleza, los valores más puros del diseño italiano de la segunda mitad del siglo XX: proporción, nobleza material, y un sentido íntimo del habitar.

Esta reedición no es solo un homenaje a un autor imprescindible; es también una declaración de principios. En un tiempo marcado por la aceleración, esta silla nos recuerda la virtud de lo esencial. Reproducida fielmente con madera de fresno teñida y tapicerías que recuperan el espíritu original de los años setenta, la pieza no ha envejecido, ha madurado.

En los interiores contemporáneos, la Silla Africa reaparece como una presencia delicada, no como una reliquia del pasado. Puede habitar una sala de estar, un estudio, un comedor íntimo. Su carácter se adapta sin esfuerzo, como si siempre hubiese estado ahí.

Tobia Scarpa

Tobia Scarpa, hijo del arquitecto Carlo Scarpa, nació en Venecia en 1935. Cursó arquitectura en el IUAV de Venecia, y durante la carrera conoció a Afra Bianchin, que se convertiría en su compañera en la profesión y en la vida durante muchos años. Ambos se graduaron en 1957 y se casaron poco después, iniciando en seguida una brillante colaboración profesional. Tras un breve período en el que Tobia Scarpa estuvo trabajando para las cristalerías Venini en Murano, ambos abrieron su propio despacho en Montebelluna, en la campiña véneta, la tierra natal de Afra.

Durante un Curso universitario de Diseño de Interiores y Decoración impartido por Franco Albini en 1959, Tobia y Afra crearon su primer objeto de diseño, la silla Pigreco, para Gavina,  posteriormente adquirida por la actual firma Knoll. Este pequeño sillón, reeditado actualmente en una nueva versión de producción limitada por Tacchini, tiene un diseño innovador, con las dos patas traseras que se acercan tanto entre sí que se convierten en un soporte único, permaneciendo así fiel a la forma triangular en que se había inspirado Scarpa para su diseño inicial. Pigreco fue la primera de muchas piezas de diseño que marcaron la colaboración con varias empresas del sector, muchas de las cuales han entrado en la historia del diseño. El silloncito 925, realizado para Cassina en 1966, está expuesto en el MoMA de Nueva York, mientras que en la sección de Arte Contemporáneo del Louvre se encuentra la silla Libertà, diseñada para Meritalia. Afra y Tobia Scarpa también diseñaron para Cassina el famoso sillón Soriana, que recibió el Compasso d’Oro en 1970.
Entre 1962 y 1975 la pareja diseñó para la casa Flos las lámparas Fantasma, Foglio, Biagio, Pierrot, Ariette y Papillona. Fruto de la colaboración con B&B Italia es el sofá Coronado, diseñado en 1966 pero todavía hoy símbolo de relax.

Aunque es menos conocido que por su trabajo como diseñador, Tobia Scarpa también ha realizado varios proyectos de arquitectura. Además de algunas casas unifamiliares y edificios de viviendas, con su mujer Afra supervisó la realización de varios establecimientos industriales, como la primera fábrica de la firma Benetton y muchos de los puntos de venta de la misma marca repartidos por el mundo. En 2008 recibió el premio Compasso d’Oro a la trayectoria profesional.

Fuente: Tachini.

Cada elemento de la colección —desde sofás de dos y tres plazas hasta sillones, tumbonas y taburetes— está pensado para integrarse armoniosamente en espacios exteriores e interiores. La atención al detalle se refleja en la elección de materiales resistentes a la intemperie y de fácil mantenimiento, como el ratán sintético que imita el mimbre, y en los cojines con fundas desenfundables y espuma reticulada que permite un secado rápido.

Galea no solo destaca por su estética serena y atemporal, sino también por su compromiso con la sostenibilidad y la funcionalidad. Es una colección que transforma cualquier rincón en un refugio de estilo, armonía y serenidad. 

Producto: Colección Galea.
Diseño: Made Studio.
Fecha diseño: 2025
Marca: Kave Home.

Made Studio: diseño conectado con el entorno y la sensibilidad mediterránea

Fundado en Valencia por los diseñadores Borja García y Laura Ros, Made Studio representa una forma de entender el diseño que fusiona sensibilidad estética, precisión técnica y una profunda conexión con el entorno. Con un enfoque transversal que abarca desde el diseño de producto hasta la arquitectura efímera y el interiorismo, su trabajo se caracteriza por la honestidad formal, el uso inteligente de los materiales y una atenta lectura de las necesidades contemporáneas.

En cada proyecto se percibe una búsqueda serena de la esencialidad: objetos y espacios que no pretenden imponer, sino acompañar, aportar bienestar y diálogo. Ya sea desarrollando mobiliario para firmas como Diabla, Omelette Editions o Gandia Blasco, o diseñando instalaciones para ferias como Hábitat Valencia o Casa Decor, Made Studio demuestra una capacidad poco común para crear soluciones elegantes y funcionales, que resisten al paso del tiempo sin renunciar a la emoción.

Su lenguaje se nutre del equilibrio entre industria y artesanía, entre geometría y ligereza, entre la lógica constructiva y la calidez sensorial. Una práctica que hunde sus raíces en el paisaje mediterráneo y en una ética del diseño comprometida con el valor de lo duradero, lo útil y lo bello.

