La propuesta parte de un gesto sencillo: devolver al apartamento su serenidad. A partir de ahí, Mathieu organiza una secuencia de espacios donde la piedra parisina, los tonos blancos ligeramente cálidos y el roble oscuro componen un lenguaje sereno y contemporáneo. La geometría aparece sutilmente —cuadrículas, líneas, proporciones estudiadas— como una pauta que ordena las estancias.

En este interior, la presencia de Gubi se revela como una conversación. Piezas modernas y clásicas se integran en una atmósfera doméstica que rehúye cualquier teatralidad. El apartamento se convierte así en un refugio donde las colecciones de la firma danesa pueden ser vividas, no solo mostradas.

Gubi en París

Gubi es una marca profundamente vinculada a la historia del diseño del siglo XX, a sus iconos y a su capacidad de evolucionar hacia nuevas expresiones contemporáneas. En París, su presencia adopta un tono íntimo, casi confidencial. Lejos del formato expositivo convencional, el apartamento actúa como un espacio laboratorio donde explorar nuevas narrativas, recibir a creadores y compartir la evolución de la marca con diseñadores, artesanos y prescriptores.

Mathieu Tran Nguyen recoge esa sensibilidad y la traduce en materia. En cada estancia, la luz parisina filtra su propia historia: sobre la piedra, sobre la madera, sobre los tejidos. El apartamento se convierte, así, en una síntesis sutil de dos universos que se encuentran: la tradición danesa y la elegancia francesa.

Geometrías suaves, materiales nobles, ritmos pausados

El interior se articula mediante decisiones discretas, casi silenciosas: la continuidad de los paramentos blancos, la presencia profunda del roble ahumado, la geometría de los suelos, las líneas limpias de las carpinterías. La piedra aporta una gravedad serena; la madera, un contrapunto cálido; los textiles, suavidad táctil. Todo parece haber sido pensado para acompañar el paso de la luz a lo largo del día. En este contexto, las piezas de Gubi —sus sillas, mesas, lámparas, asientos— encuentran una forma distinta de respirar. No se presentan como iconos aislados, sino como parte de un ecosistema íntimo y coherente.

Un espacio para habitar el diseño

La fuerza del Appartement Gubi reside en la contención, en la armonía, en la capacidad de sugerir más que de afirmar. Y es precisamente ahí donde se reconoce la mano de Mathieu Tran Nguyen: en esa mezcla delicada entre disciplina y sensibilidad, entre rigor y emoción, que define a los diseñadores capaces de crear ambientes con alma.

Este apartamento parisino revela una manera de entender el interiorismo como una forma de escritura: una gramática de luz, materia y silencio donde cada decisión participa de un relato mayor. Y ese relato, en este caso, habla de historia, de modernidad tranquila, y de la belleza serena de un espacio bien pensado.

Proyecto: Appartement Gubi.
Ubicación: París.
Terminado: 2024.
Interiorismo: Mathieu Tran Nguyen.
Mobiliario: Gubi.
Fotografía: Jean-Baptiste Thiriet.
Fuente: Mathieu Tran Nguyen.

Mathieu Tran Nguyen

Mathieu Tran Nguyen es un arquitecto de interiores con base en París, donde dirige su propio estudio desde 2019. Formado en el diálogo entre materia, luz y proporción, su trabajo se caracteriza por una sensibilidad que rehúye el gesto espectacular para centrarse en la esencia del espacio: la atmósfera, la quietud, la elegancia silenciosa.

Antes de iniciar su trayectoria independiente, colaboró con figuras de gran influencia como Philippe Starck y Rodolphe Parente, un periodo decisivo que consolidó su mirada hacia la precisión del detalle, la nobleza de los materiales y la importancia del tiempo en la arquitectura interior. Esa experiencia nutre hoy una práctica madura, intuitiva y profundamente coherente.

Su estudio desarrolla proyectos residenciales, espacios comerciales, instalaciones conceptuales y mobiliario a medida, siempre desde una misma idea: trabajar la materia con respeto, crear transiciones suaves, buscar geometrías discretas y favorecer una relación íntima entre lugar, historia y contemporaneidad. Sus interiores —serenos, táctiles, contenidos— exploran un equilibrio entre lo crudo y lo refinado, entre la memoria y el presente.

