Para Ishihara, pintar es un proceso de transformación interior. Como ella misma explica, su obra surge del deseo de “recordar, comprender y soltar”, una forma de mirar hacia lo vivido para encontrar una nueva serenidad.  

Nacida en Japón y residente desde hace años en Madrid, su trabajo mantiene un vínculo silencioso con la sensibilidad estética japonesa. Conceptos como lo incompleto, lo frágil o lo efímero aparecen en sus piezas como una forma natural de entender la belleza y la experiencia humana.

La belleza de lo imperfecto

La historia personal de la artista atraviesa su pintura con una intensidad contenida. Ishihara recuerda una infancia marcada por la fragilidad emocional y las heridas invisibles que acompañan a muchas biografías. Esa experiencia vital se convierte hoy en una fuente de reflexión artística. “Mi obra nace de la certeza de que nuestras fracturas nos hacen únicos y que en la imperfección hay belleza”, escribe la artista.  

Desde esa convicción, su trabajo se acerca a la estética japonesa del wabi-sabi, que encuentra belleza en lo incompleto, lo imperfecto y lo transitorio. Cada obra aparece como un fragmento emocional: superficies donde el silencio, la memoria y la vulnerabilidad se convierten en materia pictórica.

Una pintura que respira

En el lenguaje visual de Iko Ishihara domina la contención. Sus composiciones evitan el exceso y privilegian el equilibrio. Pigmentos suaves, veladuras y texturas delicadas construyen superficies donde el gesto pictórico parece suspendido en el tiempo.

Muchas de sus obras nacen de una sensación o de una emoción inicial que va transformándose durante el proceso creativo. Pintar se convierte así en una forma de escucha. “En mis piezas, la ausencia también habla. Los vacíos encuentran su forma, y lo inacabado revela otra manera de ser completo”, explica Ishihara.  

Esta manera de trabajar otorga a sus cuadros una cualidad abierta y orgánica. Las superficies parecen seguir respirando incluso después de terminadas, como si cada pieza conservara el eco del gesto que la originó.

Entre el silencio y la memoria

Las series más recientes de la artista profundizan en conceptos ligados a la tradición estética japonesa. En la serie Yūgen, por ejemplo, Ishihara explora la belleza que se esconde más allá de lo visible, invitando al espectador a una experiencia contemplativa donde lo esencial se revela lentamente.

En otras obras aparecen referencias al ensō, el círculo caligráfico que simboliza la totalidad y la imperfección simultáneas, o al concepto musubi, relacionado con la conexión invisible entre las cosas. Estos elementos no se presentan como símbolos literales, sino como resonancias que atraviesan la composición.

El resultado es una pintura que se mueve en los límites de la abstracción, pero cuya carga emocional es profundamente concreta. Sus obras hablan de la fragilidad humana, de la reparación y de la posibilidad de reconstruirse.

El arte como espacio de reparación

En muchos de sus cuadros aparece una tensión constante entre presencia y ausencia, entre silencio y expresión. Esa dualidad forma parte del núcleo de su investigación artística.

Las grietas, los fragmentos y las cicatrices se convierten en elementos poéticos. En lugar de ocultar la fractura, la artista la convierte en lugar de belleza y de memoria. “Cada obra es un fragmento, una forma suspendida, una huella de lo que fue o pudo haber sido”, escribe Ishihara al describir su trabajo.  

Así, cada pieza funciona como un espacio de pausa, una superficie donde el espectador puede detenerse y completar su propio relato.

Una mirada lenta

En un contexto artístico dominado muchas veces por la velocidad y el impacto visual, la pintura de Iko Ishihara propone una experiencia distinta. Sus obras se revelan lentamente. Hay en ellas una invitación a la contemplación y a la escucha. Una manera de mirar más silenciosa, más atenta, más cercana a la respiración que al discurso. Quizá por eso cada obra aparece como un lugar de suspensión: un espacio donde recordar, comprender y, tal vez, también soltar.

En el corazón barroco de Noto, al sur de Sicilia, se alza una casa rosa, luminosa, silenciosa, donde la pintura se mezcla con la música y el perfume de la buganvilla. Allí vive y trabaja Júlia Martins Miranda, artista brasileña que ha encontrado, en la profundidad del tiempo y la luz mediterránea, un nuevo lugar de pertenencia. En su casa-estudio, un antiguo monasterio restaurado con paciencia, amor y artesanos locales, Júlia ha dado forma a un universo íntimo y radiante, que es al mismo tiempo refugio, taller y manifiesto poético.