Fuente: Kave Home y Made Studio.

Emile, Lise y Maylis, las propuestas de Christophe Delcourt

La colaboración entre Christophe Delcourt y Molteni&C alcanza en esta colección un nuevo grado de madurez formal y expresividad matérica. Fiel a su enfoque escultórico y esencial, el diseñador francés propone tres piezas que, aun con lenguajes distintos, comparten una misma visión del diseño: crear belleza desde la estructura, el volumen y el gesto contenido.

Emile es un sofá modular que combina líneas suaves y proporciones generosas con una rigurosa atención al detalle. Sus volúmenes bajos y envolventes sugieren confort inmediato, mientras que la composición modular permite variadas configuraciones espaciales, adaptándose a hogares amplios o más íntimos sin perder presencia ni elegancia. Delcourt trabaja aquí el equilibrio entre peso visual y ligereza, logrando una pieza cálida y monumental a la vez.

Lise, por su parte, es una mesa de comedor que se impone como una verdadera escultura doméstica. El sobre, de bordes suavemente curvados, reposa sobre una base de diseño audaz, donde planos inclinados y geometrías sólidas generan un juego de luces y sombras que cambia con la mirada. Es una pieza que celebra la nobleza del material —madera o mármol, según la versión—, y que transforma cualquier espacio en una escena de sofisticación silenciosa.

En tercer lugar, Maylis se presenta como un conjunto de mesas de centro que dialogan entre sí como pequeñas arquitecturas. Redondas o elípticas, altas o bajas, estas piezas destacan por sus formas puras, sus proporciones precisas y la riqueza táctil de los acabados. Cada mesa puede funcionar de forma autónoma o agruparse en una composición fluida que aporta ritmo y carácter al espacio de estar.

Con esta tríada, Delcourt redefine el lenguaje del confort contemporáneo desde una mirada escultórica y profundamente refinada, en perfecta sintonía con la sensibilidad atemporal de Molteni&C.  «El mobiliario es, ante todo, un elemento de seducción. Nos relacionamos a diario con él, participa de nuestro entorno del mismo modo que la arquitectura o una obra de arte.» comenta Decourt.

Christophe Delcourt

Diseñador francés nacido en París en 1966. Empezó a producir muebles y luminarias como autodidacta y, tras fundar la marca Delcourt Collection en 1995, abrió su propia galería en el barrio parisino de Marais en 1998. En Francia cuenta con una red de artesanos y pequeñas empresas que le permiten hacer trabajos a medida, sostenibles y en la frontera entre el arte y la artesanía industrial.
Leer más

Lia de GamFratesi: el equilibrio entre ligereza y tradición

La nueva butaca Lia, firmada por el dúo ítalo-danés GamFratesi, condensa en una silueta depurada toda la elegancia silenciosa del diseño escandinavo filtrado por la calidez del espíritu italiano. Con un lenguaje sobrio pero lleno de matices, la pieza propone una sentada envolvente y cómoda, sustentada por una estructura en madera curvada que parece abrazar con delicadeza el cuerpo.

Su diseño destaca por una armonía de proporciones que la hace ideal tanto para espacios domésticos como públicos, donde puede integrarse con naturalidad sin renunciar a su carácter. La tapicería, generosa pero contenida, subraya el gesto continuo del respaldo y los reposabrazos, reforzando la sensación de unidad formal que define a Lia.

GamFratesi logra aquí una butaca de presencia discreta pero rica en detalles, capaz de transmitir una idea de confort contemporáneo desde el respeto por la tradición y la belleza funcional.

GamFratesi

Estudio fundado por Stine Gam, arquitecta danesa y Enrico Fratesi, arquitecto italiano. Adquirieron experiencia en varios estudios de arquitectura en Japón y Escandinavia antes de establecer su propio estudio de diseño con sede en Copenhague. El diseño de GamFratesi toma su impulso creativo de una fusión de tradición y renovación y en un enfoque experimental de los materiales y técnicas elegidos.
Leer más.

Monk, de Tobia Scarpa: el clasicismo radical de una silla que resiste al tiempo

Diseñada en 1973 por Afra y Tobia Scarpa, la silla Monk representa uno de los grandes hitos del diseño moderno italiano. Su reedición en la colección 2025 de Molteni&C no es solo un homenaje a una pieza icónica, sino también una reafirmación del poder de las formas esenciales y de la atemporalidad de una buena idea.

Con una estructura en madera maciza —disponible ahora en nogal americano, roble café o roble negro—, Monk combina geometría pura y confort inesperado. Su forma en ángulo recto, donde respaldo y asiento se pliegan como un díptico, desafía la rigidez de su apariencia con una sorprendente ergonomía. La nueva versión presenta una variante más baja y amplia, adaptada a los modos de habitar contemporáneos, sin perder la sobriedad y la fuerza visual que han convertido a Monk en un clásico silencioso.

Esta pieza no necesita alardes: habla con la autoridad tranquila de los objetos bien hechos, aquellos que siguen enseñándonos, décadas después, cómo puede el diseño mejorar nuestra vida sin distraernos de lo esencial.

