En ese territorio, en el término municipal de Manacor y junto al pequeño núcleo de Son Macià, el estudio Llorenç Brunet Arquitectes ha diseñado una vivienda unifamiliar ligada a una explotación agrícola. Es Rafal de Son Macià ocupa una parcela rústica de fuerte pendiente y 336 metros cuadrados entre planta baja y sótano. El nombre ya anuncia la vocación del proyecto. Se trata de una casa de campo vinculada a la tierra que la rodea, y no “colocada” sobre el paisaje.

Cuatro volúmenes sobre la pendiente

La primera decisión fue de emplazamiento. La casa se asienta en la parte más alta y amable del terreno y se hunde parcialmente en la topografía. Así reduce su presencia visual y se adapta a la ladera del terreno. El programa se reparte en cuatro volúmenes interconectados, ligeramente desplazados entre sí para seguir las curvas de nivel. Esa fragmentación evita el bloque longitudinal que una vivienda de esta superficie habría producido en una ladera abierta, y devuelve a la construcción la escala de las agrupaciones rurales de la isla, formadas por cuerpos sucesivos añadidos con el tiempo.

Cada volumen acoge un uso diferenciado y se cubre con su propio tejado inclinado de teja árabe. Los faldones de pendiente desigual dibujan hastiales de perfil asimétrico que rematan chimeneas de piedra, y desde lejos el conjunto se lee como una secuencia de piezas escalonadas recortadas contra el pinar. Los muros de mampostería, levantados con la piedra característica del Llevant, presentan tonos que van del ocre al rosado y cambian de color según la hora. Al atardecer, la luz rasante revela la irregularidad de cada pieza. Las carpinterías de madera y las persianas mallorquinas pintadas de verde pálido completan una imagen reconocible, en la que la tradición constructiva de la isla aporta un lenguaje preciso y actual.

La disposición de los volúmenes orienta la vivienda en dos direcciones: hacia el mar, que asoma en el horizonte por encima de la línea de pinos, y hacia el paisaje interior de la finca, con las lomas cercanas como fondo. Una piscina de borde desbordante prolonga la terraza principal hacia el valle, y un jardín de especies mediterráneas, con plumbago, romero y buganvillas, integra la arquitectura con la vegetación de la ladera.

Patios de luz y de sombra

Entre los volúmenes aparecen los patios, que son el verdadero corazón del proyecto. Semienterrados y protegidos por muros de piedra, funcionan como pequeños refugios donde la luz y la sombra se alternan a lo largo del día y generan microclimas distintos en cada rincón de la casa. En uno de ellos, una red tensada filtra el sol del mediodía y sostiene un conjunto de lámparas de fibra trenzada. En otro, que oficia de comedor junto a la cocina, una buganvilla trepa por el muro y deja caer sus flores sobre la grava. La cocina, el comedor y los dormitorios se abren a estos espacios exteriores mediante grandes puertas correderas, y la relación entre dentro y fuera se vuelve cotidiana.

Los patios también sostienen el funcionamiento climático de la vivienda. Llevan luz natural al interior de cada pieza y permiten una ventilación cruzada constante, una estrategia heredada de la arquitectura popular mediterránea. A ella se suman captadores solares fotovoltaicos y térmicos que orientan la casa hacia la autosuficiencia energética. La sostenibilidad se entiende aquí como una manera de construir y de habitar, integrada en el proyecto desde su origen, y no como un añadido técnico.

El interior, un fondo sereno

Dentro, la paleta se reduce a lo esencial. Paredes blancas, vigas pintadas que acompañan la inclinación de las cubiertas, pavimento de piedra clara y madera en carpinterías y mobiliario. Las estancias de día ocupan los volúmenes de mayor altura, donde el techo inclinado amplía el espacio y la luz entra por varios frentes. El estudio es la excepción material de la casa. Allí el muro de piedra queda visto en el interior y una esquina acristalada enmarca la colina de pinos que se levanta frente a la vivienda.

La vida en Es Rafal de Son Macià transcurre en ese continuo de estancias, patios y terrazas, siguiendo el recorrido del sol y del viento. La casa propone un ritmo pausado, ligado a la finca agrícola de la que forma parte y a un modo de vida en el campo que en Mallorca tiene siglos de historia. Quien la habita ocupa un lugar con memoria, en el que cada volumen recuerda a las casas de labor que durante generaciones han ido creciendo pieza a pieza sobre estas mismas laderas.

Arquitectura, topografía, materia y paisaje forman en este proyecto una sola propuesta, que el propio estudio resume en la voluntad de “habitar el lugar con respeto y naturalidad”. Es Rafal de Son Macià recupera así el sentido antiguo de su nombre. Es una casa con su tierra alrededor, levantada con la piedra de esa misma tierra.

Proyecto: Es Rafal de Son Macià.
Programa: Vivienda unifamiliar aislada vinculada a explotación agrícola.
Ubicación: Son Macià, Manacor (Mallorca).
Superficie: 336,20 m² (planta baja + sótano).
Año de finalización: 2025.
Arquitectura: Llorenç Brunet Arquitectes.
Arquitecto principal: Llorenç Brunet Nicolau.
Constructora: Projectes i Obres JCA.
Fotografía: Neus Pastor.

Llorenç Brunet Arquitectes

Llorenç Brunet Nicolau (Manacor, 1971) se tituló en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallès en 1996 y ha desarrollado toda su trayectoria en Mallorca, con base en su ciudad natal. Al frente de Llorenç Brunet Arquitectes, el estudio que fundó y dirige en Manacor, ha construido una práctica atenta a la arquitectura rural de la isla, a la rehabilitación y a la eficiencia energética, con una línea de trabajo cada vez más centrada en la vivienda pasiva bajo el estándar Passivhaus.

Su interés por el patrimonio y la arquitectura bioclimática tiene también una dimensión institucional. Desde mayo de 2007 es vocal de la junta de Mallorca del Colegio Oficial de Arquitectos de las Illes Balears, en las áreas de Patrimonio y Bioclimática, y ha formado parte, en representación del colegio, de la Comisión de Centro Histórico y Catálogo de Palma, de la Ponencia de Patrimonio del Consell de Mallorca y de los trabajos de modificación del plan general de Inca. A esa labor se suman una veintena de artículos sobre arquitectura bioclimática y urbanismo y diversas conferencias sobre rehabilitación de edificios y modelo de ciudad.

El estudio, que Brunet comparte con los socios Mateu Llodrà Adrover y Carme Pascual Estelrich, reúne perfiles de arquitectura, diseño, restauración, urbanismo, estructuras y gestión de proyectos, y trabaja con una red de colaboradores externos en ingeniería, instalaciones y control de calidad. Su recorrido en concursos públicos incluye los primeros premios para la reestructuración del Hipódromo de Son Pardo en Palma, el local social para personas mayores de Manacor y el acuartelamiento de la Guardia Civil en Úbeda, además del segundo premio en la ampliación del hospital de Manacor. Varias de sus obras residenciales han sido seleccionadas en tres ediciones consecutivas del premio a la mejor obra construida de las Illes Balears (2007-2010, 2011-2013 y 2014-2016). Entre sus trabajos recientes destacan distintas intervenciones en suelo rústico mallorquín, como Pleta de Son Violí, Lloseta o Es Rafal de Son Macià.

La arquitectura doméstica de la ciudad responde al clima. Las casas se levantan con muros gruesos de adobe encalado, que guardan el calor del día, tejados de teja de barro con amplios aleros de madera que protegen de la lluvia y corredores que rodean un patio central. Hacia la calle, la casa muestra una fachada sobria, a menudo pintada en tonos intensos, con balcones y portones de madera. La vida transcurre dentro, en torno al patio, entre plantas, luz y sombra. Esta lógica de recogimiento ha dado forma a la ciudad durante casi cinco siglos.

San Cristóbal es también un lugar de encuentro. Las comunidades tseltales y tsotsiles de los municipios cercanos, como Chamula o Zinacantán, llenan cada día sus mercados con productos de la tierra y con textiles tejidos en telar de cintura, cuyos bordados y colores identifican a cada pueblo. Esa riqueza cultural ha atraído durante décadas a viajeros, antropólogos, escritores y artistas. Algunos se quedaron para siempre. Declarada Pueblo Mágico en 2003, la ciudad combina la memoria colonial, las culturas originarias y una vida contemporánea en la que el trabajo creativo ocupa un lugar propio.

Casa Amona se inscribe en esa tradición de casas habitadas por el arte y el oficio. La ha diseñado Colar Colectivo de Arquitectura. Se terminó en 2025 en una parcela urbana junto a una de las principales áreas verdes de la ciudad. La casa funciona casi como una declaración de principios del estudio: leer el lugar con atención, negociar cada decisión con quienes van a habitarlo y construir con lo que la región sabe hacer bien.

Discreta hacia la calle, intensa hacia el interior

La vivienda mantiene con la calle una relación discreta y despliega su vida hacia el interior. Allí, patios y aperturas cuidadosamente situadas construyen vistas en dos direcciones: hacia el paisaje que rodea la parcela y entre las propias estancias. Desde el jardín, la casa se percibe como una sucesión de volúmenes blancos de proporciones rotundas, perforados por ventanas de madera con celosías. Un muro ciego se eleva por encima de la cubierta y actúa como remate, midiendo la casa contra el cielo. A su lado, una terraza con estructura de madera y teja de barro se asoma hacia el cerro.

Los 155 metros cuadrados construidos se reparten en dos niveles, concebidos como unidades funcionalmente independientes. La planta baja reúne sala de estar, comedor y cocina en un espacio continuo, acompañado de un baño completo. Una media altura encalada, coronada por un listón de madera, separa los ámbitos sin cerrarlos, y un pilar de ciprés marca el paso de uno a otro. La configuración permite que la sala de estar se transforme en dormitorio principal sin obras de importancia. La casa anticipa así distintas condiciones de uso a lo largo del tiempo, una previsión que cobra todo su sentido en una vivienda pensada para varias generaciones.

La primera planta concentra los espacios privados: dormitorio, estudio y terraza, vinculados directamente con las vistas hacia el cerro. El estudio se abre a la terraza a través de un gran hueco que desdibuja el límite entre interior y exterior. Las estanterías de ciprés recorren las paredes y bajan hasta convertirse en banco y aparador, y una mesa de trabajo se sitúa frente a una ventana enmarcada por las copas de los árboles.

Un taller dedicado al trabajo artístico

El proyecto se completa con un taller independiente de 45 metros cuadrados, dedicado al trabajo artístico y al encuentro familiar. Dispone además de un dormitorio y un baño propios, lo que le otorga autonomía. Su pieza principal es una galería cubierta, sostenida por un pilar de ladrillo visto y una estructura de vigas de madera, donde una larga mesa de trabajo volada recorre el muro. Frente a ella, unos peldaños de ladrillo ascienden hacia el patio.