En 2024 firma Appartement Gubi en París, un proyecto híbrido entre vivienda, galería y espacio de experimentación para la firma danesa Gubi, que revela con claridad su sensibilidad: espacios donde cada textura dialoga con la luz, donde la piedra, la madera y los blancos cálidos componen un lenguaje propio, y donde el diseño se vive con una delicadeza casi ritual.

Discreto y exigente, Mathieu Tran Nguyen pertenece a una nueva generación de diseñadores franceses que trabajan desde la calma, confiando en la fuerza de la atmósfera, en la belleza de los materiales honestos y en la capacidad del interiorismo para emocionar sin ruido.

Sobre Gubi

Fundada en Copenhague en 1967 por Lisbeth y Gubi Olsen, Gubi nació como un estudio familiar dedicado inicialmente al diseño y la tapicería, para convertirse con el tiempo en una de las firmas europeas más influyentes en la recuperación y creación de iconos contemporáneos. Su enfoque combina investigación histórica, artesanía escandinava y una mirada atenta a la vida contemporánea: Gubi busca rescatar piezas olvidadas del siglo XX, dialogar con diseñadores visionarios y desarrollar colecciones que respiran elegancia atemporal. 

Entre sus piezas más emblemáticas se encuentran las lámparas Semi de Bonderup & Thorup, la Beetle Chair de GamFratesi —convertida ya en un clásico del diseño actual—, las sillas y mesas de Pierre Paulin o Mathieu Matégot, las lámparas Timberline de Mads Caprani, la colección Bohemian de Gabriella Crespi, cuyos diseños en latón y ratán han recuperado una presencia única en la escena internacional y la MR01 Initial Chair del nuevo talento danés Mathias Steen Rasmussen. 

Cada colección de Gubi combina formas suaves, materiales nobles y una sensibilidad táctil que oscila entre la nostalgia y la modernidad, configurando un universo en el que la luz, la proporción y el detalle desempeñan un papel esencial. En proyectos como Appartement Gubi, esta filosofía se materializa en espacios que no solo muestran objetos, sino que permiten habitarlos, revelando la singular capacidad de la marca para crear ambientes con alma.

El reto era complejo: diseñar un restaurante con usos múltiples —sala de desayunos, restaurante y espacio para eventos— sin perder unidad visual ni funcionalidad. La respuesta llegó a través de una cuidadosa selección de mobiliario modular y elementos fijos de gran fuerza escénica, como las barras de formas orgánicas que surgen del pavimento continuo y articulan el espacio sin fragmentarlo.

La integración con el paseo marítimo fue clave. Se elevó el pavimento interior para abrir las vistas al mar, mientras una carpintería acristalada y plegable conecta interior y exterior. Esta conexión se refuerza con una pérgola de fibras naturales que se extiende hacia el interior, generando una continuidad espacial y matérica.

El diseño trabaja el restaurante como una envolvente de tonalidades arena, mimetizándose con el entorno costero. El pavimento de micromortero, las alfombras de microterrazo y el techo acústico con llagas integradas componen una atmósfera cálida y sensorial. La pared frontal, curva y rítmica, está revestida con barro manual en tonos neutros, reforzando la idea de naturalidad.

La versatilidad es otro de los logros del proyecto: el mobiliario de madera maciza de iroko y cerámica vitrificada se adapta a cada momento del día, organizando el buffet de desayuno o transformándose en mesas grupales. La vegetación mediterránea, los textiles con estampados suaves y una iluminación dramática sobre las mesas aportan carácter y confort.

Como broche, una instalación escultórica del artista Ramón de los Heros sobre las barras evoca la rosa del desierto con un material creado ad hoc, que intensifica la presencia táctil del espacio.

Salt es, en definitiva, un manifiesto de cómo el diseño puede emocionar, transformar y dialogar con el entorno.

Proyecto: Restaurante Salt.
Dirección creativa: Sandra Tarruella.
Responsable proyecto: Olga Pajares.
Instalación escultórica: Ramón de los Heros.
Ubicación: Hotel W Barcelona.
Superficie: 690 m².
Terminado: 2024.
Fotografía: Salva López.

Sandra Tarruella: maestra del espacio, narradora de atmósferas

Premio de Honor Casa Decor 2025, Sandra Tarruella es una de las grandes referencias del interiorismo contemporáneo español. Con más de 150 proyectos en su haber y una sensibilidad única para la luz, los materiales y el contexto, su obra transforma los espacios en experiencias habitables con identidad propia.