«Me doy cuenta de que nuestra cultura, que de todo hace un museo (quizá sin darse cuenta), utiliza cosas del pasado como si estuvieran muertas, pero, en realidad, es precisamente en ellas donde la vida se ha sedimentado y continúa sedimentándose, sin dejar de estar viva. […] Hay que dejar que lo que el pasado nos regala siga expresándose, siga con vida; a veces hay que dejar que se oiga su eco en el presente para captar todo su potencial y su magia», comenta Tobia Scarpa.

Tobia Scarpa

1935. Cursó arquitectura en el IUAV de Venecia, y durante la carrera conoció a Afra Bianchin, que se convertiría en su compañera en la profesión y en la vida durante muchos años. Ambos se graduaron en 1957. Abrieron su propio despacho en Montebelluna, en la campiña véneta, la tierra natal de Afra. Leer más.

Diamond de Patricia Urquiola: el gesto facetado de una mesa con carácter escultórico

Con Diamond, Patricia Urquiola transforma la mesa de comedor en un objeto escultórico que oscila entre la solidez arquitectónica y la ligereza visual. Su nombre alude a la base facetada, una estructura geométrica que recuerda el corte de una piedra preciosa y que genera un fascinante juego de luces y sombras al interactuar con el entorno.

El sobre, disponible en cristal o mármol, descansa con aparente ingravidez sobre esta base multifacética de aluminio, reforzando la tensión entre masa y suspensión. Urquiola, fiel a su estilo, introduce así una nota emocional en una tipología muchas veces sujeta a la rigidez formal. Diamond no solo es una mesa de comedor: es un centro de gravedad visual que define el espacio con fuerza y elegancia.

La pieza responde a una idea del diseño como articulación poética entre función y belleza, donde el diálogo entre los materiales y la forma construye un relato contemporáneo de sofisticación serena.

Patricia Urquiola

(Oviedo, 1961) estudió arquitectura y diseño en la Universidad Politécnica de Madrid y completó sus estudios en el Politécnico de Milán, donde se graduó bajo la tutela de Achille Castiglioni. Entre sus logros profesionales destacan: Profesora adjunta de Achille Castiglioni y Eugenio Bettinelli en Milán y París, responsable de la oficina de desarrollo de nuevos productos de De Padova, trabajando con Vico Magistretti. Leer más.

Aria y Living Box de Vincent Van Duysen: la esencia del diseño, entre arquitectura y emoción

En su doble faceta como arquitecto y director creativo de Molteni&C, Vincent Van Duysen sigue construyendo una gramática visual reconocible, basada en la pureza formal, la calidez contenida y la nobleza de los materiales. Sus dos nuevas propuestas para 2025 —Aria y Living Box— reafirman esa mirada arquitectónica aplicada al mobiliario doméstico, donde cada línea tiene un propósito y cada vacío, un sentido.

Aria es un escritorio de proporciones equilibradas, concebido como un objeto ligero y esencial. Su estructura revela una tensión elegante entre rigidez y fluidez, entre plano y volumen, y convierte el acto de escribir o trabajar en una experiencia estética en sí misma. La pieza se adapta con naturalidad a espacios íntimos o compartidos, introduciendo una atmósfera de concentración silenciosa.

Por su parte, Living Box reformula la idea tradicional del almacenaje. Se trata de un sistema modular versátil, concebido para articular el espacio del salón con rigor arquitectónico y una estética intencionadamente sobria. Las superficies, los ritmos, las proporciones: todo está pensado para aportar orden, belleza y funcionalidad sin estridencias. Como en toda la obra de Van Duysen, aquí también impera una noción del lujo profundamente ligada a la calma y al equilibrio.

Vincent Van Duysen

(Bélgica, 1962) diseñador y arquitecto, sus proyectos abarcan desde la arquitectura a gran escala hasta el diseño de producto, pasando por el mobiliario. Tras graduarse en Arquitectura por la facultad de Sint-Lucas de Gante, Vincent Van Duysen empezó a trabajar en seguida, primero en el despacho de Aldo Cibic en Milán y luego en Amberes, en el despacho de Jean De Meulder.
Leer más.

Molteni&C: noventa años de diseño contemporáneo made in Italy

Desde su fundación en 1934 por Angelo Molteni en Giussano —en el corazón de la región lombarda—, la firma Molteni&C ha sido sinónimo de excelencia artesanal, innovación industrial y sensibilidad contemporánea. Lo que comenzó como un pequeño taller de ebanistería se ha transformado con el tiempo en una de las principales embajadoras del diseño italiano a nivel internacional.

Ya en los años 50, Molteni participaba activamente en exposiciones como la Mostra Selettiva de Cantù, donde destacó por su audacia formal y su dominio técnico. En 1961, Angelo Molteni fue uno de los fundadores del Salone del Mobile de Milán, consolidando así su compromiso con la cultura del diseño. Poco después, la marca inició su transición hacia el diseño moderno con la dirección artística de Luca Meda y la serie Iride, presentada en el Salone de 1968.