Ese patio se organiza alrededor de un fresno que ya ocupaba el terreno. Conservarlo fue el punto de partida de la composición. La vegetación local y un pequeño estanque completan un microhábitat urbano integrado en el conjunto, protegido por altos muros de tono terroso sobre los que el árbol proyecta su sombra a lo largo del día. El taller queda así entre dos mundos: el recogimiento del trabajo creativo y la vida compartida del patio, abierta a la familia y a quienes la visitan.

Mampostería, ladrillo visto, adobe y madera de ciprés

La materialidad sostiene esta continuidad. El proyecto combina mampostería, ladrillo visto, adobe no estructural y madera de ciprés. La madera tiene un papel esencial: forma las cubiertas, las carpinterías y todo el mobiliario integrado, desde los muebles de cocina hasta las librerías, los armarios y el cabecero del dormitorio. Los encalados, la madera y los pisos de loseta de barro pasan del interior al exterior sin interrupción, de modo que galería, cocina y terraza comparten una misma piel. Son materiales de la región, trabajados con oficios cercanos, y su elección responde a la convicción ética que desarrolla el estudio de construir una arquitectura que envejezca con dignidad, que acepte la pátina y el uso, y que gane carácter con los años.

Una casa con nombre de abuela

Amona significa abuela en euskera. El nombre surge de una circunstancia vital y orienta el sentido de todo el proyecto, diseñado para que convivan la vida cotidiana familiar y la creación artística. Pocas palabras describen mejor una casa que se piensa en el largo plazo y que hace sitio a quienes llegan y a quienes permanecen.

El arquitecto principal, Santiago Constantino De Angoitia, fue también el constructor de la obra. Esa doble responsabilidad se percibe en los detalles, como el encuentro preciso de la madera con la cal, las juntas del ladrillo y la proporción de cada hueco. El proyecto se resolvió en obra tanto como en el estudio, con la misma atención al lugar que Colar reivindica en cada proyecto.

Al final, Casa Amona recupera aquello que San Cristóbal enseñó durante siglos: una casa discreta ante la calle que guarda su intensidad para el interior. En su centro, en lugar de una fuente colonial, hay un fresno, y bajo él un taller donde se trabaja con las manos. Cuando la niebla baja del cerro y se cuela entre los muros, la casa sigue ahí, encalada y cálida, dispuesta a envejecer junto a quienes la habitan.

Proyecto: Casa Amona
Ubicación: San Cristóbal de las Casas, Chiapas. México.
Programa: vivienda unifamiliar con taller.
Superficie construida: 155 m².
Finalizado: 2025.
Arquitectura: Colar Colectivo de Arquitectura.
Arquitecto principal: Santiago Constantino De Angoitia.
Equipo: Santiago Constantino De Angoitia, Maximiliano Animas Rueda, Mateo Torres Sánchez, Roberto Marroquín Polín.
Ingeniería estructural: Virgilio Domínguez.
Paisajismo: Terruño Paisaje.
Construcción: Santiago Constantino De Angoitia.
Fotografía: Ariadna Polo.
Fuente: Colar Colectivo de Arquitectura.

Colar. Colectivo de arquitectura

COLAR Colectivo de Arquitectura nace en Ciudad de México en 2021, fundado por Santiago Constantino, Maximiliano Animas, Mateo Torres y Roberto Marroquín. Los cuatro se formaron en la Facultad de Arquitectura de la UNAM y decidieron hacer de la colaboración algo más que un método de trabajo: una forma de entender la disciplina. En 2025 se incorpora Paulina Animas. Antes de fundar el colectivo, sus integrantes completaron su formación con estancias académicas en Rosario, Madrid, Sevilla y Berlín. También trabajaron en estudios como Ignacio Urquiza Arquitectos, Rzero, Dos Puntos Arquitectura, HUBER, TLR-AU, Escobedo Soliz, Talleresque o el de Nicolás Campodónico, en proyectos de vivienda, ciudad y paisaje a escalas muy distintas.

De esa trayectoria compartida surge una estructura poco habitual. Es un estudio distribuido, capaz de operar en varios territorios a la vez y de apoyarse en lo que el propio colectivo llama “conocimiento situado”. Las decisiones se toman en horizontal, a través del diálogo continuo entre el equipo, los clientes y quienes habitarán los espacios. Sus integrantes reconocen que este proceso genera cierta fricción y la asumen como parte del oficio: cada proyecto se afina en esa negociación hasta alcanzar una respuesta más rigurosa y más atenta al lugar. Ante las restricciones económicas, políticas y socioambientales de la práctica contemporánea, el diseño se plantea como una síntesis entre estrategia espacial, sistema material y contexto.

Su obra construida se reparte principalmente entre Ciudad de México, Chiapas, Hidalgo, Morelos y el Estado de México. Abarca vivienda, desde el encargo privado hasta tipologías domésticas experimentales, además de remodelación y restauración, arquitectura efímera, paisaje, hostelería y diseño de mobiliario. Entre sus proyectos más relevantes figuran Morada de Piedra (2024), en Malinalco; Casa Amona (2025) y Casa Estelí (2026), en San Cristóbal de las Casas; y el Pabellón Cempasúchil (2025) y la reciente Casa Caliza (2026), ambos en Tulancingo. Su trabajo ha sido publicado en medios como Dezeen, Dwell, Architectural Digest, Arquine, Metalocus o ArchDaily.

Nečín es un territorio de segundas vidas. Las paredes lisas de roca conservan la huella del trabajo, pero el uso ha cambiado por completo, y lo que fue extracción es ahora paisaje y lugar de encuentro. Esa lógica de transformación lenta, en la que cada etapa se superpone a la anterior y la deja a la vista, recorre también la pequeña casa que el estudio praguense Facha architekti ha reformado y ampliado en el borde del pueblo.

Una casa que crece por capas

La historia del edificio es la de un crecimiento casi orgánico. En origen, la parcela albergaba un establo de una sola planta, sobre la que alguien levantó más tarde una sencilla cabaña de fin de semana. Con los años, aquella cabaña se fue adaptando hasta convertirse en vivienda permanente, y cada cambio dejó su marca en muros y techos. Sus propietarios actuales, una familia de cuatro miembros, amigos del estudio, necesitaban más espacio de estar, una relación real con el jardín y lugar donde guardar los objetos de la vida doméstica que ya desbordaban la casa.

Los arquitectos tomaron ese proceso de crecimiento como punto de partida. La casa se asienta en el límite del pueblo, entre viviendas aisladas y antiguas construcciones agrícolas dispersas, y la ampliación se diseñó como una capa más en su desarrollo, claramente distinta en forma y materia, lo que permite que la historia del edificio siga siendo legible.

El nuevo volumen se adosa a la fachada encalada como un cuerpo ajeno y a la vez familiar. Dos prismas de alturas diferentes, unidos por un plano inclinado que evoca la pendiente de una cubierta, revestidos de chapa ondulada de un rojo intenso. El más alto se separa del terreno sobre apoyos esbeltos y parece suspendido sobre el jardín. La elección de la chapa ondulada fue elegida como material sencillo, duradero y económico, que el propio equipo podía colocar y que otorga a la intervención una identidad contemporánea inequívoca.

Hacia el oeste, una gran ventana corredera abre el estar a una terraza de alerce con amplios peldaños que funcionan como gradas, protegidos por un toldo textil del mismo color rojo. El cuerpo más bajo acoge la nueva entrada principal, y ese desplazamiento del acceso permitió reorganizar la planta original, ampliar el baño y rediseñar la cocina. Los armarios integrados en la ampliación resuelven, por fin, la necesidad de almacenaje.

La intervención alcanza a toda la casa

El sótano y el desván permanecen casi intactos, mientras la planta baja elevada se reconfigura por completo. El edificio original recibió aislamiento térmico, nuevas ventanas de madera, una cubierta de chapa ondulada que dialoga en gris plateado con el rojo de la ampliación, y una bomba de aerotermia. En el interior, el contrachapado de pino da forma a los muebles hechos a medida, el linóleo natural oscuro unifica los suelos, una estufa de leña giratoria ocupa un rincón junto a la cocina y el baño se reviste de enlucido de cemento.  

Dentro de la ampliación, el contrachapado de pino forra paredes y techo y su veta pronunciada continúa en bancos corridos, armarios y una pequeña mesa redonda. Es un espacio cálido y envolvente, abierto al jardín, que prolonga el comedor a través de un amplio hueco en el muro original. En la cocina, la encimera roja lleva al interior el color de la fachada.

La arquitectura se ofrece aquí como soporte de la vida cotidiana de una familia, atenta a sus gestos más que a su propia imagen, como vemos en las fotografías que muestran una casa habitada, con libros y discos, pinturas en las paredes, plantas en cada alféizar, sillas de madera curvada en rojo y negro alrededor de la mesa y un perro que vigila el jardín desde la entrada.

Diseñar y construir

Lo más singular del proyecto está en la forma en que se hizo. Como en otras obras del estudio, Facha architekti diseñó la ampliación y la construyó junto a sus propietarios, desde la estructura de madera hasta la fachada y los revestimientos interiores. Las imágenes de la obra lo cuentan mejor que cualquier memoria. El entramado de montantes levantado en una tarde de verano, los rastreles amarillos sobre la lámina impermeable, los primeros perfiles rojos enmarcando huecos y esquinas, los arquitectos sobre el andamio fijando la chapa en pleno invierno.

Para el estudio, esta implicación directa forma parte inseparable de su práctica. En proyectos pequeños y poco convencionales, les permite resolver detalles y soluciones constructivas para los que resulta difícil encontrar contratistas, y les proporciona un conocimiento de los materiales, las técnicas y el oficio que alimenta cada nuevo encargo. Los arquitectos lo explican con claridad: “la presencia física en la obra permite afinar el proyecto a través de innumerables detalles y decisiones que no pueden anticiparse frente a un ordenador”.

Hace años, Martin Chlanda hablaba de la arquitectura como “escultura social”, una práctica que trabaja tanto la forma como las relaciones entre quienes la hacen posible. En Nečín, ambas ideas se encuentran. Una casa ampliada entre amigos, en la que arquitectos y propietarios compartieron herramientas, frío y decisiones.

Quizá sea el lugar adecuado para ello. En un pueblo cuya memoria pertenece a los canteros, que conocían a fondo la piedra porque la trabajaban, este pequeño grupo de jóvenes arquitectos reivindica un saber semejante, aprendido en el contacto directo con la materia. Y como esas canteras que conservan las marcas del trabajo mientras el agua las convierte en otra cosa, la casa guarda las huellas del establo, la cabaña y los arreglos sucesivos, y suma ahora una capa roja que, probablemente, tampoco será la última.