Nacida en Barcelona en 1961, Tarruella se formó en la Escuela DIAC y en Llotja, y arrancó su trayectoria junto al Grupo Tragaluz en 1984, firmando el restaurante El Mordisco. Desde entonces, su estudio —fundado en 1992— se ha consolidado como un referente en el diseño de interiores para hotelería, restauración, retail y oficinas, con un sello marcado por la atención al detalle, la colaboración con artesanos y una mirada siempre contemporánea.

Un portafolio que habla por sí solo

Entre sus proyectos más recientes destacan: el Hotel Sabàtic en Sitges: un homenaje al estilo vacacional europeo, realizado junto a Olga Pajares y galardonado en los Premios Roca Hotel 2024. El Restaurante Brutus en Palma: brutalismo reinterpretado con elegancia y texturas, premiado en los Monocle Design Awards 2023. El Gran Café Santander: reinterpretación de un clásico madrileño con materiales nobles y ambientación sofisticada. La Confitería de los hermanos Roca en Girona: diseño versátil, dinámico y colorido que optimiza al máximo un espacio de 25 m². El Lobster Club en Mallorca: estética náutica y materiales nobles como la madera de iroko y el acero pulido. El Open Spa del Ibiza Gran Hotel: elegancia y calma gracias a un uso exquisito de piedra, madera y barro. Y junto a estos, una larga lista de proyectos emblemáticos como El Celler de Can Roca, el Hotel Omm, el Grand Hotel Central, y el Hotel Eme en Sevilla, entre muchos otros.

La trayectoria de Tarruella ha sido reconocida con premios como los Conde Nast Awards, los Interior Design Best of Year Awards o el Premio de la Real Academia de Gastronomía. Su trabajo ha sido galardonado por su capacidad para generar atmósferas únicas donde el diseño está siempre al servicio de la experiencia.

En la revista Exágono, celebramos su legado, su presente y su mirada transformadora. Su obra es una lección de coherencia, honestidad estética y humanidad aplicada al diseño.

Fuente: Sandra Tarruella Interioristas.

La marca Copains rompe con el modelo de boulangerie tradicional ofreciendo espacios completamente abiertos donde los productos se convierten en pequeñas obras de arte para mirar y degustar.

El diseño sigue este planteamiento, creando un espacio acogedor y con formas orgánicas y materiales nobles como la madera de nogal, los suelos de piedra natural y los mostradores de lava esmaltada.  Los bloques de vidrio que componen el mobiliario recuerdan a la arquitectura modernista, un guiño a la famosa casa de cristal de Pierre Charreau, situada a pocos metros de la tienda.

Cada detalle se ha diseñado para ofrecer una experiencia multisensorial: la suave luz filtrada a través de las paredes de cristal con textura, crea un ambiente cálido, con una distribucion espaciosa que facilita el recorrido por la tienda. La mezcla de madera y tonos naturales refuerza la autenticidad artesanal del espacio. 

La disposición central y frontal del mostrador invita a una circulación fluida y amable, fomentando el intercambio entre panadero artesano y visitantes, en un espíritu de transparencia y apertura.

Proyecto: Boulangerie Copains Rive Gauche.
Interiorismo: Cécile Four Arquitecta.
Superficie : 30m2
Terminado : 2024
Ubicación: Rue des Saints Pères. Paris

Cécile Four

Cécile Four es Arquitecta por la ENSA Paris-La Villette, ha realizado un Master en la ENSA Paris-La Villette en 2018-2019 y un Master en Università degli Studi Roma Tre en 2016-2017. Ha colaborado con el arquitecto y escenógrafo Patrick Bouchain y con la agencia Encore Heureux.

Realiza proyectos a diferentes escalas, desde la concepción del espacio hasta el diseño del mobiliario. Trabaja en proyectos de renovación y acondicionamiento residenciales y comerciales en toda Francia. Su actuación se adapta a las necesidades de sus clientes, desde el boceto inicial hasta la entrega de la obra.

El hilo conductor de cada proyecto es la búsqueda de las raíces locales, las necesidades del usuario, la suma de limitaciones y una diversidad de referencias a distintas épocas para construir lugares singulares. También recurre a la experiencia de una red de artesanos para conocer mejor los materiales y las técnicas de construcción. Presta especial atención a preservar y mejorar los elementos existentes en cada proyecto, así como a desarrollar un uso más moderado de materiales y equipos en favor de la inteligencia creativa y ecológica.

Isern Serra ha realizado el interiorismo de esta tienda centrándose en el arte y el diseño con el objetivo de conseguir un lugar de encuentro abierto a la ciudad, sostenible e inspirado en el Mediterráneo, que invita a la interacción y el intercambio.