La identidad estética de Molteni&C se enriqueció durante los años 70 gracias a la colaboración con Afra y Tobia Scarpa, y se amplió estratégicamente en 1979 con la adquisición de Dada, especializada en cocinas de alta gama. A lo largo del tiempo, la marca ha tejido una red de colaboraciones con algunas de las figuras más influyentes del diseño y la arquitectura, como Gio Ponti, Jean Nouvel, Patricia Urquiola o Vincent Van Duysen, actual director creativo desde 2016.

En 2015, la apertura del Molteni Museum en Giussano reafirmó el legado de la firma, que hoy tiene presencia en más de 90 países. Y en 2024, para celebrar su 90 aniversario, Molteni inauguró el imponente Palazzo Molteni en el centro de Milán: un edificio de siete plantas proyectado por Van Duysen que aúna showroom, galería de arte y espacio cultural, simbolizando la evolución de la marca hacia un estilo de vida integral.

Con la incorporación de Giulia Molteni, nieta del fundador, en la dirección de Marketing y Comunicación, la firma sigue apostando por la investigación, la sostenibilidad y la excelencia como valores esenciales. Una visión que continúa escribiendo el futuro del diseño italiano desde una mirada honesta, sofisticada y profundamente contemporánea.

Giulia Molteni: sensibilidad, legado y visión cultural

Pocas figuras encarnan de forma tan sutil la fusión entre herencia familiar y sensibilidad contemporánea como Giulia Molteni. Nieta del fundador de la firma Molteni&C, Giulia representa la cuarta generación al frente de la histórica firma italiana, donde actualmente lidera la estrategia de marketing y comunicación con una mirada que trasciende lo corporativo para abrazar lo artístico, lo educativo y lo profundamente humano.

Formada como pianista clásica en el Conservatorio “Giuseppe Verdi” de Milán, donde se graduó con las máximas calificaciones, su biografía va mucho más allá del universo del diseño. Es también filósofa —licenciada con honores por la Universidad Vita-Salute San Raffaele—, pedagoga musical y apasionada de las prácticas que utilizan la música como herramienta de inclusión, terapia y transformación social. Desde muy joven se ha implicado en proyectos de musicoterapia, formación orquestal infantil y recitales multiculturales que combinan voz, piano y tradición popular.

Esa sensibilidad artística y su profundo compromiso con la educación se reflejan también en su trabajo dentro de Molteni&C, donde ha impulsado una comunicación emocional, respetuosa con la historia de la firma pero abierta a nuevas narrativas. Bajo su impulso, la marca ha sabido conectar con una audiencia global sin perder su esencia: la pasión por el saber hacer, el diseño honesto y el arte de habitar con belleza y significado.

Diseñada por Paulin Machado, Nike Karlsson y Ola Wihlborg, bajo la dirección creativa de Karin Gustavsson, Stockholm 2025 es una sinfonía de materiales nobles, artesanía depurada y formas suaves que invitan al tacto y a la contemplación. Es una colección pensada para durar, para envejecer bien, y para convivir con el usuario con la misma naturalidad con la que la luz cambia a lo largo del día sobre una mesa de madera.

Entre el bosque y la ciudad

Inspirada en Estocolmo —esa ciudad donde los ritmos urbanos se mezclan con el rumor de los bosques y los reflejos del agua—, la colección explora ese equilibrio esencial entre naturaleza y cultura que define el estilo de vida escandinavo. La paleta cromática nos habla de estaciones y texturas naturales: verdes que recuerdan al musgo, amarillos mostaza, ocres cálidos, azules invernales y marrones intensos. Todo ello aplicado con discreción y sofisticación, como un susurro que acompaña, nunca impone.

El uso de materiales es otro de los ejes del proyecto: madera maciza de roble, cuero teñido con tintes vegetales, vidrio soplado a mano, lino, ratán, lana virgen o cerámica esmaltada aportan carácter y honestidad a cada pieza. Aquí no hay artificio, sino diseño bien pensado.

Diseño que se siente

Una de las piezas más icónicas de la colección es el sofá de tres plazas con estructura de roble vista, tapizado en terciopelo mostaza: cálido, acogedor y elegante, está pensado para convertirse en el centro de la vida doméstica. A su alrededor, mesas auxiliares de roble macizo de formas redondeadas, pensadas para ser funcionales pero también bellas al tacto, componen una atmósfera que equilibra modernidad y tradición.

Entre las nuevas sillas, destaca el modelo con asiento de cuero y respaldo curvo en madera, de silueta orgánica y proporciones generosas, ideal tanto para un comedor como para una zona de lectura. Cada curva está diseñada para acompañar el cuerpo con suavidad.

Los aparadores y vitrinas, por su parte, reinterpretan el mueble clásico escandinavo con puertas de vidrio acanalado y acabados en madera clara o lacas tenues. Son piezas que almacenan, sí, pero también exponen, dejan entrever, forman parte activa del espacio.

Luces con historia

La iluminación adquiere un protagonismo especial en Stockholm 2025. Por primera vez en su historia, Ikea presenta una lámpara de araña: una pieza poética realizada en vidrio soplado, que recuerda a los candelabros venecianos pero con una estética sobria y contemporánea. Junto a ella, lámparas de sobremesa con pantallas textiles estampadas, colgantes de vidrio ámbar y apliques minimalistas completan una propuesta lumínica rica en matices, diseñada para acompañar distintos momentos del día.

