No es casual que algunas de las colecciones más influyentes de los últimos años —desde las colaboraciones de Ikea con diseñadores nórdicos hasta las apuestas de marcas como Hay o Menu— recuperen ese vocabulario formal. El interés es, sobre todo, funcional, el modernismo californiano resolvió bien los problemas de la vivienda pequeña y la vida social, y eso sigue estando vigente.

En este proyecto de reforma de un piso de 95 m² en el madrileño Paseo de Extremadura, Marta Miñarro elige esa referencia, que se convierte en un punto de partida muy pertinente.

La vivienda tenía una distribución compartimentada, un distribuidor largo que actuaba como barrera y una cocina cerrada que daba la espalda al salón. Los propietarios querían más luz, más conexión entre estancias, y una casa para recibir bien. El proyecto de Lemon responde a cada uno de esos deseos con soluciones muy precisas.

El primer gesto es el del distribuidor, en lugar de mantenerlo como corredor de paso, se abre hacia el despacho mediante un cerramiento de vidrio acanalado con marco naranja que permite que la luz atraviese sin interrumpirse. El color del marco, un terracota cálido que reaparece en los vanos, los tiradores y los apliques, es una decisión de continuidad, el hilo que recorre la casa de extremo a extremo.

La cocina integrada en el salón, el centro de la vivienda

La cocina se integra en el salón eliminando la pared que los separaba y reduciendo así la longitud del pasillo. El resultado es un espacio central amplio, con armarios en verde salvia, de suelo a techo, con un suelo de terrazo sesentero que marca el cambio de zona de forma natural. En el centro, una isla móvil sobre ruedas combina estructura lacada en blanco y frente de madera de roble. No está fija porque no tiene que estarlo. Puede arrimarse a la cocina cuando se cocina en compañía, o alejarse hacia el salón cuando la reunión lo pide. Es una pieza diseñada para acompañar cuando se reciben invitados, que es exactamente lo que los propietarios pedían.

El salón se organiza alrededor de un sofá bajo en bouclé gris, una mesa de centro redonda en madera oscura y un pouf azul klein que introduce el primer acento cromático fuerte. Frente al ventanal cortinas de lino natural con forro, de Gredecor y dos cuadros destacando en las paredes de Alejandra Duarte y Marata Besada. La selección de obra no es aleatoria, tanto el formato como la paleta dialogan con los tonos de la casa.

La sencillez de la suite principal

La suite principal se organiza con una lógica sencilla. El dormitorio mira al exterior y el baño y el vestidor se desplazan hacia el patio interior, donde la luz es más difusa y estable. El baño de la suite trabaja con mosaico de punto en blanco roto, mueble a medida en azul aciano con tiradores rojos —un contraste que remite directamente a la paleta pop de los sesenta— y suelo hidráulico en cuadrícula azul. La puerta corredera con marco naranja conecta visualmente con el dormitorio sin interrumpir el recorrido.

El segundo baño, más compacto, apuesta por el mosaico blanco cuadrado en paredes, un lavabo de columna con cuerpo estriado y un suelo hidráulico de motivo floral en negro y naranja que convierte el pavimento en protagonista.

El despacho luce una nueva paleta integrada

El despacho, accesible desde el distribuidor a través de la puerta de vidrio, condensa otra paleta: suelo de barro cocido en terracota, mueble en verde musgo y mesa de trabajo bajo la ventana en madera, con persiana de lamas y cinta de cuero. La silla Bertoia, sin tapizar, recuerda que este espacio pertenece a la misma familia de referencias que el resto de la casa. Un estilo desarrollado en todo el proyecto como actitud, más allá de la decoración. 

El resultado es una vivienda donde cada decisión proyectual responde a un equilibrio entre estética y uso. La luz, los materiales y la nueva distribución consiguen espacios calurosos, confortables y profundamente habitables.