Proyecto: House With a Red Addition
Ubicación: Nečín, distrito de Příbram (República Checa)
Arquitectura: Facha architekti — Martin Chlanda, Andrea Sobotková, Matěj Nepustil, Jana Fischerová, Nikola Gronychová.
Finalizado: 2025.
Superficie construida: 50 m² (casa) + 26 m² (ampliación).
Superficie bruta: 154 m² (casa) + 26 m² (ampliación).
Parcela: 515 m².
Fotografía: Peter Fabo.
Colaboradores y proveedores:
Estructura de madera de la ampliación y acabados: Facha architekti.. Albañilería: Jaroslav Kozohorsky.
Ventanas: Cadre.
Carpintería: Panab, Eman Trefný.
Tapicería: Polstrin, A-ACTU.
Iluminación: Artemide.
Sillas y mesa: Ton.
Linóleo: DLW Colorette, de Gerflor.

Facha architekti

Facha architekti es un estudio de arquitectura fundado en Praga en 2018 por Jana Fischerová, Martin Chlanda y Matěj Nepustil, al que en 2020 se incorporó la artista y diseñadora Andrea Sobotková, completando el equipo actual. Trabajan desde un taller en un patio interior del barrio de Smíchov, y el nombre ya anuncia una manera de entender el oficio, en el checo coloquial, facha es el trabajo, la faena. Los fundadores coincidieron en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica Checa (ČVUT), y parte de sus raíces se encuentra en el estudio Povětroň, donde empezaron a compartir una mirada común sobre la arquitectura rural checa y la búsqueda de su carácter.

Cada uno llegó por un camino propio. Martin se formó en una escuela de artes y oficios de Český Krumlov especializada en la restauración de edificios históricos. Más tarde pasó tres años en el taller interdisciplinario de la Academia de Bellas Artes de Praga, una experiencia que desmontó los prejuicios de su formación anterior y le acercó al arte contemporáneo de Gordon Matta-Clark, Pierre Huyghe o Francis Alÿs. Matěj creció observando la evolución de la arquitectura contemporánea de la mano de su padre, también arquitecto, mientras que Jana, hija de arquitecta, se presentó a las pruebas de acceso de la facultad casi como un tanteo que acabó convirtiéndose en vocación. La llegada de Andrea reforzó una inclinación presente desde el origen, el diálogo con el arte, que el estudio cultiva también en instalaciones para el espacio público realizadas junto a amigos artistas.

Sus referencias combinan la precisión de Peter Zumthor y la tradición suiza y austriaca con la crudeza deliberada de Arno Brandlhuber o Jan De Vylder, pero su fuente más cercana está en el propio territorio. La arquitectura vernácula y la autoconstrucción anónima de los pueblos checos, las consideran una herencia tan fértil como las revistas internacionales que llenan sus estanterías. De ahí su interés por transformar lo existente, desde edificios históricos hasta casas corrientes de la segunda mitad del siglo XX.

La escala reducida es una elección consciente. Las viviendas unifamiliares y los refugios de temporada les ofrecen libertad creativa y, sobre todo, una relación estrecha y prolongada con quienes van a habitarlos. Dentro del equipo, las sensibilidades se complementan: Martin y Jana tienen la capacidad de imprimir en cada casa el carácter de sus dueños, mientras Matěj tiende hacia soluciones más generales, atentas sobre todo al entorno. Martin resume esa ética en la idea de que una casa bien proyectada es una huella de quien la habita, y toma de Joseph Beuys la noción de “escultura social”: más allá de la forma construida, cada obra debería cultivar las relaciones con el cliente y con quienes trabajan en ella, y terminar en amistad.

La obra es el otro lugar natural del estudio. Sus miembros alternan el ordenador con la construcción, convencidos de que combinar trabajo intelectual y físico es una forma sana de pensar la arquitectura, y de que el contacto con el paisaje y con personas ajenas a su círculo enriquece el proyecto. Aquella aspiración temprana de ejecutar con sus propias manos al menos una obra al año se ha consolidado como parte de su práctica, especialmente en proyectos pequeños cuyos detalles poco convencionales resultan difíciles de confiar a terceros. Obras como la casa de Kořenov, entre los montes Jizera y los Krkonoše, o The Box in the Barn, un refugio estacional insertado en un granero de Bohemia oriental, les han dado proyección internacional, y la reforma de un piso junto a la plaza de la Ciudad Vieja de Praga fue nominada en 2025 a los premios Czech Grand Design. Con la mirada puesta también en el espacio público, los pequeños conjuntos urbanos y modelos de vivienda colectiva como las Baugruppen, Facha architekti sostiene que la generosidad de un edificio es independiente de su tamaño, que la intuición y la pasión pesan a menudo más que los parámetros exactos, y que en cada construcción conviven la forma, la estructura y la materia con las personas y las historias que la sostienen.

Esa arquitectura anónima tiene una lógica de supervivencia y optimización de recursos. Cada bancal responde a la caída del terreno, cada muro aprovecha la piedra que el propio campo ofrecía, cada chozo se orienta y se cierra según el sol y el viento. Ese diseño sostenible original, perfeccionado a lo largo de generaciones, es un paisaje construido con economía y con paciencia, y cualquier casa que quiera instalarse allí debe aprender primero a leerlo.

Hace unos meses contábamos cómo Ábaton rehabilitaba un antiguo establo de ovejas en la Sierra de Gata. Allí la memoria estaba en pie, en los muros de piedra y la teja que el estudio decidió respetar. En la Vera el punto de partida es otro: una parcela de olivos en terrazas y una normativa de suelo rústico que impone una estética tradicional. Ábaton tomó esa condición como material de proyecto. Teja árabe, muros de piedra de la zona y cubiertas inclinadas sitúan la casa en la familia de las construcciones del lugar, los chozos del olivar. La planta, en cambio, las visuales y las instalaciones pertenecen por completo a nuestro tiempo. La restricción acabó siendo la razón de que la casa transmita esa sensación tan difícil de conseguir en una obra nueva, la de llevar allí más tiempo del que realmente lleva.

Una casa escalonada como el terreno

La parcela desciende en bancales y la vivienda la acompaña. En lugar de partir de una plataforma única, el proyecto se organiza en pequeños saltos de cota que siguen las terrazas del olivar y que, al mismo tiempo, separan con suavidad unos espacios de otros. El gesto tiene tanto de respeto al terreno como de estrategia doméstica.

El proyecto fue encargado por una pareja con los hijos ya independizados. Querían una casa a su medida, pensada para dos, que pudiera crecer cuando llegaran los hijos con sus propias familias. Ábaton resolvió esa doble escala en la sección. Los distintos niveles y los espacios semiindependientes permiten que la vivienda funcione replegada cuando la habitan sus propietarios y se despliegue entera en los días de reunión, sin que sobren metros en la vida cotidiana. La misma separación que ordena los usos ordena también el clima, basta con acondicionar las zonas que se ocupan en cada momento. Lo que en temporada baja se traduce en ahorro, en los períodos de vacaciones se convierte en casa abierta.

Una casa que mira hacia poniente

Las vistas están al oeste, sobre el valle, y el estudio decidió que mandaran sobre la orientación más cómoda desde el punto de vista solar. Las visuales cruzan la vivienda de lado a lado, de modo que desde casi cualquier rincón el ojo alcanza el fondo del valle y la línea de la sierra. Esa elección tiene un precio, el sol duro de la tarde, y el proyecto lo asume con dos respuestas. La primera son las contraventanas de castaño que, cerradas o entornadas, dan a la fachada oeste su ritmo de tablas verticales y tamizan la luz del poniente. La segunda son los aleros, que proyectan sombra sobre los huecos. Hacia el sur se extienden los porches, bajo vigas de madera y estructura metálica, con el suelo de ladrillo continuando desde el interior.

La casa entera funciona casi como uno de esos porches. Abierta de un lado a otro, deja que los vientos de poniente la atraviesen y la refresquen en las tardes de verano, mientras los muros de gran espesor hacen su trabajo silencioso, acumulan el calor y el frío con lentitud y mantienen estable la temperatura interior sin consumo añadido. Al estar en suelo rústico, la vivienda necesita además bastarse a sí misma. Paneles solares, aerotermia, depósito de gas, pozo propio y fosa séptica la hacen prácticamente autónoma de las redes urbanas. Aquí la autonomía forma parte de la ética del proyecto y, más aún, de la propia posibilidad de construir en ese lugar.

El espacio social, un lugar de recogimiento

En el centro de la casa, situado en una cota ligeramente más baja, se encuentra el espacio común: salón, comedor y cocina en una sola estancia continua. Descender a ella produce un efecto de recogimiento, como si la vivienda se cerrara alrededor de quien llega, y sin embargo es el punto con mejores vistas, prolongado hacia dos terrazas y la piscina. Una chimenea de obra con repisa de granito ancla el estar, frente a un muro de piedra vista que recuerda en todo momento de qué está hecha la casa. Las vigas de madera recorren el techo inclinado y el ladrillo recuperado cubre el suelo de toda la planta. La cocina, de frentes claros y encimeras de piedra, se abre al paisaje mediante una ventana alargada que encuadra la sierra a la altura de los fogones. El mobiliario mantiene el tono: sofás de lino, butacas de madera y enea, una mesa de centro hecha con una losa de granito sobre troncos, y las famosas sillas potro de Oscar Tusquets, recuperadas en varios colores que ponen una nota rústica y alegre alrededor de la mesa del comedor.

El dormitorio principal dispone de su propio porche, con salida directa al jardín, y unas cortinas de lino que filtran la luz de la tarde mientras la sombra de la pérgola dibuja franjas sobre el pavimento. Los demás dormitorios se asoman a un porche pasillo que recorre la fachada norte y actúa como filtro entre el interior y el campo. Es uno de los recorridos más bellos de la casa, con puertas de madera recuperada y la luz entrando de costado. En algún rincón la vivienda se permite pequeños espacios de retiro, como el escritorio corrido bajo dos ventanas que miran al olivar y al muro de piedra, junto a una vieja puerta de cuarterones que se desliza sobre un riel. Los baños, revestidos de mortex en tonos tierra, y distintos entre sí, rompen la frialdad clásica, aportando una calidez orgánica con su textura aterciopelada y natural.

Materiales procedentes del entorno

El repertorio material es breve y procede del entorno. Piedra de la zona en los muros, barro y ladrillo recuperados, castaño en las contraventanas, madera vista en las cubiertas, perlita en los revestimientos interiores, mortex en los baños. Son materiales que envejecerán con dignidad, y algunos llegaron a la obra con el tiempo ya incorporado. El proyecto conservó además todo el arbolado existente; la casa se acomoda entre los olivos sin desplazarlos. La piscina completa la secuencia. Elevada sobre el terreno como una alberca, está más próxima a la tradición del riego que a la del ocio, y prolonga la cota del estar hacia el valle cerrando la sucesión de porches y terrazas.