Textiles y piezas que conectan

La dimensión táctil es fundamental en esta colección. Las alfombras, tejidas a mano en lana virgen, muestran motivos geométricos inspirados en la tradición textil sueca y se presentan en tonos naturales que armonizan con la arquitectura interior contemporánea. Los cojines y mantas, en merino o lino lavado, añaden capas de confort sin exceso decorativo.

En la mesa, la colección propone vajilla de cerámica con esmaltes reactivos, cuencos torneados con bordes irregulares, vasos de vidrio soplado de tonos ahumados y jarras con forma escultórica, pensadas para rituales cotidianos donde la belleza no está reñida con la simplicidad.

Una de las piezas más singulares es el jarrón de vidrio con forma orgánica, que parece capturar el movimiento del agua o la silueta de una hoja. Como ocurre con tantas piezas de esta colección, su presencia transforma el ambiente sin necesidad de estridencias.

Homenaje al diseño escandinavo

La estantería Stockholm 2025, de líneas simples y puras, es un sofisticado homenaje al diseño escandinavo con un precioso acabado de chapa cepillada y baldas muy anchas que le dan un aspecto amplio pero distintivo, ofrece mucho espacio para los objetos más especiales.

Un manifiesto de calma y autenticidad

Más que una serie de muebles y objetos, Stockholm 2025 es una forma de entender el diseño como parte integral de la vida. Una celebración del lujo discreto, del trabajo manual, de los materiales que envejecen con dignidad. Una colección que invita a desacelerar, a mirar lo que nos rodea con otra atención, a elegir menos cosas, pero mejores.

Como afirma Karin Gustavsson, “cada pieza de la colección está diseñada para sentirse bien. Para disfrutarse con los cinco sentidos”. En un tiempo marcado por la velocidad y la obsolescencia, Ikea recuerda con esta colección que lo esencial sigue estando en los detalles: un tacto, una sombra, un mueble que permanece.

Fuente: Ikea.

La estructura, de acero barnizado mate y base de madera, actúa como soporte técnico pero también como contenedor textil: en su parte exterior, una funda de punto extraíble envuelve el conjunto con una textura que define el carácter del sofá. En el interior, los cojines de asiento y respaldo, realizados en poliuretano expandido de alta resistencia, aseguran una experiencia de uso duradera y placentera. Arnò puede configurarse libremente gracias a sus distintos módulos —centrales, esquinas, con o sin reposabrazos— lo que lo convierte en un sistema abierto, versátil y adaptable a distintos espacios.

Producto: Sofá Arnò.
Diseño: Bertrand Lejoly.
Año de diseño: 2025.
Marca: Paola Lenti. Italia.

Bertrand Lejoly, la sencillez refinada

Formado entre Bélgica, Alemania e Italia, Bertrand Lejoly ha desarrollado un lenguaje propio que él mismo define como refined simplicity: una mezcla sutil de expresividad contenida, memoria colectiva y proporción arquitectónica. Tras colaborar durante años con estudios de renombre como Matteo Thun & Partners o Vincent Van Duysen Architects, en 2021 funda su propio estudio, desde donde da forma a objetos funcionales y serenos, en equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo.

Lejoly presta una atención meticulosa al contexto: sus piezas no buscan destacar por estridencia, sino formar parte de una atmósfera más amplia. Ha trabajado para firmas como Zanotta, Fantini, Duravit o Serax, y ha recibido reconocimientos internacionales como el German Design Award, el Red Dot, el IF Design Award y el Archiproducts Award. Su colaboración con Paola Lenti refleja una afinidad natural: la búsqueda de la belleza a través de la pureza formal, los materiales honestos y el diseño duradero.

Paola Lenti, un hilo que lo une todo

Todo comenzó con un hilo. En 1994, Paola Lenti lanzó sus primeras alfombras, nacidas de una profunda vocación artesanal y una sensibilidad cromática que, con el tiempo, se convertiría en su sello inconfundible. Desde entonces, la marca italiana ha construido un universo coherente y envolvente donde el diseño dialoga con la tradición, la innovación y la sostenibilidad.

Especializada inicialmente en mobiliario de exterior, Paola Lenti ha ampliado su catálogo hasta cubrir todos los ámbitos del hábitat: sofás, mesas, sistemas modulares, estanterías y accesorios se combinan en armonía gracias a una investigación continua sobre fibras, colores y texturas. La producción se mantiene fiel a una cadena 100% italiana, en colaboración con artesanos y centros de investigación, apostando por materiales reciclables, fibras naturales como el lino o el cáñamo, y procesos de bajo impacto ambiental.

Hoy, con presencia en más de 60 países y cerca de 300 showrooms internacionales, Paola Lenti sigue fiel a su origen: un diseño que parte de lo esencial para construir belleza duradera.

Fuente: Paola Lenti y Bertrand Lejoly

“Desde la primera vez que vi la silla Grace, me atrapó por completo: su amplitud, la fluidez en las posturas que permite, y ese juego poético de luz. El ratán natural tenía un encanto innegable, pero la demanda por una versión outdoor era constante. Hoy, con esta nueva edición, le rendimos homenjae a Tove, fusionando su visión, con materiales que abrazan el presente.” comenta Marie Kristine Schmidt, directora de la marca Gubi.