Proyecto: SL-PE31.
Ubicación: Paseo de Extremadura 31. Madrid.
Superficie: 95 m².
Terminado: 2026.
Interiorismo: Studio Lemon.
Fotografía: Amador Toril.
Estilismo: Cristina Rodríguez Goitia.
Arte: Alejandra Duarte y Marata Besada.
Cortinas y textiles: Gredecor. Lámpara de sobremesa: Soulem. Pouf: Lizzo. Cojín de damero: Pepe Peñalver. Alfombra redonda: Lorena Casals.
Fuente: Studio Lemon

Marta Miñarro. Studio Lemon

Marta Miñarro Martínez es arquitecta superior por la Universidad Alfonso X el Sabio de Madrid, donde obtuvo el primer premio en el concurso de diseño residencial y actuación urbanística de la facultad.

Antes de fundar su propio estudio amplió su experiencia en Helsinki, en Ateljé Sotamaa, firma especializada en vivienda unifamiliar y restauración, cuya influencia nórdica —rigor constructivo, honestidad material, mirada limpia hacia el espacio doméstico— es visible en su trabajo posterior.

En 2021 fundó Lemon Studio, con sedes en Madrid y Lorca (Murcia). Desde su fundación, el estudio se ha especializado en proyectos singulares de vivienda y restauración, con una cartera que abarca Madrid, Murcia y la costa mediterránea.

La filosofía del estudio parte de la convicción de que la arquitectura está profundamente ligada a las personas, a la manera en que habitan y sienten los espacios. Esa premisa se traduce en una metodología de trabajo que combina conocimiento técnico e intuición estética, con una fuerte inspiración en el arte, el diseño y la artesanía tradicional. La atención al detalle, la selección cuidadosa de materiales y una sensibilidad particular hacia el color y las texturas son las señas de identidad de cada proyecto. El resultado son interiores únicos, atemporales y honestos.

Llegar hasta aquí no fue un camino recto.

La pintura en los inicios

Los primeros años de práctica artística de Natalia estuvieron marcados por la pintura sobre lienzo con técnicas mixtas. Expuso en Colombia y en Estados Unidos, acumuló experiencia y reconocimiento. Y, sin embargo, algo no terminaba de encajar.

«Aunque actualmente mi trabajo está centrado en vasijas y esculturas orgánicas, mis inicios en el arte estuvieron ligados a la pintura sobre canvas utilizando técnicas mixtas. Sin embargo, a pesar de años explorando ese camino, existía una sensación constante de inconformidad con el resultado final de mis obras.»

Esa incomodidad, esa honestidad consigo misma, sería, con el tiempo, el punto de partida de todo lo demás. Natalia interrumpió su práctica artística para dedicarse al diseño de interiores, una pausa que duró años y que, lejos de ser una renuncia, resultó ser una escuela silenciosa. El trabajo con espacios, proporciones y materiales fue afinando en ella una sensibilidad que más tarde reconocería como esencial en su obra escultórica.

El hallazgo: una vasija que no pudo llevar consigo

El regreso al arte llegó de manera inesperada, a través de la docencia. Y fue en ese contexto, enseñando, explorando materiales con sus alumnos, donde Natalia redescubrió algo que había rozado brevemente en su adolescencia: el volumen, la tridimensionalidad, la posibilidad de que la forma existiera en el espacio y no solo sobre una superficie.

«Mi primera aproximación a la escultura ocurrió muchos años atrás, durante la secundaria, cuando tuve la oportunidad de trabajar con arcilla y realizar algunas piezas tridimensionales. Después de esa experiencia nunca volví a explorar la escultura, hasta muchos años más tarde, cuando de manera completamente inesperada el volumen volvió a aparecer en mi vida a través del papel.»

El detonante fue concreto, casi anecdótico: durante un viaje, encontró una vasija que le fascinó y que no pudo llevarse. La imposibilidad de tenerla le condujo a intentar recrearla.