Con la fachada de vidrio la tienda se abre a la ciudad, haciendo visibles sus productos que actúan como llamativas piezas de arte, junto al rótulo iluminado con el símbolo de la marca y un mostrador que permite servir café a quienes pasan delante de la tienda.

Frente a esta zona de café, el interiorista ha colocado dos plataformas de obra en color terracota como escaparate y guía del visitante hacia el interior.

En el interior se han dispuesto los expositores, diseñados a medida que, junto al resto del mobiliario y al igual que los productos que vende la marca, son concebidos como piezas escultóricas, verdaderas obras de arte.

En este primer espacio destaca una gran mesa de obra con acabado en microcemento y una original estantería de hierro de estilo moderno para mostrar productos. Para colgar las prendas de ropa, Serra ha diseñado barras de hierro apoyadas sobre una roca maciza y una base esférica, simbolizando la identidad de la marca, donde la naturaleza y la modernidad son fundamentales motores de diseño y ofreciendo una experiencia estética singular.

El plato fuerte del diseño de esta tienda es un túnel en color terracota con techo abovedado que permite comunicar con el espacio interior y que está replicado mediante un espejo colocado enfrente. El acabado terracota se consigue utilizando una pintura de mortero de arcilla, un producto sostenible con mucho menor impacto ambiental que la pintura convencional. El ambiente onírico creado por este túnel contribuye a generar una experiencia sensorial propia para la exploración y el juego de la percepción y la imaginación.

El túnel da acceso a un gran espacio, que permite realizar eventos y presentaciones, con gradas tipo anfiteatro y una claraboya simulada con tela retroiluminada. En el centro del espacio destaca una escultura de Sara Regal que funciona como mesa baja de exposición. Esta pieza fue creada a partir de los escombros generados tras la reforma, siguiendo el objetivo de sostenibilidad de la marca.

Los probadores, al final de la tienda, presentan paredes escultóricas, espacios que no solo ofrecen privacidad, sino que mantienen la coherencia estética y artística del diseño general de la tienda.

Isern Serra ha reflejado en el diseño de estos acogedores espacios, los valores de la marca con elementos artísticos y una cuidadosa iluminación que hacen de esta tienda un lugar inspirador donde el diseño y la funcionalidad se encuentran.

Proyecto: Thinking Mu Rosello.
Diseño de interiores: Isern Serra
.
Jefe de equipo: Aasheen Mittal
.
Ubicación: Barcelona
.
Finalización: 2023
.
Styling: Aasheen Mittal
.
Metalistería: Aluminis Cabestany
.
Carpintería: Fusteria J. Vidal
.
Colaboradores:
 Rótulos: Rexlan
. Lámpara Zona Café: Flowerpot de &tradition
. Piedras: Barbany Artesans. 
Lámpara zona gradas: Colia de Santa & Cole. 
Mesa central espacio gradas: Sara Regal (Vasto Gallery)

Fotografía: Salva López.

Isern Serra

Isern Serra se forma en Eina ( Barcelona) y tras realizar el ultimo año en el Politécnico de Milano se traslada a Bélgica donde trabaja para la empresa Fractal desarrollando proyectos para empresas internacionales. El 2005 regresa a Barcelona para trabajar en el estudio de Antoni Arola donde descubre cómo trabajar la luz y despierta su interés por los espacios expositivos.

En el 2008 abre estudio propio en el barrio barcelonés 22@ desde donde realiza, en colaboración con creativos de diferentes disciplinas, proyectos de arquitectura, interiorismo y diseño industrial. Cree que poder realizar proyectos a partir de puntos de vista, escalas y nacionalidades diferentes mejora el resultado final.

Es un diseñador versátil capaz de afrontar proyectos que van desde el campo expositivo, oficinas, comercios o restaurantes y sus clientes son tanto del ámbito público como Sala Canal Isabel II, BCD, Palau Robert o privado como laCaixa, CaixaForum, CosmoCaixa o Mediapro.

Realiza los proyectos desde la sencillez y la honestidad, dando a la luz una identidad propia que les permite dar a cada proyecto un carácter singular.

Compagina su carrera profesional con la docencia, impartiendo clases y workshops en escuelas com Elisava o IED. Su trabajo ha sido expuesto en ciudades como Barcelona, Milán, París, Dusseldorf, México DF o Beijing y publicados en revistas especializadas del sector. Ha sido invitado como ponente en diversas ocasiones, destacando la invitación del ICEX para presentar su trabajo en la “Beijing design week 2014”.