Nacida en Belo Horizonte (Brasil), Júlia se formó como fotógrafa y música, antes de entregarse con pasión a la pintura. El ritmo visual de sus lienzos revela esa fusión: en ellos hay cadencia, armonía, silencios intensos. Su formación la llevó por ciudades como São Paulo, Milán y Nueva York, donde absorbió otras miradas y lenguajes, pero nunca dejó de sentir el pulso de su tierra natal como una melodía persistente. En su obra, lo brasileño no es tópico: es eco, atmósfera, memoria filtrada por la distancia.

Pindorama: una serie creada desde el recuerdo, la nostalgia y el deseo

Su más reciente serie pictórica lleva por título Pindorama, palabra tupi-guaraní que significa “tierra de las palmeras”, el nombre ancestral de Brasil antes de la llegada de los colonizadores. En estas obras, Júlia pinta desde el recuerdo, la nostalgia y el deseo. La paleta estalla en tonos cálidos, naranjas, rojos, amarillos que parecen madurar en la tela, mientras formas orgánicas flotan como islas de una geografía emocional. Cada cuadro es un mapa íntimo de su infancia, una escena de paraíso inventado donde confluyen la poesía de Adélia Prado, la música de Tom Jobim y la sensualidad del trópico.

“Pintar es una forma de regresar”, ha dicho la artista. Regresar no a un lugar exacto, sino a un estado de conciencia más lento, más próximo a lo esencial. Pindorama no ilustra la selva ni el folclore, sino una selva interior donde florecen los sentimientos de pertenencia, desarraigo y reconciliación.

Su casa estudio, un antiguo monasterio restaurado

La historia de la serie Pindorama no puede separarse del lugar donde fue creada. El hogar de Júlia es un antiguo monasterio en el centro histórico de Noto, cuya restauración llevó a cabo junto a su compañero, el diseñador Mimmo Calcagno, con la complicidad de artesanos locales. El respeto por el alma del edificio guió cada decisión: se conservaron las paredes irregulares, los techos altos, los suelos de piedra; se eliminaron particiones modernas para dejar entrar la luz como un huésped central.

El mobiliario, escaso, esencial, fue realizado a medida por carpinteros de la zona, y refleja el diálogo entre tradición y sencillez contemporánea. La cocina se abre a un patio lleno de vegetación tropical. La ducha, sin paredes ni puertas, se convierte en ritual creativo: “es donde pienso mis cuadros, donde todo empieza”, confiesa la artista. En esta casa, cada rincón y cada objeto no son parte de un decorado, integran un ambiente emocional.

Sicilia: una isla donde vivir el tiempo lento

La elección de Sicilia no fue fortuita. En la isla, Júlia encontró el tiempo lento y la luz constante que su obra requería. Aquí la vida ocurre más despacio, como si cada gesto pudiera ser contemplado antes de suceder. Esa lentitud es también una forma de resistencia: ante la prisa digital, el ruido urbano, la desconexión emocional. Su casa-estudio es un manifiesto contra la velocidad de la vida contemporánea.

Durante el verano, Júlia abre sus puertas para mostrar su trabajo y comparte momentos de conversación, música en vivo y cocina local en lo que ella llama “veladas tropicales”. Sus exposiciones, como la realizada en Iuta Farm, una granja artística cercana, entre olivos y mar, son una forma de habitar el arte desde la intimidad.

En Júlia Martins Miranda, la artista y la arquitecta emocional se funden. Su casa no es un decorado, sino una extensión de su pintura. Sus cuadros no representan paisajes, los crean. Cada gesto, cada color, cada textura construye una atmósfera envolvente que invita al recogimiento, la celebración y la contemplación. Pocas veces se da con tanta claridad esa fusión entre vida y obra, entre espacio y pensamiento.

En Noto, la artista brasileña ha construido un corazón tropical, un lugar que no pertenece a una época, sino a una sensibilidad, que nos recuerda, como su obra, que aún es posible habitar el mundo con belleza, con raíces y con alma.

Fuente: Júlia Martins Miranda.
Fotografías cedidas por Júlia Martins Miranda.