Quien pasea hoy por el olivar ve una casa de piedra y teja que parece una más entre los chozos y los muros de los bancales. Esa discreción es su mayor logro. En la Vera, donde durante siglos la gente aprendió a habitar la pendiente escalón a escalón, Ábaton ha construido una casa que entiende esa lección y la traslada al presente con naturalidad.

Proyecto: Casa de campo en el olivar.
Ubicación: La Vera, Cáceres.
Arquitectura y paisajismo: Ábaton.
Arquitectos directores: Guillermo Santos, Blanca Marías y Javier de Montero.
Fotografía: Azul Vivó.
Fuente: Ábaton. Paula Cárdenas.

Ábaton

Desde su fundación en 1998, Ábaton se ha consolidado como uno de los estudios de arquitectura más influyentes de España. Su obra, reconocida por su honestidad formal y su profundidad conceptual, nace de una filosofía clara: eliminar lo superfluo para alcanzar lo esencial. Para Ábaton, la arquitectura no es solo una cuestión de espacio, sino una forma de conversación íntima con uno mismo, con los demás y con la naturaleza.

En un contexto saturado de estímulos, Ábaton reivindica el poder del silencio arquitectónico. Sus proyectos reflejan una estética que escapa a la razón para centrarse en la experiencia vital de quienes los habitan. Diseñan espacios que acogen y dialogan con el entorno.

Comprometidos desde sus inicios con la sostenibilidad, han sido pioneros en el uso de madera CLT en España, con más viviendas construidas con este sistema que ningún otro estudio del país. Utilizan materiales reciclables, planifican con criterios bioclimáticos y minimizan la huella ambiental de cada proyecto. Su arquitectura respeta el lugar y el tiempo: casas que aspiran a ser atemporales, perdurables y conscientes.

Además de su producción de obra nueva, Ábaton ha llevado a cabo más de 300 rehabilitaciones, entendiendo que restaurar también es una forma de crear. Su enfoque integral —que abarca desde el diseño hasta la construcción— garantiza coherencia, precisión y belleza en cada etapa del proceso.

Hoy, con más de 500 proyectos construidos, Ábaton continúa construyendo formas de habitar más libres, más empáticas, más humanas. En sus espacios se respira una arquitectura, más pensada para sentirla que para verla.

La arquitecta Camino Alonso es la directora creativa de Ábaton Arquitectura, estudio que fundó en 1998 junto con Ignacio Lechón, también Arquitecto y Carlos Alonso, Ingeniero Industrial. Una nueva generación se ha incorporado al equipo de dirección de Ábaton: Miriam Arias, directora de Interiorismo y Blanca Marías arquitecta directora.

Los caminos que salen del pueblo atraviesan campos de secano, algarrobos y olivos contenidos por márgenes de piedra. Es un paisaje construido con lo que había a mano, en el que cada muro explica su origen y su función. Esa misma lógica, la de una arquitectura que muestra de qué está hecha, recorre Casa Arlo, la vivienda unifamiliar proyectada por los arquitectos Luis Royon Barea y Andreu Arévalo Llàcer en una de las zonas residenciales de Creixell.

Un prisma sobre la pendiente

La casa, de 310 metros cuadrados construidos, se presenta como un prisma de aristas nítidas y geometría limpia que se asienta con cuidado sobre el terreno. La cota de la planta baja coincide con el centro de gravedad de la parcela, una decisión que reduce al mínimo las alteraciones del perfil natural. Los retranqueos que fija la normativa definen la huella del edificio, y el resultado es un monolito blanco que recoge los cambios de la luz mediterránea a lo largo del día.

Sobre esa fachada lisa se abren grandes huecos con carpinterías de madera natural, que introducen un contrapunto cálido y conectan el interior con el entorno. Al caer la tarde, cuando la casa se ilumina desde dentro, esos vanos se convierten en el rasgo más elocuente del volumen.

El encuentro con el suelo se resuelve mediante un basamento de hormigón visto que absorbe el desnivel. Sobre él, la franja libre que rodea la vivienda se destina al uso exterior. En la esquina opuesta al acceso, donde la geometría del solar ofrece más holgura y mejor soleamiento, una plataforma de madera acoge una piscina de líneas sencillas. A su lado, una pérgola ligera cubierta de cañizo tamiza el sol y proyecta sobre los acristalamientos un dibujo cambiante de sombras, a la manera de los emparrados tradicionales del litoral. Incluso la escalera que salva los bancales del jardín está construida con los mismos bloques cerámicos del interior, colocados de forma que sus perforaciones quedan a la vista en cada peldaño.

La estructura como acabado

El carácter de la obra nace de una decisión constructiva que los arquitectos han querido mostrar en todo el proyecto: cada material se muestra tal como es y cumple una función reconocible. La estructura aérea se resuelve casi por completo con elementos de hormigón prefabricado, un sistema modular que aporta orden métrico, economía de medios y una estética de raíz industrial. Ese montaje en seco convive con la planta sótano, donde los muros de contención se ejecutan en hormigón armado in situ. El subsuelo resiste los empujes del terreno y funciona a la vez como podio técnico, con el aparcamiento y las instalaciones de la vivienda.

En el interior, la paleta se reduce a tres materiales. Los cerramientos verticales dejan a la vista el bloque de termoarcilla, cuya textura estriada aporta una vibración geométrica constante, un tono terracota que aporta calidez a los espacios y una notable inercia térmica. Frente a esa superficie rugosa, el hormigón aparece crudo en pilares y forjados, con las marcas del encofrado y el peso de su presencia. El pavimento continuo de madera completa el conjunto y devuelve la escala doméstica. Los arquitectos hablan de un “brutalismo cálido”, y la expresión describe con precisión una atmósfera en la que la austeridad material produce, paradójicamente, una sensación de acogida.

Las instalaciones discurren vistas, con sus tubos blancos recorriendo muros y techos, y el mobiliario de madera de pino, las estanterías llenas de libros y las lámparas de ratán prolongan esa misma honestidad hasta la escala del objeto.

El vacío que ordena la casa

El acceso se ha desplazado hacia la fachada oeste, donde el desnivel con la calle es menor y la entrada puede producirse de forma suave. Un vestíbulo contenido, separado del espacio de trabajo por una celosía de listones de madera, prepara el paso hacia la zona de día, que se abre de golpe como una gran plataforma continua. La cocina, resuelta con frentes blancos lisos y encimeras de acabado madera, se organiza en torno a una isla que mira hacia el resto de la planta y favorece la vida compartida a lo largo del eje longitudinal de la casa.

El verdadero motor espacial aparece junto al núcleo central de comunicación vertical: una doble altura que acoge el salón y la biblioteca y enlaza las dos plantas principales. Este vacío amplía la percepción del espacio y actúa también como regulador térmico y lumínico, porque los ventanales superiores llevan la luz natural hasta el fondo de la planta baja. La arquitectura responde aquí a criterios pasivos precisos. Las aberturas enfrentadas permiten la ventilación cruzada, y la orientación garantiza que el sol de invierno entre directamente en la sala principal entre las diez y las doce, hora solar, en torno al solsticio.

La escalera de hormigón que comunica las plantas se aligera gracias a su cerramiento, una malla metálica blanca de tipo red que protege sin interrumpir el paso de la luz. Vista desde el salón, la escalera parece suspendida en un velo translúcido.

Habitar la galería

En la planta superior, el pasillo de distribución funciona como una galería que se asoma al salón a través de grandes acristalamientos enmarcados en madera. Desde allí se domina la doble altura, de modo que la zona privada, con dos dormitorios y un pequeño balcón exterior, participa de la amplitud del espacio común. La luz y las vistas atraviesan la casa de un extremo a otro, y la vida cotidiana de la planta baja permanece presente también arriba.

Los dormitorios mantienen el tono sereno del conjunto. En el principal, una cama con dosel de tela ligera, un lavabo doble sobre encimera de bambú con espejos redondos suspendidos de montantes de madera y una ducha revestida de piezas de hormigón componen un espacio abierto y fluido. En la habitación infantil, el bloque cerámico se pinta de blanco y conserva su textura, mientras una cama baja de madera, unas estanterías de pequeña altura y un columpio colgado del forjado convierten la estructura en soporte del juego. Es en estos detalles donde la casa revela su condición más valiosa: una arquitectura pensada para acompañar una vida familiar que crece, cambia y ocupa el espacio a su manera.

Una casa hecha de lo esencial

Casa Arlo demuestra que la contención material puede ser una forma de generosidad. Con una paleta reducida y unos elementos constructivos de uso corriente, el proyecto alcanza una expresividad que procede de la proporción, del orden estructural y del cuidado con que cada pieza se deja ver. La tensión entre el sistema prefabricado y la experiencia singular de habitar da a la vivienda su calma particular. Como los márgenes de piedra que ordenan los campos de Creixell, la casa se explica a sí misma a través de su construcción, y en esa claridad encuentra su belleza.

Proyecto: Casa Arlo
Ubicación: Creixell (Tarragona).
Superficie construida: 310 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Luis Royon Barea y Andreu Arévalo Llàcer.
Fotografía: Lluís Bort i Cerezo.
Fuente: Lluís Bort.

Luis Royon Barea

Luis Royon Barea se tituló como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Reus (Universitat Rovira i Virgili) en 2017, y un año después fundó en Tarragona su propio estudio, LRB_arquitectura. Desde entonces ha desarrollado encargos de escala y naturaleza diversas, en el ámbito residencial, comercial y de la rehabilitación, acompañando cada proyecto a lo largo de todas sus fases: del concepto y el diseño a la dirección de obra y la coordinación técnica.

En paralelo, desde 2021 ejerce como arquitecto tasador para sociedades de tasación homologadas, entre ellas Gloval, una labor que le ha llevado a gestionar más de quinientos expedientes al año. Ese contacto continuo con viviendas reales, con sus problemas habituales y con las personas que las habitan, ha afinado una forma de trabajar basada en la anticipación y el trato directo. Royon entiende la arquitectura como un servicio cercano, sostenido por explicaciones claras y por la convicción de que cada cliente debe comprender, paso a paso, las decisiones que dan forma a su casa.

Andreu Arévalo Llacer

Andreu Arévalo Llàcer se formó en la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Reus (Universitat Rovira i Virgili), donde obtuvo el título en 2013 con matrícula de honor. Sus años de estudiante estuvieron marcados por el trabajo colectivo y experimental: participó en equipos como Solar Decathlon y Build Our Nation, en talleres como “La ciutat Mediterrània” o el desarrollado en EMBT, y formó parte del grupo BON en la Bienal de Venecia de 2012.

Tras unos primeros pasos en el urbanismo y la rehabilitación, orientó su trayectoria hacia el diseño conceptual y la visualización arquitectónica, primero como profesional independiente y como socio de Arquitectura Beta, y después con Beta Imagery, el estudio que fundó en 2017 y que dirige desde entonces. Colabora con estudios y constructoras en la conceptualización y definición de proyectos de paisajismo, interiorismo y obra residencial.