Diseñada originalmente para convivir con espacios intermedios –invernaderos, terrazas acristaladas, solarios–, Grace se abre ahora por completo al exterior. Su silueta esculpida, que dialoga con la luz y el entorno, conserva esa atmósfera suave y envolvente que la hizo icónica.

Construida con una innovadora fibra sintética que reemplaza al ratán y montada sobre una estructura tubular de aluminio con recubrimiento en polvo, esta versión outdoor no solo mantiene la estética original, sino que la adapta con precisión técnica a las exigencias del clima. Resistente a los rayos UV y a la intemperie, Grace Outdoor se convierte en un refugio estético y funcional en patios, terrazas o balcones.

“Mi madre encontraba en la naturaleza una fuente constante de inspiración. Esta edición al aire libre refleja su conexión con lo orgánico, ampliando el alcance de su obra con materiales que prolongan su vigencia. Es una extensión natural de su legado.” comenta Ebbe Kindt-Larsen, hijo de Tove Kindt-Larsen

Oficio, tecnología y poesía de la forma

Aunque la estructura de aluminio se curva con precisión mecánica, cada sección del trenzado se realiza de manera artesanal, recordándonos que el diseño auténtico nace del diálogo entre mano y materia. El resultado es una pieza que honra el pasado sin perder de vista el futuro.

La silueta curvilínea se mantiene, pero ahora con un aire más contemporáneo, reforzado por una paleta de tres colores sobrios y versátiles: Negro, Blanco Alabastro y Gris Champiñón. La fibra sintética imita la flexibilidad del ratán, adaptándose al cuerpo y generando una coreografía sutil de sombras y luces bajo el sol.

“Con esta versión, la visión de mi madre –donde la belleza y la comodidad dialogan sin esfuerzo– trasciende los muros y se extiende hacia jardines, terrazas y patios. Su lenguaje estético florece en nuevos escenarios.” comenta Ebbe Kindt-Larsen

Diseñada para moverse entre mundos

Ligera, resistente y fácil de trasladar, Grace Outdoor Lounge Chair se adapta con elegancia a interiores y exteriores, fluyendo con naturalidad entre espacios según el clima o el estado de ánimo. Su cojín profundo y mullido, confeccionado con una espuma especial y una membrana transpirable e impermeable, asegura confort absoluto sin temor a la lluvia. Tapizado en telas outdoor seleccionadas, combina tecnología textil con el toque suave del diseño danés.

Producto: Grace Outdoor Lounge Chair.
Diseño: Tove Kindt-Larsen
Nueva edición: Gubi. 2025.
Dimensiones: Ancho: 78,5 cm | Profundidad: 71 cm | Altura: 74 cm
Altura del asiento: 45 cm | Asiento: 65 x 60 cm
Materiales: Estructura: aluminio con fibra de polietileno
Cojín: espuma con membrana impermeable
Tapizado: tejidos exteriores de GUBI (consultar en gubi.com/upholstery)
Colores: Negro | Blanco Alabastro | Gris Champiñón.

Tove Kindt-Larsen: una mirada sensible en el corazón del diseño moderno

Durante décadas, su nombre fue eclipsado por la firma compartida con su marido, pero hoy, en un acto de justicia histórica, Tove Kindt-Larsen (1906–1994) resurge como figura clave del diseño danés moderno. Con una mirada sensible hacia los materiales naturales, una inclinación por las formas curvas y una determinación silenciosa, Tove fue una de las primeras diseñadoras en forjar un camino propio durante la edad de oro del diseño en Dinamarca.

Un talento precoz en tiempos de hombres

Nacida en Reddersen, su trayectoria arrancó en 1931 junto al arquitecto Thyge Hvass, y muy pronto dejó su huella. Antes de casarse con el también diseñador Edvard Kindt-Larsen, ya había ganado el primer premio en el prestigioso certamen del Gremio de Ebanistas y un tercer lugar en la competencia del Gremio de Mimbre Danés con su mobiliario de fibras naturales.

En 1938, el diseñador Mogens Voltelen la definía así: “Se atreve a resolver un reto desde un enfoque completamente nuevo.” Lo suyo era una sensibilidad adelantada a su tiempo: materiales nobles, soluciones flexibles, y una estética libre de excesos.

El arte de diseñar sin rigidez

Formada como arquitecta y más tarde alumna de Kaare Klint –considerado el padre del diseño danés moderno– Tove adoptó un enfoque radical para su época: en lugar de pensar en ambientes completos, empezó a diseñar piezas individuales que permitieran a los usuarios construir sus propios espacios. Esta libertad de composición, combinada con la incorporación temprana del ratán y la madera moldeada, la convirtió en una figura pionera.

Allí conoció a Edvard. Juntos compartieron una sensibilidad común por los materiales naturales y una búsqueda incesante por el equilibrio entre funcionalidad y belleza.