«Al intentar recrearla por mis propios medios, comencé a experimentar con una pasta de papel maché sin imaginar que ese momento marcaría el inicio de una nueva etapa artística. Lo que comenzó como un experimento intuitivo terminó revelándome un medio con posibilidades infinitas de expresión.»

Desde hace cuatro años, ese experimento se ha convertido en una práctica escultórica continuada y rigurosa.

El papel, un material que desafía sus propios límites

El papel maché tiene una reputación equivocada. Se lo asocia con lo provisional, con lo frágil. Natalia trabaja precisamente contra esa inercia: transforma el papel en algo denso, táctil, estructural. El punto de partida son cartones, que procesa y combina con otros elementos hasta obtener una pasta maleable, capaz de sostener formas complejas mientras permanece sensible al tacto y al gesto.

«Aunque el papel ha sido históricamente asociado con lo efímero o artesanal, para mí se ha convertido en un medio escultórico sofisticado y lleno de posibilidades. Cada pieza nace de un proceso lento e intuitivo, construido por capas, fragmentos y texturas que evolucionan orgánicamente durante la creación. No utilizo moldes ni reproduzco diseños; cada obra existe como una pieza irrepetible con identidad propia.»

El proceso incluye fases de secado, tallado y ajuste que pueden extenderse durante largas jornadas. Las superficies resultantes retienen las huellas de su fabricación: fibras, variaciones tonales, irregularidades leves que no son defectos sino evidencias del proceso, marcas de una presencia humana concreta.

«Desde hace aproximadamente cuatro años me dedico a explorar las capacidades escultóricas del papel, desarrollando piezas que desafían las formas convencionales y que se sitúan entre el arte, el diseño y la arquitectura interior. A través de vasijas, esculturas orgánicas y cuadros elaborados completamente a mano, creo obras únicas caracterizadas por volúmenes imperfectos, superficies táctiles y una estética que transmite fuerza y vulnerabilidad al mismo tiempo.»

El proceso creativo, un acto meditativo y profundamente íntimo

Las piezas de Natalia no tienen un mensaje predeterminado, no ilustran una idea ni encarnan un concepto antes de ser creadas. Nacen del proceso mismo. Y ese proceso, largo y solitario, tiene una cualidad que ella describe con precisión.

«Aunque las piezas que creo no nacen necesariamente con la intención de representar un significado específico, sí puedo decir que el proceso de elaboración de cada una de ellas se convierte inevitablemente en una experiencia profundamente introspectiva. Desde el diseño inicial hasta la última capa de acabado, cada obra surge de un estado casi meditativo, en el que me enfrento a solas con el proceso creativo, con las exigencias del material y con los retos únicos que cada pieza me impone.»

Las largas horas de construcción y transformación no son meramente técnicas: son también un espacio de pensamiento oblicuo, de preguntas que aparecen sin buscarse.

«Durante esas largas horas de construcción, textura y transformación, aparecen constantemente cuestionamientos sobre el yo interior, la identidad y mi relación con el mundo que me rodea. Más que buscar transmitir un mensaje literal, mi trabajo termina siendo el reflejo de una experiencia emocional y sensorial vivida durante el acto mismo de crear. Es precisamente esa conexión intuitiva entre materia, emoción y exploración personal lo que otorga a mis piezas una presencia orgánica y profundamente humana.»

Esta dimensión introspectiva explica algo que se percibe en sus piezas sin poder nombrarlo del todo: la sensación de que han sido habitadas antes de estar terminadas, de que llevan dentro un tiempo y una presencia que no son solo técnicos.

Arte y espacio en diálogo continuo

La trayectoria de Natalia en el diseño de interiores no es un dato biográfico accesorio. Está en el adn de su obra. Sus piezas no son objetos que se colocan en un espacio; son objetos pensados para dialogar con él, para transformarlo suavemente desde dentro.