Su manera de proyectar descansa en la idea de que el concepto es el alma de la obra, y el desafío consiste en preservarlo intacto a medida que crece la complejidad técnica de su construcción. Arévalo persigue un diálogo en el que la idea y las restricciones se alimentan mutuamente, para dar lugar a espacios que concilian carácter y pragmatismo, hondura y ligereza.

“El encargo surgió a raíz de una silla”, recuerda Maria Just. El cliente llegó a su estudio de Vilafranca interesado en un modelo de la firma Vergés, y de aquella conversación sobre un objeto nació, con el tiempo, una confianza más amplia que originó el encargo de este proyecto: reformar la casa donde había crecido para habitarla ahora con su esposa y sus hijos pequeños. Casa MC es, por tanto, un proyecto de continuidad, una vivienda que cambia de generación y que debía hacerlo conservando su carácter y su identidad.

La madera recuperada

Desde el inicio, interiorista y cliente compartieron una idea de casa contemporánea, cálida y atemporal, en la que la arquitectura existente se completara con una selección cuidada de materiales y mobiliario. La madera se convirtió en el argumento central, y el primer gesto fue recuperar la que ya estaba. Puertas, marcos y carpinterías originales se decaparon, unas in situ y otras en taller, hasta eliminar la pátina de tinte y barniz que las había oscurecido con los años. Bajo esas capas apareció una madera de tono claro, luminosa, que hoy enlaza visualmente las estancias y guarda en cada marco la memoria de la casa familiar.

Sobre esa base recuperada se desarrolla lo nuevo. Todo el mobiliario a medida y la cocina, diseñados por la interiorista, fueron confeccionados en roble natural por Fusteria Ramon Cornellà, un taller de Moja, a pocos kilómetros del estudio. Frentes de almacenaje, bancos, peldaños y la barra de la cocina, revestida con listones verticales que acompañan su remate curvo, prolongan el mismo material, de modo que la madera deja de ser un acabado para convertirse en la estructura del relato doméstico. Para el pavimento, tras un largo debate, se eligió un gres porcelánico de Marazzi que reproduce el roble con notable fidelidad. Una decisión práctica, pensada para la vida con niños pequeños, que mantiene intacta la continuidad cromática del conjunto.

El patio, corazón de la casa

La zona de día se organiza a partir de los distintos niveles de la vivienda original. Unos peldaños macizos de roble resuelven los cambios de cota entre recibidor, estar y comedor, y generan ambientes diferenciados que comparten luz y vistas. La casa se lee así como una secuencia continua, donde cada espacio se intuye desde el anterior.

En el corazón de la planta, un patio interior recibe la luz cenital a través de un lucernario. Su jardinera, rematada con piezas cerámicas en tono arena, reúne plantas de interior sobre un lecho de canto blanco y actúa como pulmón verde de toda la vivienda. Junto a él asciende la escalera original, que recupera su protagonismo como uno de los elementos arquitectónicos más reconocibles de la casa, con pasamanos y remates de madera que la vinculan al resto del interior. A su pie, un banco corrido y la lámpara de pie TMM de Miguel Milá para Santa & Cole componen un rincón de lectura que revela una de las preferencias de la interiorista: la modernidad catalana de Milá y Coderch, su manera de entender el diseño como sencillez al servicio de la vida.

En torno al fuego

La chimenea ocupa un lugar destacado en el proyecto. Integrada en la pared y acompañada por una pieza horizontal en Dekton Adia de Cosentino, que funciona como repisa, se convierte en el centro alrededor del cual se desarrolla toda la zona de día, junto a la cocina y el comedor. Los techos, recorridos por líneas curvas, suavizan los límites entre ámbitos y acompañan el recorrido de la luz.

La cocina combina módulos de roble con vitrinas acristaladas y frentes lisos en tono piedra, con encimera y frontal del mismo porcelánico Adia. En el comedor, la mesa Leiho de Treku reúne a su alrededor las sillas Bogart de Manel Molina para Vergés, con asiento de enea, que se repiten como taburetes en la barra. El objeto que dio origen al encargo ocupa así el lugar donde se reúne la familia.

El mobiliario responde a la misma contención: sofás Bali de Grupo Tessuto en lino color avena, butacas de madera con tapizados claros, la lámpara Greta de Gabriel Teixidó para Carpyen y una litografía de Eduardo Chillida que dialoga con la arquitectura desde la serenidad. Los objetos decorativos aparecen de forma puntual, dejando que la casa respire. En el despacho, un gran frente de almacenaje y una mesa robusta de roble natural mantienen el orden que una familia con hijos pequeños necesita.

La luz natural, abundante, se filtra a través de estores de lamas de madera que gradúan la radiación solar y la privacidad. Más allá de su función, dibujan sobre suelos y paredes variaciones de luz a lo largo del día y refuerzan la calidez del interior, como si la propia casa marcara el paso de las horas.

Una casa que permanece

Casa MC habla de lo que perdura. De una vivienda que vuelve a la familia que la habitó, de una madera que recupera su color al retirar lo que el tiempo le había añadido y de un oficio, el de la carpintería local, que da forma a cada pieza a medida. En un territorio que vive al ritmo de la vendimia, Maria Just ha trabajado como se trabaja la tierra en el Penedès, retirando lo que sobra, cuidando lo que permanece y confiando en que el tiempo haga el resto.

Proyecto: Casa MC.
Ubicación: Les Cabanyes, Alt Penedès (Barcelona).
Terminado: 2026.
Interiorismo: Maria Just Interiorisme.
Arquitectura técnica: Josep Maria Ferrando.
Fotografía: Meritxell Arjalaguer.
Carpintería y mobiliario a medida: Fusteria Ramon Cornellà.
Cerramientos y ventanas de aluminio: Vialta.
Empresa constructora / Albañilería / Solados: Jaume Balcells.
Electricidad e iluminación / Climatización: Carles Vallès.
Pintura: Toni Ramos.
Pavimentos y revestimientos: FECA, Marazzi.
Cocina: diseño de Maria Just en roble natural; encimera y frontales en Dekton Adia de Cosentino.
Mobiliario: Recibidor. Lámpara de pie TMM de Miguel Milá para Santa & Cole. Estar. Sofás Bali en lino color avena de Grupo Tessuto. Lámpara de sobremesa Greta de Gabriel Teixidó para Carpyen. Litografía de Eduardo Chillida. Comedor y cocina. Mesa Leiho de Treku. Sillas y taburetes Bogart de enea, de Manel Molina para Vergés.

María Just

Aunque su primera formación fue en Ciencias Políticas, Maria Just encontró pronto su verdadera vocación en el diseño de interiores. Tras cursar estudios en Elisava, comenzó su carrera profesional en 2005 en el estudio de Raimon Parera, especializado en proyectos para el sector de la moda, la hostelería y el ámbito residencial. Allí descubrió su predilección por la vivienda, un interés que venía desde la infancia, cuando pasaba horas reorganizando muebles y devorando las revistas de interiorismo de su madre: Ambiente, Nuevo Estilo…

Hoy lidera su propio estudio, Maria Just Interiorisme, en Vilafranca del Penedès, donde desarrolla proyectos cálidos, atemporales y profundamente personales. Su estilo se caracteriza por una combinación de minimalismo y calidez, con especial atención a los materiales naturales y al entorno arquitectónico.

María huye de las modas pasajeras y de las estridencias. Se inspira en la arquitectura moderna catalana, en figuras como Coderch y Milá, y en creadores internacionales como Marcio Kogan o John Pawson. Considera que, en los últimos años, nuestras casas se han convertido en epicentros de nuestras vidas, y que el diseño debe fomentar la comodidad, la conexión y la apertura de los espacios.

Cada proyecto es, para ella, un nuevo comienzo. Un regalo que asume con respeto, entusiasmo y la misma pasión por el diseño que la impulsó a emprender este camino. “Dentro de diez años —dice— me veo disfrutando de mi trabajo como hasta ahora, con la misma ilusión que cuando empecé”.

En un lugar así, la primera pregunta del arquitecto es: qué arquitectura es apropiada para habitarlo. Vila Marebo, diseñada por el arquitecto Frederico Zanelato, responde desde la organización del espacio. El encargo llegó de un colaborador de largo recorrido y debía incorporar dos bloques independientes unidos por una pasarela y una amplia galería acristalada. A partir de ella, el estudio entendió la casa como una aldea en miniatura que ocupa toda la parcela, donde los recorridos entre volúmenes y los espacios intermedios tienen tanto peso como las estancias.

Dos volúmenes y una galería

El diseño se apoya en dos condiciones que en el sur de Bahía son una exigencia: la orientación respecto al sol y el aprovechamiento del viento. La separación en dos cuerpos permite que la brisa atraviese el conjunto, y las aberturas, situadas de forma estratégica, garantizan la ventilación cruzada en el interior. El resultado es una arquitectura porosa, en la que el límite entre dentro y fuera se diluye y el clima tropical forma parte del proyecto como un material más.

Los dos volúmenes se leen con claridad desde la calle. Son cuerpos blancos, encalados, coronados por cubiertas de teja cerámica que se inclinan en direcciones opuestas y apoyan sobre postes torneados de madera cuyos extremos asoman bajo el alero, en una cita directa a la casa tradicional del litoral de Bahía. Entre ambos, retranqueada, la galería acristalada se envuelve en una cortina de varas de biriba dispuestas en vertical. Las varas conservan su forma natural, ligeramente irregular, y componen un velo que protege el interior sin cerrarlo. Durante el día tamiza el sol y la mirada; al anochecer, con las luces encendidas, la fachada se transforma en una linterna que se refleja sobre la piscina y la calle de arena.

La entrada a la casa se realiza por una puerta pivotante de madera, flanqueada por paneles de lamas, que da paso al área social, un espacio de doble altura cubierto por una galería de estructura de madera y cerramientos de vidrio. Bajo la cubierta transparente de la galería, un techo de finas varas de biriba actúa como celosía y deja pasar la luz en franjas que se proyectan sobre el suelo. Esa cubierta orienta la mirada y el paso hacia el área social, y convierte la entrada en un tránsito gradual hacia el exterior. En la planta superior, una pasarela atraviesa el vacío de la doble altura para unir los dos bloques; sus barandillas de troncos y cuerda trenzada, junto a las lámparas de fibra que cuelgan sobre el espacio, prolongan la misma lógica material del conjunto.