Un estudio compartido, una huella colectiva

Se casaron en 1937 y en 1945 abrieron su estudio conjunto. Rompieron con el peso del mobiliario victoriano para abrir paso a un diseño limpio, funcional y honesto. A lo largo de los años, crearon desde muebles hasta textiles, joyería, tapices, papel pintado y hasta edificios. Entre sus creaciones más conocidas están la Fireplace Chair (1939), el Sofá Pagoda (1956), la Silla Pagaj (1960) y el Sofá Prisma (1964).

Pero su influencia no se limitó a objetos. Desde 1943 hasta 1966, Edvard fue responsable de las exposiciones del Gremio de Carpinteros de Copenhague, muestras fundamentales en la historia del diseño escandinavo. Las diseñaban juntos. Durante 23 años, esas exposiciones mostraron su visión compartida: piezas prácticas, adaptadas a la vida moderna, pero cargadas de poesía formal.

Una presencia silenciosa, pero imborrable

Viajaron a Estados Unidos junto a grandes nombres del diseño danés –Wegner, Klint, Juhl, Jacobsen– para dar a conocer el lenguaje escandinavo al mundo. Edvard recibió premios como la Medalla Eckersberg (1949) y el galardón honorífico del Gremio (1957), e incluso la reina Ingrid de Dinamarca adquirió un taburete giratorio de cuero diseñado por la pareja. El nombre de Tove no figuró en los reconocimientos, pero su huella está presente en cada fibra de esos diseños.

Hoy, gracias a la recuperación de sus obras firmadas en solitario –como la Grace Chair, desarrollada a partir de un boceto de 1936– GUBI reivindica su figura como una fuerza creativa individual. Su estilo, profundamente orgánico y sutilmente radical, no solo complementó la estética danesa del siglo XX: la enriqueció con una nueva sensibilidad, más libre, más humana.

Texto: Gubi. Traducción: Exágono.

Lejos de las proporciones rígidas que suelen definir las mesas convencionales, Treflo está concebida como un sistema versátil y fluido. Su diseño contempla diversas formas: desde mesas redondas que evocan un trébol hasta versiones ovaladas con una base en forma de infinito. También se adapta al ámbito del salón como una refinada mesa de centro. En todas sus versiones, Treflo desafía la geometría estática y propone un diálogo constante entre forma, equilibrio y expresión.

“Cassina siempre ha sido un símbolo de la cultura del diseño. Para este proyecto, su Centro de Investigación y Desarrollo trabajó con gran sensibilidad artística y técnica en todos los detalles de Treflo.” comenta Ronan Bouroullec

Uno de los aspectos más llamativos es la base de la mesa, con contornos ondulantes que recuerdan los pliegues de un tejido en movimiento. Esta silueta cobra vida gracias a acabados lacados —ya sea en brillo o mate— y a una versión especial realizada en vidrio ondulado lacado por detrás, cuya textura recuerda el suave vaivén del agua. Lograr este efecto supone un proceso complejo, que exige altas temperaturas y tiempos de fusión prolongados para dar forma a una superficie única y refinada.

El perímetro del tablero, lejos de ser perfectamente regular, se ha concebido como un trazo orgánico, cuidadosamente trabajado para transmitir una sensación de artesanía y autenticidad. Como en un cuadro impresionista, donde no hay líneas nítidas, sino sugerencias de formas, Treflo se convierte en una experiencia visual y táctil.

Además de su riqueza formal, esta colección también destaca por su compromiso con la sostenibilidad. La base está fabricada con un material innovador —poliuretano rígido con componentes de origen biológico—, en línea con la búsqueda de Cassina por incorporar soluciones más responsables en sus procesos.

Y si la forma es poesía, el color es emoción. Treflo se presenta en combinaciones monocromáticas que acentúan su elegancia y carácter escultórico. Desde los tonos neutros de Comfort hasta intensos matices de azul medianoche, Pinot Noir, rojo ladrillo o un singular verde oscuro, cada mesa parece tener su propia personalidad, casi como si fuera una obra de arte funcional.

Con Treflo, Ronan Bouroullec y Cassina nos invitan a redescubrir la belleza en los gestos más suaves, en las líneas más sutiles, en el equilibrio entre técnica y emoción. Una mesa que no solo ocupa un espacio, sino que lo transforma.

Ronan Bouroullec: Diseñador del gesto poético

Ronan Bouroullec (Quimper, Francia, 1971) es una de las figuras más influyentes del diseño contemporáneo. Junto a su hermano Erwan, ha formado uno de los dúos creativos más prolíficos y reconocidos de las últimas décadas, aunque también ha desarrollado proyectos personales de gran relevancia.

Con una sensibilidad única para captar la poesía de las formas y una constante búsqueda de equilibrio entre función y emoción, Ronan ha colaborado con firmas como Vitra, Hay, Flos, Kvadrat y, más recientemente, Cassina. Su trabajo se caracteriza por la pureza formal, el enfoque artesanal y una atención meticulosa a los detalles, siempre con una mirada abierta a la innovación y al uso de nuevos materiales.

Fuente: Cassina y Ronan Bouroullec.

Cincuenta años después de su debut, Fiandra vuelve con proporciones perfeccionadas y un enfoque técnico que prioriza la circularidad. La estructura, que en su versión original proponía una ingeniosa base de madera inclinada envuelta en lona, ha sido reinterpretada desde el interior: ahora sin moldes, sin estructuras ocultas, y con el mínimo uso de materiales superfluos.