«Mi trabajo dialoga naturalmente con el diseño de interiores contemporáneo. Las piezas poseen una presencia escultórica que transforma los espacios, aportando materialidad, profundidad y una sensación de conexión humana en ambientes minimalistas y orgánicos.»

Sus colecciones integran vasijas de distintos formatos, piezas murales y esculturas que se conciben como objetos singulares —no decorativos en el sentido superficial del término— sino atmosféricos: capaces de modificar la temperatura emocional de un espacio y aportarle carácter. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Australia, Bélgica, México y Suiza, y cada pieza incluye un certificado de autenticidad que subraya su condición de obra única.

Una práctica en constante expansión

Natalia trabaja actualmente en una nueva colección que continúa y amplía lo que ha construido hasta ahora.

«Actualmente me encuentro finalizando una nueva colección en la que continúo profundizando mi exploración del papel maché como material principal, mientras experimento con la incorporación de nuevos elementos y materialidades que me permiten expandir aún más las posibilidades expresivas y escultóricas de mi trabajo. Esta nueva etapa representa una evolución natural de mi proceso creativo y una búsqueda constante por descubrir nuevas relaciones entre textura, volumen, materia y forma.»

También está desarrollando nuevas colecciones de esculturas y vasijas de gran formato, profundizando en su investigación sobre el papel como medio artístico contemporáneo.

«He desarrollado un lenguaje escultórico profundamente personal, donde el papel maché deja de ser un material cotidiano para convertirse en una exploración de forma, textura y emoción.»

El recorrido de Natalia Correa no ha sido lineal pero, visto en perspectiva, resulta coherente en cada uno de sus desvíos. Hay artistas que encuentran su lenguaje buscándolo. Hay otros que lo encuentran perdiéndose. Natalia pertenece a esta segunda categoría, y eso se nota en la hondura de su obra.

El siglo XX interrumpió esa situación con rapidez. La mecanización del campo, el éxodo rural y la presión urbanística de la costa barcelonesa transformaron el territorio en pocas décadas. Muchas masías perdieron su función productiva y con ella el mantenimiento continuo que les daba continuidad. Lo que quedó, en buena parte del Maresme, son los muros con la estructura en pie, la fachada resistiendo y la cubierta hundida. Esqueletos de piedra que esperan una decisión.

La masía centenaria aquí restaurada, situada en suelo rústico dentro del parque natural del Maresme, llegó al inicio del proyecto en estado ruinoso. Solo permanecían en pie los muros estructurales y parte de la cubierta derrumbada. El conjunto conservaba, pese a ello, la memoria de una actividad vitivinícola que dió carácter al edificio durante generaciones. Los cups, grandes depósitos de piedra donde fermentaba el vino, seguían allí, en la que fue zona de producción.

La intervención como lectura del edificio

Oliver Segura abordó la rehabilitación desde el rigor previo. Antes de proponer ninguna solución, un estudio arqueológico analizó el subsuelo en profundidad. Confirmada la ausencia de restos relevantes, fue posible incorporar un forjado sanitario ventilado que hoy mejora el rendimiento higrotérmico del conjunto y aloja discretamente las instalaciones. La arquitectura dio sus frutos después de una etapa de estudio concienzudo.

El proyecto conserva la morfología estructural original y su lógica constructiva. La fachada principal se mantiene intacta; las actuaciones en las fachadas secundarias fueron comedidas y coherentes con la evolución natural del edificio. Las variaciones introducidas se leen como capas nuevas sobre una estructura que ya tenía carácter, amplían su historia con precisión, sin alterar la lectura del conjunto.

En el centro de la masía se incorpora un patio cubierto con apertura mecánica que funciona como pulmón bioclimático. Regula la ventilación natural, optimiza la entrada de luz y establece relaciones visuales entre estancias. Es un elemento nuevo, pero responde a una lógica antigua, la del patio como corazón doméstico de la arquitectura mediterránea.