Fuente: Isern Serra.

El proyecto tiene como objetivo crear un destino con una singular experiencia capaz de atraer visitantes y mostrar la identidad del propietario. Para ello el arquitecto se ha centrado en los conceptos de nacimiento y crecimiento otorgando protagonismo simbólico a los árboles, sobre todo a un gran baobab plantado en el interior que emerge hacia el cielo abriéndose paso entre la estructura del edificio.

Influido por la cultura japonesa, el diseño desarrolla en el exterior tres sencillas formas de frontón negro con una estética humilde pero sofisticada. Los tejados a dos aguas se separan en algunos puntos creando huecos que permiten la entrada de la luz del sol y la lluvia ofreciendo la sensación de movimiento a la estructura. Estos huecos están cubiertos con techos tensados Barrisol que ayudan a difundir la luz en el interior, creando un espacio cálido y suavemente iluminado manteniendo una fuerte conexión con el entorno natural.

En el interior los visitantes son guiados a través de varios espacios cálidos y acogedores, con paredes de madera de pino que se transforman y se curvan creando una conexión visual dinámica entre naturaleza y arquitectura y con detalles sorprendentes a cada paso, como las fuentes o los rótulos personalizados, citas incrustadas en el suelo de terrazo que conducen a los visitantes a las distintas zonas de la cafetería o dibujos de pétalos de flores, creando una caprichosa conexión con el mundo exterior.

El edificio está separado en zonas más pequeñas para crear una escala más humana, con diferentes espacios como el bar, la zona para tomar café, un salón, una sala de reuniones y los aseos.

La disposición de los asientos interiores, que se asemeja a una cinta continua, mejora la fluidez dentro de la cafetería. Los asientos exteriores están fabricados con resina mezclada con posos de café, arroz y hojas, un detalle más de la identidad del café.

Proyecto: Harudot Chonburi.
Ubicación: Chonburi (Tailandia).
Terminado: Junio 2023.
Superficie útil: 475.
Propietario: Nana Coffee Roasters.
Arquitectura y Diseño Interior: IDIN Architects.
Paisajismo: Youkubdin.
Constructor: Wimutti Construction Limited Partnership.
Fotografía: DOF Sky | Ground.

IDIN Architects

IDIN Architects se fundó en 2004 y es un acrónimo de Integrating Design Into Nature. Este estudio de arquitectura percibe la naturaleza como el entorno ecológico, el contexto urbano y la personalidad de los usuarios. Su filosofía de diseño y el foco de sus proyectos se concentra en fusionar este sentido del entorno, las naturalezas, con la estética arquitectónica. Esta fusión se realiza a través de un proceso de análisis y priorización de las diferentes necesidades y requisitos de cada proyecto. Además de ser un acrónimo, la palabra tailandesa idin se utiliza para describir el fenómeno natural de la liberación por parte del suelo de un aroma hermoso después de la lluvia. Lo que simboliza el clima tropical de Tailandia, algo a lo que todos los diseños IDIN apuntan. El énfasis de su actividad lo ponen no solo en la estética, sino también en la práctica, para adaptarse a este ambiente templado.

IDIN architects se dio a conocer en el campo de la arquitectura tailandesa cuando el proyecto Phuket Gateway fue galardonado con el premio de diseño arquitectónico ASA en 2010. Desde entonces, muchos proyectos del estudio de arquitectura han sido continuamente galardonados con numerosos premios nacionales e internacionales, por ejemplo ASA Architectural Design Awards en Tailandia en 2016 y 2020, The Plan Award en 2020 y 2021, Architizer A+ Awards en 2016, 2017, 2019, 2020 y 2021, American Architecture Prize en 2017, Arcasia Awards for Architecture en 2016, 2018, 2020 y 2021, 2A Asia Architecture Award en 2017, Design for Asia Awards 2020 y 2021, German Design Award en 2018, GOOD Design Award 2021, y The Prix Versailles South Asia and the Pacific 2020 por la UNESCO y la Unión Internacional de Arquitectos.

Jeravej Hongsakul, fundador de IDIN Architects, se licenció en Arquitectura por el Instituto de Tecnología Rey Mongkut de Ladkrabang en 1998 y lleva ejerciendo en el campo de la arquitectura desde 2000.

Fuente: IDIN architects.