Hace ya varios lustros, Jáuregui volvió a tematizar el asunto de lo humano, de acuerdo con su singular visión del arte y del mundo. Los frutos de sus persistentes indagaciones a ese respecto están a la vista: primero, sus penetrantes interpretaciones del tzompantli mexica (proceso que sigue su curso, con recientes hallazgos in situ, en el Templo Mayor azteca, en Ciudad de México); posteriormente, la exposición de 50 óleos sobre lienzo y grabados de gran formato, Caras vemos, en la Galería Lumbreras (Bilbao, 2015), y el lanzamiento virtual de la serie de 10 grabados en blanco y negro, igualmente de gran tamaño, Mare rostrum, en 2020.

El artista bilbaíno ha seguido excavando en las honduras de lo humano y su hallazgo más reciente ha sido una turbadora veta de imágenes en las que se funden, de manera estéticamente fecunda, el humus –esa solidez incierta de lo que brota de una fuerza ctónica protovital, efervescente, en perpetuo trance de prometer vida y en constante aspiración de solidez– y la imago siempre inaprensible, incierta, evanescente, de las entidades fantasmáticas. 

La intuición antropológica de fondo, en la elaboración de los óleos de gran formato que integran esta nueva colección de Jáuregui, es la de que somos animales en los que la vitalidad indiferente del humus se entrevera con la corporeidad endeble y la mostranza dudosa del fantasma. Humus y fantasma: eso somos para Jáuregui y quiere proclamar esta inquietante revelación desde el título de esa serie de cuadros: Fant humus.

No viene al caso disputar sobre si el artista tiene razón o no en sus disquisiciones antropológicas. En lo que sí conviene reparar es en las derivaciones de su pensamiento en el plano de su propuesta y su labor pictórica. En estos tiempos de confusión y de renuncia a los rigores del auténtico arte, es digno de celebrar la potencia expresiva de estos cuadros de Jáuregui. También la capacidad de plasmación figurativa del artista y su pericia en el manejo de la composición y los colores, las sombras, los matices. Lo mismo cabe decir de la alianza de esos atributos con una materialidad técnica y unos soportes físicos acordes con la tonalidad plástica requerida, para dar cuenta de las pregnantes intuiciones que evidencian todas las obras incluidas en el catálogo de Fant humus.

Jesús Jáuregui

Jesús Jáuregui (Bilbao, 1957) cursa estudios superiores en la Universidad de Bellas Artes de Bilbao. Durante más de quince años, sostiene una estrecha relación de amistad, aprendizaje y colaboración, con dos reconocidos maestros del arte contemporáneo internacional: Jorge Oteiza y Nestor Basterretxea. Con este último colabora en una serie de documentales, para la cadena televisiva ETB2, sobre las culturas de la América Precolombina. Además, también participa en la construcción del monumento al pastor vasco, concursado en Reno, Nevada. Estas relaciones fueron de importancia capital en una formación de orientación constructivista, estética que asentará la base fundamental creativa de los próximos años.

Jesús Jáuregui lleva más de treinta años dedicado a las disciplinas plásticas como la escultura urbana, el óleo de gran formato, el grabado, la litografía, intervenciones escenográficas en pequeños teatros experimentales, y en máster charlas sobre creatividad, puestas en escena pública y tratamientos plásticos de formatos de gran escala en universidades de Bellas de Artes y en Colegios de Arquitectos.

Josu Landa

Josu Landa Goyogana (Caracas, 1953), filósofo, poeta, narrador y ensayista de origen venezolano. Su pensamiento filosófico gira en torno a la ética y la literatura. Actualmente es profesor de filosofía en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, y es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Entre sus obras más destacadas se encuentran Más allá de la palabra, el poemario Treno a la mujer que se fue con el tiempo, el cual recibió el Premio Carlos Pellicer, y la primera novela endógena del exilio vasco, Zarandona. Tradujo al idioma vasco el poema Piedra de Sol de Octavio Paz