La casa cambia de carácter hacia el jardín

La casa cambia de carácter hacia el jardín y se abre por completo. La planta baja se prolonga en porches sostenidos por troncos de madera, y una amplia tarima conecta las estancias con la piscina, que se pliega en L junto a ella. Las terrazas de la planta superior, con barandillas de madera rústica, hacen de cubierta para los espacios que quedan debajo. Bajo una de ellas se resuelve la cocina exterior, con una barra de obra y una larga balda donde se alinean piezas de barro; bajo la galería central, un gran comedor se reúne en torno a una mesa redonda, presidido por una lámpara de fibra vegetal. La cocina interior se abre a la tarima mediante grandes paños plegables de vidrio, de modo que en los días de calor la frontera entre dentro y fuera desaparece.

En la planta baja, una suite cuenta con un baño cuya ducha se abre, a través de un paño de vidrio, a un pequeño jardín privado cerrado por una empalizada de troncos, de manera que el agua, la vegetación y el cielo forman parte del mismo espacio. En la planta superior, otras dos suites disponen de terrazas propias, abiertas entre palmeras hacia los tejados vecinos. En los dormitorios, las mosquiteras suspendidas sobre las camas, los tejidos claros y las piezas de barro prolongan la misma sobriedad del exterior.

La elección de los materiales responde a una voluntad de pertenencia

La cal blanca de los muros, la calidez de la madera, el vidrio y las fibras naturales, presentes en las cuerdas de las barandillas y en el tejido de las lámparas, componen una paleta reconocible en la arquitectura vernácula de la región, reinterpretada con un lenguaje contemporáneo. El protagonismo recae en la biriba, una madera de la mata atlántica que se trabaja en varas finas y con la que se resuelven techos y cerramientos. Su función es doble: filtra la luz natural, protegiendo los interiores del exceso de radiación, y proyecta sombras cambiantes que se desplazan por suelos y paredes a medida que avanza el día. La casa se convierte así en un reloj de sol habitable, y el material argumenta su presencia por razones climáticas y sensoriales. El mismo material se extiende a los cerramientos de la parcela, resueltos con empalizadas de troncos, y su presencia acaba unificando casa y jardín bajo una única textura.

El proyecto incorpora además una serie de elementos artesanales que dialogan con la arquitectura. Las vasijas y cántaros de barro, la cestería, las lámparas de fibra trenzada, el mobiliario de madera maciza y las sillas de rejilla remiten a los oficios de la región y dan continuidad, a escala doméstica, a la misma lógica de lo hecho a mano que define la construcción.

Esa atención a lo local recorre la trayectoria de Zanelato, para quien la arquitectura bioclimática, la ventilación natural y el empleo de materiales del lugar constituyen una ética de proyecto más que una etiqueta. En Vila Marebo esa ética se traduce en una construcción ligera y abierta, que se apoya en el clima para resolver el confort y en la tradición constructiva de la región para encontrar su forma.

Habitar la pausa

La casa cobra pleno sentido en el uso. La organización fluida del programa favorece los encuentros, las conversaciones largas, el ocio compartido, y hace de los recorridos entre volúmenes un lugar de estancia. Quien la habita despierta con la luz tamizada por las varas de madera, siente el fresco de la mañana entrar por las terrazas y deja que la brisa del mar marque el ritmo del día. Las vacaciones adquieren aquí otra cualidad, dejan de ser una interrupción para convertirse en una manera de habitar. El propio arquitecto lo resume con una idea que devuelve al punto de partida, al río que hay que cruzar para llegar a Caraíva. Estar en Vila Marebo, escribe, es comprender que “el tiempo en Bahía corre a otro compás”. La casa asume ese tiempo como condición de proyecto y lo hace habitable.

Proyecto: Vila Marebo.
Ubicación: Caraíva, Porto Seguro, Bahía (Brasil).
Programa: Residencia vacacional en dos bloques con área social de doble altura, cocina abierta a zona gourmet y tres suites.
Superficie: 200 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Frederico Zanelato Arquitetos.
Arquitecto responsable: Frederico Zanelato.
Construcción: Projetar Engenharia.
Fotografía: Oka fotografia.
Materiales principales: cal blanca, madera, vidrio, fibras naturales y varas de biriba.
Fuente: Frederico Zanelato.

Frederico Zanelato

Frederico Zanelato (Ribeirão Preto, 1972) llegó a la arquitectura por el camino del oficio. De niño aprendió dibujo, pintura y escultura en la Casa da Cultura Cândido Portinari de su ciudad natal, y en la adolescencia sumó el teatro y el dibujo publicitario y arquitectónico en la escuela Bauhaus. Esa formación temprana, más próxima al taller que al aula, ayuda a entender una obra que piensa desde la materia y la mano antes que desde la imagen.

Se licenció en Arquitectura y Urbanismo por la Universidade Braz Cubas en 1999, el mismo año en que fundó su estudio, Frederico Zanelato Arquitetos, con sede en Mogi das Cruzes, en el estado de São Paulo. Cursó después el máster profesional del Instituto de Pesquisas Tecnológicas del Estado de São Paulo (IPT), donde abrió una línea de investigación que incluye sostenibilidad, economía y diseño contemporáneo y que sigue orientando su práctica. Entre 2000 y 2005 enseñó Proyecto Arquitectónico y Dibujo en la Braz Cubas, y mantiene el vínculo con la universidad a través de conferencias y talleres en escuelas de arquitectura de todo Brasil. Desde 2014 trabaja también junto a Ar:Co Arquitetura Cooperativa.

El estudio actúa en todas las escalas, de arquitectura y urbanismo, guiado por la arquitectura bioclimática como método, los materiales del lugar como argumento y la ventilación natural como forma de dialogar con el clima. De esa forma de trabajar han nacido obras tan distintas como la restauración del histórico Casarão do Chá, en Mogi das Cruzes, la Casa ER, en el sur de Bahía, vestida con una fachada de cerámica artesanal, o la Casa MS, en el interior paulista. Casi cuarenta colaboradores han formado parte de su equipo a lo largo de más de veinticinco años.

Su trayectoria ha acompañado desde el inicio el circuito de los premios y bienales brasileños. Fue seleccionado en varias ediciones del Prêmio Jovens Arquitetos, con exposición en el Museu da Casa Brasileira, participó en cinco ediciones de la Bienal Internacional de Arquitectura de São Paulo y obtuvo una mención en la VI Bienal Iberoamericana (2007). En los últimos años ha recibido el tercer premio del 5º Prêmio Saint-Gobain de Arquitetura Habitat Sustentável (2018), distinciones de la AsBEA y el primer premio de la Premiação IAB 2021, edición del centenario del Instituto de Arquitectos de Brasil en Bahía. Ese mismo año, el Instituto Coreano de Arquitectos incluyó su obra en la exposición Hidden Architects, en Seúl. Su relación con los concursos es igual de larga: desde las convocatorias barcelonesas de vivienda en el centro histórico (1995) y la sede de la Fundació Mies van der Rohe (1998) hasta la escuela para Guinea-Bisáu (2010) o el Campus Cabral de Curitiba (2012).

Una trayectoria que empezó entre lápices y arcilla en Ribeirão Preto y que sigue midiendo cada proyecto por su capacidad de pertenecer a su lugar.

Heredar una casa es heredar mucho más que sus muros. Se hereda una luz a determinadas horas, una manera de recorrer las habitaciones, un repertorio de objetos y de colores que durante años han sido el paisaje cotidiano de otros. Casa Boa, la reforma que Paula Ábalos ha realizado en uno de estos adosados de Majadahonda, parte de esa condición. La vivienda perteneció a la abuela de sus actuales propietarios, varias generaciones la habitaron y necesitaba una actualización funcional y estética. La arquitecta resume el cambio con una imagen precisa: la casa pasa “del ganchillo y la madera oscura a colores vivos y vitales con una inspiración más pop-retro”. Lo interesante del proyecto está en cómo ese salto de época se construye con los propios materiales de la memoria familiar.

La cocina, origen de la paleta de color

La transformación se concentra en la planta baja. Antes de la reforma, la cocina era pequeña, incómoda y quedaba cerrada al salón, y un aseo interior ocupaba el espacio junto a la escalera. Ábalos elimina los tabiques innecesarios y abre la cocina hacia el salón y la fachada del jardín, de modo que la vida familiar se desarrolla ahora en un único espacio compartido, luminoso y flexible, que se prolonga en la terraza bajo el toldo verde.

Todo empezó por un color. Los propietarios, que ya habían trabajado antes con el estudio de arquitectura de Paula Ábalos, tenían claro que querían una cocina con isla abierta al salón y debía ser amarilla, un deseo pendiente en proyectos anteriores. Ese amarillo suave fue la primera decisión, y a partir de él se desarrolló la paleta y la selección de materiales del resto de la casa. Como contrapunto, la campana de la cocina se reviste de un azul celeste que la convierte en un volumen casi escultórico sobre el frente de trabajo. Suelo y paredes mantienen un fondo neutro con una geometría muy marcada: un azulejo blanco de pequeño formato con junta en tono vainilla que dibuja una cuadrícula semejante a la del papel de caligrafía escolar. Esa trama ancla y ordena la cocina, y se asoma al jardín a través de dos ventanas con baldas de roble.

El roble completa la composición. Reviste el mueble alto que oculta la nevera, aparece en las baldas abiertas y en los tiradores circulares vaciados en los frentes, y enlaza con el suelo de madera en espiga que recorre el resto de la planta. Sobre los muebles, una encimera de terrazo de Mosaista, con granulado en tonos ocres, ámbar y almendra, reúne en un solo plano todos los colores de la cocina. La inspiración procede de las cocinas de los años sesenta, reinterpretadas desde una sensibilidad contemporánea que conserva su carácter lúdico y depura su forma.

El terrazo como memoria

La escalera es el lugar donde el proyecto deja ver con más claridad su relación con la historia de la casa. La arquitecta mantiene la forma original de los peldaños, pero sustituye el terrazo deteriorado por huellas de roble natural y contrahuellas blancas que aligeran el recorrido. La barandilla metálica original, que seguía cumpliendo su función, permanece en su sitio; pintada del mismo azul celeste de la campana dialoga con la cocina y se incorpora al nuevo lenguaje de la casa.

Aquel terrazo retirado de la escalera reaparece transformado en otras partes de la casa. Además de la encimera de la cocina, reviste paredes y suelos de los baños con piezas de Mosaic Factory, sobre las que flotan un mueble de lavabo terracota y un espejo circular frente a una pared de tono melocotón. Para la arquitecta, el terrazo es “un material propio de la identidad original de esta vivienda cuyo recuerdo se ha mantenido”. Retirarlo de un lugar y devolverlo en otro es una forma sutil de continuidad, en la que el material conserva el recuerdo y cambia de papel.