El resultado es una pieza que no solo seduce por su silueta relajada y acogedora, sino también por su concepción técnica. Una arquitectura del descanso que habla el lenguaje contemporáneo de la sostenibilidad.

Diseño esencial, construcción inteligente

Fiel a la idea de Magistretti de eliminar lo innecesario para dar protagonismo a la forma y la función, Cassina ha sustituido la base original por una estructura metálica sobre la que se disponen directamente las partes acolchadas. Éstas están realizadas con diferentes densidades y envueltas en una capa de fibra de poliéster reciclado que aporta firmeza, estabilidad y confort.

Los cojines interiores también reflejan este compromiso con el diseño responsable: uno de los poliuretanos utilizados contiene polioles de origen biológico, mientras que el otro incluye un porcentaje reciclado.

Cada decisión técnica es, al mismo tiempo, un gesto poético.

Tapizado que define el carácter

Fiandra se ofrece en una amplia selección de tejidos que abrazan y definen su volumen. El tapizado no es un detalle añadido, sino parte esencial del concepto: recubre todos los elementos estructurales, intensificando su presencia escultórica y atemporal.

Además, el sistema ha sido concebido para un desmontaje sencillo, lo que facilita el reciclaje de sus componentes al final de su ciclo de vida. Una solución que, sin renunciar al legado de Magistretti, traza una nueva dirección para el diseño de mobiliario contemporáneo: más consciente, más claro, más libre.

Vico Magistretti (1920–2006)

Diseñador y arquitecto milanés, Vico Magistretti fue una figura clave del diseño italiano del siglo XX. Formado en el Politécnico de Milán, comenzó su carrera en la posguerra, destacándose por una visión que unía funcionalidad, elegancia y una profunda comprensión de los materiales. Fue autor de piezas que hoy son iconos del diseño industrial, como las lámparas Eclisse y Atollo, o la silla Carimate, colaborando con firmas emblemáticas como Artemide, Cassina y De Padova.

Su estilo, sobrio y esencial, se caracterizó por la búsqueda de la simplicidad sin renunciar a la poesía formal. Magistretti también dejó una fuerte impronta como docente, influyendo en generaciones de diseñadores desde su cátedra en el Royal College of Art de Londres.

A lo largo de su carrera recibió múltiples premios, incluyendo el Compasso d’Oro, y su obra forma parte de colecciones permanentes como la del MoMA de Nueva York.

Fuente: Cassina.

Con esta mesa baja, Tangelder explora la esencia del vidrio desde su estado más fluido hasta su forma sólida, aprovechando su versatilidad para dar vida a una pieza monolítica de gran fuerza visual. Cada mesa está hecha con vidrio soplado y moldeada a mano en un molde de hierro fundido en la región del Véneto, Italia. El resultado: un objeto con una silueta orgánica e irregular, donde las variaciones de espesor generan sutiles juegos de luz, reflejos y color.

El reto técnico ha sido notable. Cassina ha desarrollado procesos de fabricación sumamente complejos para garantizar la estabilidad estructural de la pieza, especialmente en su base, que sostiene el volumen superior, así como para lograr los delicados grabados que enriquecen su superficie.

La diseñadora se siente especialmente atraída por la ambigüedad del vidrio: un material que, al calentarse, adquiere una fluidez casi arquitectónica que permite modelarlo como si se tratara de una escultura. Esta fascinación se refleja en cada detalle de la mesa, donde forma y materia dialogan en equilibrio.

Fluid Joinery – Side Table I se presenta en un único formato —pensado también para agruparse en composiciones— y en tres sofisticados colores: ahumado, ámbar y azul. Cada tonalidad se obtiene a través de la superposición de capas de vidrio transparente y pigmentado. Debido a su proceso completamente artesanal, cada mesa es ligeramente distinta, lo que convierte a cada unidad en una pieza única e irrepetible.

Linde Freya Tangelder

Linde Freya Tangelder (Países Bajos, 1987) es una diseñadora holandesa que explora los límites entre el arte, el diseño y la arquitectura. Fundadora del estudio Destroyers/Builders, su trabajo se caracteriza por una fuerte sensibilidad escultórica, un profundo respeto por los materiales y un enfoque que combina lo brutalista con lo íntimo.

Formada entre los Países Bajos y Bélgica, su práctica se desarrolla en torno a la idea de construir destruyendo, jugando con contrastes entre texturas, proporciones y acabados. Sus piezas —que van desde mobiliario hasta instalaciones— revelan un equilibrio entre lo crudo y lo refinado, y a menudo se inspiran en fragmentos arquitectónicos, objetos utilitarios o elementos industriales reinterpretados desde una mirada poética.

Tangelder ha colaborado con importantes galerías como Maniera (Bruselas) y ha exhibido su obra en eventos como la Milan Design Week o instituciones como el CID Grand-Hornu. Su enfoque artesanal y su lenguaje formal distintivo la han posicionado como una de las voces más relevantes del diseño contemporáneo europeo.

Fuente: Cassina y Linde Freya Tangelder