«Una exposición avalada por la reflexión y la libertad, con el tributo de expresarme y dar rienda suelta a mis emociones sin que me afecten los estímulos del entorno. 
El sentir de la contemplación de Licencia Emocional!
Cuando el arte tiende a la abstracción de una manera consciente y no casual, se descolocan todos los mecanismos de la interpretación, provocando en el acto de mirar, tanto lo entendible como lo emocional.
Las imágenes siempre proponen un reto al ojo. Ser capaz de conjugar el infinito en una conclusión. Eso es lo que  propongo y el deber como espectador, es tratar de aspirar en grado de conocimiento todo lo propuesto. Esto me lleva a la universalización de cada tema, momentos singulares e incomparables, como ocurre cuando observamos la naturaleza. Una inquietud entre lo real y lo sugerido.
La melodía de los cálidos y fríos, las transiciones de los matices, la mezcla sin contemplación de zonas, recrean conflicto. No quiero escapar de esa mirada crítica, para sumergirme en las interioridades de lo contemplado. 
Esa fina línea, inquiere un sentido profundo de lo que nos rodea entre el instante y la reflexión, entre lo que parece y lo recóndito. Encontrar el momento adecuado, el ambiente, el contexto, la perseverancia, el material, lo inmaterial…» María Xesús Díaz.

María Xesús Díaz

«María Xesús Díaz tiene una larga trayectoria. Estudia en la Escuela de Artes de A Coruña su ciudad natal, y en 1987 realiza su primera exposición en Madrid y A Coruña con motivo de la Muestra de artes plásticas 75 años Unión Fenosa. Sus décadas en la pintura están marcadas por un camino centrado en la evolución hacia la consolidación de un estilo propio y la experimentación con tendencias paravarguandistas que le llevan a unos años 90 impregnados por una estética que bascula entre el naif y el costumbrismo. Lienzos de esa época dejan ver una autora en la que el dibujo dominaba sus composiciones, y un color, rotundo y eficaz, aparecía menos desarrollado. Ya entonces, impregnaba a sus lienzos de una carga emocional y una transmisión de sentimientos que no dejaba indiferente al espectador.  

Ya entrando el siglo XXI, una tendencia impresionista y la deconstrucción de las superficies a través de la espátula, irá conformando el estilo que hoy define su obra e inicia el camino que le lleva a su plenitud creadora y estilística.  Lo más sorprendente es que, aunque podría parecerlo en una primera visión por el ímpetu del color, la artista coruñesa no ha abandonado en absoluto la figuración. En la puesta en escena de sus composiciones se vislumbran cielos desdibujados, árboles, horizontes en lejanía, montañas, puentes, caminos, marinas y paisajes urbanos. Segmentados por la huella de la espátula, y deconstruidos acercándose a la abstracción, incluso a la estética del collage. 

 La autora convierte sus lienzos en un homenaje a la poética de la mancha, a la huella física del pigmento, manteniendo de forma mágica su capacidad de emocionar, y a la vez ofrecer una muestra personal de extraordinaria calidad pictórica. Es la incontestable realidad de que es uno de los grandes valores de la pintura gallega actual.»  texto de María Fidalgo Casares, doctora en historia, investigadora y crítica de arte

En sus piezas se encuentran, grandes y pequeños espacios donde la mancha es la propuesta, en un marco que deja volar la imaginación a múltiples interpretaciones, desembocando siempre en sentimientos reconfortantes. Acercarse a su pintura es acercarse a su interior.

La obra de la pintora visita distintas ciudades dentro y fuera del Estado Español. Participa en diferentes ferias de Arte y encuentros artísticos. Estas actividades se convierten en una parte importante de su vida y la llevan a establecer un conocimiento de las obras y los artistas.

Forma parte del jurado en diferentes premios y certámenes. Destacando: Premios da crítica de Galicia 2020 – Balconadas de Betanzos 2018, 2019, 2024 – Certamen Fernández Leizeaga Sesé 2022. Es miembro del grupo artístico Colectivo Cero. Su obra está repartida en distintas colecciones públicas y privadas.

Colaboraciones y proyectos más recientes

Exposición Licencia Emocional en Herraiz Galería de Arte (Madrid) 
Colectivo Cero 20 Aniversario en la sala Jesús Núñez de Betanzos
Encontro coa arte lebrando a Luisa Villalta
Retratos dun tempo da Plástica Galega a Fundación a Coruña
Conferencia y Exposición del Colectivo Cero en Martos (Jaén)
Retratos dun tempo da Plástica Galega a Fundacion Vigo
Encontro coa arte lebrando a Francisco Fernández del Riego Concello de Brión.

Fuente: María Xesús Díaz.