Una casa para habitarla de forma flexible

La memoria de la abuela está presente también en el mobiliario. Los taburetes de la isla y las sillas del comedor, de Ondarreta, tienen un tono ámbar anaranjado y translúcido que recuerda a la vajilla Duralex de las casas de otra época. Los acompañan una mesa de comedor de tablero azul con pie central en azul Klein, el sofá modular, la butaca y la mesa baja de madera del salón, así como el conjunto de mesa y sillas terracota de la terraza, todos de la misma firma. Algunas piezas de la línea Ikea PS introducen un registro más lúdico y orgánico: el carrito circular azul, la lámpara plegable en azul Klein junto al sofá, la lámpara portátil de base roja que aparece en la cocina y en el dormitorio y los jarrones de formas curvas que salpican las mesas.

Frente a la retícula ordenada de la cocina, el resto de la planta se amuebla con círculos y curvas: espejos redondos, mesas circulares, tiradores vaciados, jarrones de perfiles ondulados. El juego de geometrías es intencionado. Ábalos buscaba un amueblamiento más flexible para un espacio que pudiera habitarse de forma fluida y cambiante, y la curva acompaña ese ritmo mientras la cuadrícula sostiene el orden de las tareas.

El resultado es una casa que se reconoce a sí misma. Sus nuevos habitantes encuentran en ella los colores de su infancia, la textura de los suelos de la abuela y la barandilla por la que subieron tantas veces, ahora al servicio de una vida más abierta y compartida. En una ciudad hecha de casas que pasan de padres a hijos, Casa Boa propone una manera serena de recibir una herencia: aceptarla como punto de partida y dejar que el color haga el resto.

Proyecto: Casa Boa
Tipología: Reforma integral de vivienda adosada
Ubicación: Majadahonda (Madrid)
Finalizado: 2026
Superficie: 160 m²
Arquitectura interior: Paula Ábalos Arquitectura.
Fotografía: Sergio Pradana.
Cocina: Cubro. Mobiliario: Ondarreta, Ikea PS. Encimera de cocina: Mosaista.
Terrazo de baños: Mosaic Factory.
Fuente: Paula Ábalos.

Paula Ábalos

Paula Ábalos se formó como arquitecta en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. Antes de fundar su propio estudio trabajó en varios estudios madrileños, donde participó en el diseño y la ejecución de proyectos residenciales singulares, dentro y fuera de España. En 2019 fundó Paula Ábalos Arquitectura, un estudio con un pequeño equipo con sede en la calle Barquillo, en el centro de Madrid, dedicado a la reforma integral y al interiorismo. El estudio asume también la gestión completa de la obra, desde las fases previas hasta la entrega de la casa terminada.

Su trabajo se ha desarrollado sobre todo en proyectos residenciales en Madrid: Chueca, Atocha, Mirasierra, Las Tablas, Colonia Ciudad Jardín; en su entorno: Aravaca, Boadilla del Monte, Galapagar, Las Matas, las Rozas, Majadahonda; o en otras provincias: Bilbao, León, Santander, Valencia.

En todos esos encargos se repite un método más que un lenguaje: la escucha de cada espacio para entender su identidad e historia propia. Sin establecer límites precisos entre la arquitectura, el interiorismo, el diseño de mobiliario o el uso de los materiales y el color, se busca siempre priorizar las necesidades de cada cliente para conseguir transformar su manera de habitar sin renunciar a la emoción espacial y buscando una estética vibrante y contemporánea. 

El estudio de Paula Ábalos está muy vinculado a los oficios y desarrolla su vocación de diseño de espacios a medida alejado de fórmulas estandarizadas. Cada proyecto se convierte así en una ocasión para investigar nuevos detalles, materiales o gamas cromáticas, que originan soluciones originales.

Desde 2022 dirige además Tiny Architects, un proyecto educativo que acerca la arquitectura a los niños, desarrollado en colegios e instituciones de Madrid a través de talleres, actividades extraescolares y campamentos centrados en la construcción, el diseño y el cuidado del medio ambiente.

Después de tantos años frente a una pantalla, empecé a sentir la necesidad de trabajar más con las manos. Quería tocar, construir y relacionarme de una manera más directa con los materiales.

Al mismo tiempo, algunos viajes y encuentros fueron acercándome al textil. Uno de ellos fue Xtant, en Mallorca, donde descubrí materiales, técnicas y formas de trabajar que no conocía. Poco a poco, todo aquello me fue llevando hasta el telar de bajo lizo.

Aprender a permanecer

Resulta curioso que acabara atrayéndome tanto una técnica que, en muchos sentidos, funciona al contrario que yo. No soy especialmente buena con la lentitud. Soy inquieta y me cuesta estar mucho tiempo haciendo una misma cosa. El telar, en cambio, te obliga a permanecer, a concentrarte y a aceptar un ritmo que no se puede acelerar.

Mi llegada al telar coincidió con un momento complicado de mi vida. Llevaba muchos años conviviendo con dolor crónico y estaba pasando por un estado anímico muy bajo. Necesitaba encontrar nuevas motivaciones, algo que pudiera hacer a pesar de mis limitaciones físicas y que, de alguna manera, me ayudara a reinventarme y a salir de ese estado. Fue entonces cuando empecé a aprender a tejer, primero en dos escuelas, una en Madrid y otra en Barcelona, y después practicando por mi cuenta.

Lo que no esperaba era descubrir que tejer empieza mucho antes de pasar la primera trama. Preparar y montar la urdimbre puede llevar horas, incluso más de un día. Hay que calcular la cantidad y la longitud de los hilos, medirlos, mantenerlos ordenados, llevarlos al telar, pasarlos uno a uno por los lizos y el peine, distribuirlos y conseguir finalmente una tensión uniforme. Es probablemente la parte más tediosa de todo el proceso y, además, durante muchas horas tienes la sensación de que todavía no está ocurriendo nada. Solo ves hilos y más hilos.

Hay un libro sobre tejido cuya introducción me hizo mucha gracia porque la autora cuenta que, después de llevar prácticamente todo el día montando una urdimbre y sin haber empezado todavía a tejer, se pregunta: «¿Por qué me habré metido en este lío?». Me sentí completamente identificada.

Pero cuando por fin está todo preparado, el proceso cambia por completo. Después de esa primera parte tan técnica, lenta y precisa, empieza otra mucho más abierta. La urdimbre ya está ahí, sosteniéndolo todo, y entonces puedo empezar a jugar: cambiar materiales, densidades, dejar espacios, construir formas, probar algo sin saber si va a funcionar.

Creo que por eso el telar encaja conmigo de una manera un poco extraña. Conviven dos formas de trabajar casi opuestas: una necesita orden, cálculo y paciencia; la otra, curiosidad, juego y capacidad para cambiar de dirección.

Y hay algo más que el telar me ha enseñado: el silencio. Puedo pasar horas tejiendo y entrar en un estado de concentración muy profundo. Para mí se ha convertido en una forma de meditación, una manera de silenciar la mente y estar completamente en lo que estoy haciendo.

Dejarse guiar por los materiales

Una parte importante de mi trabajo tiene que ver con los materiales. Me gusta buscar fibras poco habituales y descubrir qué ocurre cuando llegan al telar. Trabajo sobre todo con fibras naturales procedentes de Japón, India y España, entre ellas cáñamo, ramio, algodón, ortiga, lino, yute, sedas, fibra de plátano, hilo de piña, algas marinas, cortezas vegetales, jacinto de agua, papel de morera o distintos hilos y cordeles de papel.

En la última colaboración he incorporado el propio papel como trama, después de trabajarlo previamente, y también diferentes telas. Me interesa la posibilidad de pensar la trama de una manera mucho más abierta: no necesariamente como un hilo, sino como cualquier material que pueda atravesar la urdimbre y formar parte del tejido.

Muchos de estos materiales son irregulares, frágiles y muy vivos y por eso me atraen. No todos se comportan igual ni permiten trabajar de la misma manera. Hay fibras que soportan mucha tensión y otras que se rompen enseguida. Algunas son rígidas, otras casi desaparecen. Unas permiten construir volumen y otras funcionan mejor dejando aire y espacio entre hilos.

Gran parte del trabajo consiste en probar y observar cómo se comportan, cómo se tensan y qué posibilidades tienen dentro del tejido. A veces se trata simplemente de averiguar si un material se puede tejer, qué forma puede construir o qué ocurre cuando intento utilizarlo de una manera para la que, en principio, no estaba pensado.

En el tejido, además, hay muchos errores. Un hilo que se rompe, una tensión que cambia, algo que no queda exactamente como habías imaginado. Para alguien tan exigente como yo, aprender a convivir con eso también ha sido parte del proceso. Hay una frase de El acto de crear que me encanta: «Cuando la obra tiene cinco fallos todavía no está terminada. Cuando tiene ocho fallos es posible que sí». Me gusta porque resume algo que he tenido que ir aprendiendo: no todo lo que se sale de lo previsto tiene necesariamente que corregirse.

Cruzar los límites del telar

Esa forma de trabajar ha hecho que, poco a poco, el tejido se haya ido encontrando con otros materiales. En algunos trabajos aparecieron el cemento, la cerámica y el aluminio, y con ellos problemas completamente nuevos: cómo sostener una pieza, cómo unir dos materiales, cuánto peso puede soportar una estructura o cómo conseguir que algo muy rígido conviva con algo extremadamente flexible.

Y entonces me encuentro haciendo cosas que no sé hacer.

Esa parte me divierte especialmente. De repente tengo que aprender algo de carpintería, buscar una manera de trabajar el metal, hacer pruebas con cemento o cerámica, o pedir ayuda a alguien que sabe mucho más que yo. No saber resolver algo no suele hacer que abandone una idea; normalmente hace que quiera averiguar cómo hacerlo.

Quizá por eso nunca he sentido que el telar tenga que marcar los límites de mi trabajo. Es una herramienta fundamental para mí, pero también un punto de partida. Una pieza puede comenzar en el telar y terminar acercándose a la escultura, necesitar una estructura, incorporar un material completamente diferente o incluso hacerme abandonar la idea inicial.

Tampoco tengo demasiado interés en decidir si algo es tejido, escultura, diseño o cualquier otra cosa. Después de haber trabajado en disciplinas distintas durante tantos años, cada vez me resulta más natural utilizar lo que necesito en cada momento.

Tengo además la suerte de no depender económicamente de mi producción artística. Eso me permite trabajar sin la obligación de producir constantemente, cerrar colecciones o mantener una línea determinada. Puedo pasar mucho tiempo investigando algo que quizá no llegue a convertirse en una obra, simplemente porque me interesa hacerlo.

Esa libertad para mí es muy importante. Me permite jugar, equivocarme, abandonar algo y volver a ello más adelante. No todo lo que hago tiene que terminar convertido en una pieza y, quizá, una de las cosas que más he tenido que aprender en estos años es a no saber de antemano dónde voy a terminar.

Ocupar el espacio

Hace poco, escuchando una charla sobre Aurèlia Muñoz, hubo una idea que se me quedó especialmente: pensar que una obra nunca es un objeto completamente aislado y que el espacio en el que va a estar también forma parte de ella.

Es algo en lo que cada vez pienso más cuando trabajo. Una pieza cambia completamente dependiendo de dónde esté, de la luz, de la distancia desde la que se mira o de lo que ocurre a su alrededor. Hay trabajos que necesitan una pared y otros que necesitan separarse de ella y empezar a ocupar el espacio.

También me atrae mucho esa posibilidad que tiene el textil de cambiar de escala y de presencia. Puede ser muy denso, tener mucho peso visual y casi convertirse en una masa, pero también puede hacerse extremadamente ligero, transparente, móvil o casi desaparecer.

Últimamente me apetece explorar más esa segunda posibilidad: sacar el tejido del plano, dejar que ocupe el espacio y ver qué ocurre cuando empieza a relacionarse de una manera más directa con la arquitectura.

Compartir el proceso

En aquella charla sobre Aurèlia Muñoz apareció una expresión que me gustó mucho: “almas gemelas”. No entendidas necesariamente de una manera íntima, sino como esas personas que aparecen en determinados momentos y consiguen sacarte de tu sitio, enseñarte algo que tú no sabes o hacerte mirar tu propio trabajo de otra manera.

Creo que cada vez valoro más esos encuentros. Pueden ser otros artistas, personas que trabajan con materiales o técnicas que yo no conozco, pero también gente que conecta a unos con otros y que puede abrir una puerta hacia un espacio, una exposición o una posibilidad que tú sola quizá ni siquiera habrías imaginado.

Durante mucho tiempo mi manera de trabajar ha sido bastante individual. Sin embargo, en el último año he empezado a disfrutar especialmente de los procesos compartidos. Cuando trabajas con otra persona tienes que renunciar a una parte del control. Una idea tuya pasa por la mirada y las manos de alguien más y vuelve transformada. El resultado ya no depende únicamente de tus propias decisiones.

Eso me interesa especialmente ahora: que alguien me saque de lo que ya sé hacer. Trabajar con personas que conocen otros materiales, otras técnicas o que sencillamente miran de otra manera. No tanto para sumar dos trabajos distintos, sino para construir algo que ninguna de las dos habría hecho por separado.

Y aquí vuelve a aparecer el juego como una forma de aprendizaje: probar, equivocarse, cambiar de dirección o encontrar una solución que no estaba prevista. Cuando el proceso se comparte, todo eso cambia porque ya no eres tú quien decide por dónde tiene que ir todo.

Fotografías:
Olga Blanco. @la.mata.flores

Este enfoque está ya desfasado. La vivienda contemporánea reconoce cada vez con más claridad que bajo un mismo techo conviven edades con necesidades distintas, y que la convivencia mejora cuando cada una encuentra su propio espacio. A la vieja separación entre lo común y lo íntimo se suma así una segunda frontera, más sutil y quizá más reveladora, la que distingue el universo de los adultos del de los niños. Lo que propone Pia Capdevila en este proyecto es dar a cada generación un lugar a su medida dentro de un hogar que sigue siendo compartido. Para los padres, una planta serena, social y abierta al exterior. Para los niños, un territorio con sus propias reglas, donde el juego, el estudio y el descanso se ordenan con una autonomía poco habitual en la distribución doméstica.

El dúplex que Pia Capdevila ha reformado en Barcelona convierte esa segunda frontera en el argumento de todo el proyecto. La planta baja reúne la vida social de la casa y la suite principal, y la planta superior se entrega por completo a los niños. Entre una y otra, una escalera nueva hace de umbral entre dos maneras de habitar que comparten, sin embargo, un mismo lenguaje material.

La vivienda original estaba fragmentada en estancias cerradas, recorrida por pasillos estrechos y circulaciones forzadas. Resolvía la relación entre sus dos niveles con una escalera mal situada que entorpecía más de lo que unía. La interiorista decidió empezar precisamente por ahí. Reubicar y rediseñar la comunicación vertical fue la operación estratégica de la que se derivó la nueva jerarquía de usos. Una vez resuelto dónde y cómo se sube, cada planta pudo asumir una identidad precisa y la casa entera encontró su orden.

La planta de los adultos

En la planta baja, lo que antes era una sucesión de piezas cerradas, recibidor, cocina, salón y un dormitorio, se ha transformado en un único espacio social donde cocina, comedor y estar conviven sin barreras. La apertura amplía la percepción del espacio y, sobre todo, permite que la luz que inunda la terraza del salón atraviese la vivienda hasta alcanzar la entrada de la casa. Ahora, en el acceso a la vivienda, un recibidor se abre a la cocina, con una consola de madera, que marca la bienvenida y un mueble separador de estanterías abiertas, que aísla pero deja pasar la luz.

La cocina, abierta, conserva una entidad propia. Un frente continuo de almacenaje, de suelo a techo, reúne la columna de horno y microondas, la zona de aguas, el mueble desayunador y el almacenaje general. Una isla central concentra la placa de cocción y la superficie principal de trabajo, conduce de forma natural hacia el comedor y ordena el espacio sin necesidad de tabiques. Los frentes en verde inglés, combinados con acabados de madera, aportan profundidad y dialogan con la calidez del pavimento laminado de roble de Neoparquet, que recorre las dos plantas como hilo conductor de toda la casa.

El comedor ocupa el paso natural entre la cocina y el salón, y esa posición intermedia refuerza la secuencia del espacio. Cocinar, disfrutar de la mesa y la conversación forman parte de una misma historia.

El salón se organiza en torno a un amplio sofá orientado hacia la terraza, atento a la comodidad cotidiana y a la relación visual con el exterior. Un mueble de televisión diseñado a medida, que integra la chimenea, actúa como pieza fija que ordena la estancia. A su lado, una butaca de Andreu World define un pequeño rincón de lectura dentro del área de estar.

La terraza se vive como una prolongación real del salón. Una pérgola permite usarla a lo largo de todo el año. El proyecto extiende hasta ella la misma atmósfera cromática del interior, hecha de verdes, tonos piedra y tierra, con acabados en microcemento que aportan una imagen sobria y homogénea.

El espacio privado de los padres

Al otro lado de la cocina comienza la parte más reservada de la planta. El pasillo que conduce al dormitorio principal incorpora un gran armario de suelo a techo que aprovecha el hueco bajo la escalera y cumple una doble función: amplía el almacenaje de apoyo a la cocina e integra el lavadero. Así resuelve de forma compacta una necesidad doméstica importante sin añadir piezas de servicio independientes.

El dormitorio de la suite se ha construido desde una paleta serena y una cuidada superposición de texturas con paredes en estucos de tono arena, textiles y tapicerías que se responden entre sí y un cabecero diseñado a medida. Una terraza privada amplía la entrada de luz natural y prolonga el dormitorio hacia el exterior.

En el baño, una amplia encimera con dos lavabos de formas redondeadas se enfrenta a una ducha de dimensiones generosas. El espacio se construye desde un diálogo entre los verdes suaves del frente cerámico y de los textiles, los tonos arena de revestimientos y encimera, y el contrapunto negro de grifería y perfilería. Una puerta corredera de vidrio translúcido deja que la luz del dormitorio alcance el interior del baño.

La escalera como umbral

En ese mismo tramo se sitúa la nueva escalera, la decisión sobre la que descansa todo el proyecto. Su reubicación y su nuevo trazado hacen más cómodo el paso de una planta a otra, pero su verdadero alcance es conceptual. El elemento que antes dificultaba la vida de la casa se ha convertido en el umbral que separa y a la vez une el mundo de los adultos y el de los niños. Subir significa cambiar de territorio.

El territorio de los niños

La planta superior pertenece por completo a los niños, y su carácter abuhardillado se asume como un rasgo de identidad. La geometría de la cubierta, con sus pendientes y sus rincones, ofrece una escala más próxima a la infancia y singulariza cada espacio. Varias ventanas de cubierta abiertas en puntos estratégicos multiplican la entrada de luz natural y compensan la inclinación del techo con una sensación luminosa y abierta.

Al final de la escalera una zona de juego y descanso, equipada con colchones en el suelo y mobiliario bajo, funciona como un pequeño salón a la medida de los niños, un lugar flexible para tumbarse, jugar o reunirse con los amigos.

Muy cerca se encuentra el baño que comparten los hermanos, que concentra las piezas de servicio de la planta y facilita las rutinas de cada día. La zona de estudio ocupa una posición central, entre la escalera y el camino a los dormitorios. Un gran escritorio con almacenaje y un mueble superior de estanterías abiertas mantienen ordenado el espacio de trabajo y permiten que los dormitorios queden libres de esa función. La madera y el amarillo ocre introducen aquí una nota más viva, creando una atmósfera estimulante y a la vez contenida.

Antes de llegar a las habitaciones, el distribuidor alberga un vestidor común. La solución libera superficie en el interior de los dormitorios, que quedan dedicados al descanso y a la vida personal. Además concentra el almacenaje en una pieza intermedia que aprovecha con eficacia los encuentros con la cubierta, algo especialmente valioso en una planta de geometría tan compleja.

Los dos dormitorios infantiles responden a la singularidad de la buhardilla y a la voluntad de dar a cada uno una identidad propia dentro de un lenguaje compartido. Ambos incorporan un rincón de lectura, lo que los convierte en habitaciones para estar además de para dormir. El color establece entre ellos una variación sutil: en uno, el verde es la base y el terracota el acento, y en el otro la relación se invierte. El resultado es una narrativa visual coherente entre los dos cuartos y, al mismo tiempo, muy personal.

Dos territorios, una sola casa

Lo más valioso de este proyecto reside en la manera en que la distribución se pone al servicio de una forma de convivir. La casa se vive ahora por generaciones. Abajo, la vida adulta encuentra calma, luz y una relación estrecha con el exterior. Arriba, los niños disponen de un lugar que les pertenece, donde crecer con cierta autonomía sin dejar de sentirse cerca. El roble del suelo, los verdes y los tonos tierra que atraviesan ambas plantas recuerdan que esa separación es, ante todo, una forma de cuidado, y que los dos mundos siguen formando parte de un mismo hogar.

Proyecto: Reforma integral de un dúplex familiar
Tipología: Vivienda urbana
Ubicación: Barcelona.
Superficie: 160 m².
Terminado: 2026.
Intervención: Proyecto de interiorismo y decoración.
Interiorismo y decoración: Pia Capdevila Interiorismo.
Fotografía: Jordi Canosa.
Estilismo: Mar Gausachs.
Fuente: MasMedia. Marta Alonso.

Pia Capdevila

Pia Capdevila pertenece a una generación de interioristas que ha sabido interpretar la vivienda contemporánea desde la sensibilidad y la experiencia cotidiana. Nacida en el seno de una familia vinculada a la arquitectura, su vocación por el espacio construido surgió de forma natural, entendiendo desde muy joven que la casa es mucho más que un lugar funcional: es el escenario de la vida, de la intimidad y de la memoria.  
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