La memoria vitivinícola

La antigua zona de producción vitivinícola se transforma en el espacio de día principal, a doble altura. Los cups, recuperados y dignificados como elementos espaciales, ocupan el centro de la estancia. Su escala, materialidad y posición en el espacio hablan de la producción que albergaron durante generaciones, forman parte del programa y pueden reconocerse como argumento central de esta planta.

La cocina antigua mantiene su carácter original y se integra como pieza protagonista de la zona común. Sus proporciones y materiales cuentan una historia que la nueva arquitectura ha sabido escuchar. Los establos se reorganizan para alojar las cinco habitaciones dobles del hotel, manteniendo sus proporciones históricas. El arco del patio posterior se restaura para desarrollar la transición entre el interior y el paisaje, un umbral que lleva siglos marcando el paso entre el espacio habitado y el campo abierto, y que cumple hoy la misma función con naturalidad.

Materiales y técnica

La paleta material sigue una lógica de compatibilidad con lo existente. Morteros de cal, madera, piedra y cerámica son los materiales base de la intervención. La carpintería, tanto exterior como interior, se ejecuta en acero corten con rotura de puente térmico. Este material introduce un lenguaje contemporáneo con honestidad, su textura oxidada y patinada dialoga con la piedra envejecida, visible como elemento nuevo y legible como parte del mismo sistema.

En las zonas de transición, el pavimento de travertino de pequeño formato aporta calidez y continuidad táctil. Funciona como guía sensorial del recorrido, acompañando en el paso entre espacios rehabilitados y reconfigurados. El sistema de climatización, mediante suelo radiante, queda completamente integrado, permaneciendo invisible la tecnología.

Un hotel que se habita como masía

La masía funciona hoy como pequeño hotel rural de cinco habitaciones dobles y una zona común con sala, comedor y cocina. Un programa de hospitalidad doméstica, que ofrece habitar la masía a través de sus recorridos, la variación de la luz a lo largo del día, la textura de los materiales, las secuencias espaciales que revelan la historia del lugar. Al recorrer las estancias, pasar bajo el arco del patio o desayunar en la antigua cocina, puede sentirse la historia de la masía, que vuelve a revivir.

El proyecto de Oliver Segura en El Maresme pertenece a esa tradición de intervenciones que entienden el patrimonio como materia viva. La masía ha vuelto a la vida porque el arquitecto supo leerla con atención, y desarrolló una arquitectura con la precisión que permite continuar su historia.

Estado original

Proyecto: Rehabilitación integral de masía catalana para uso hotelero.
Ubicación: El Maresme, Barcelona.
Superficie: 710 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Oliver Segura Arquitectura.
Fotografía: Mario Martínez.

Oliver Segura

Oliver Segura Arquitectura es un estudio con sede en Barcelona especializado en rehabilitación, restauración y conservación del patrimonio arquitectónico. Desde su fundación en 2016, el estudio ha desarrollado una práctica orientada de manera sostenida hacia la intervención sobre edificios existentes: masías, casas de pueblo, fincas modernistas, palacetes históricos y otras construcciones con valor arquitectónico que concentran buena parte de su actividad.

Oliver Segura se formó en la Escola de Arquitectura La Salle de la Universitat Ramon Llull, donde completó el Grado en Arquitectura entre 2010 y 2016, con un año de intercambio internacional en la Facultad de Arquitectura e Urbanismo Escola da Cidade de São Paulo. Antes de graduarse, cursó el Máster de Restauración de Monumentos de Arquitectura en la Universitat Politècnica de Catalunya, un posgrado especializado en el estudio y proyecto de restauración de monumentos, conjuntos y paisajes históricos. Amplió su formación con el Posgrado en Rehabilitación Integral de los Edificios de la Escola Sert del Col·legi d’Arquitectes de Catalunya (2017–2018) y con un curso especializado en construcción con madera en la Universidad Politécnica de Madrid (2020–2021). Esta formación acumulada —arquitectónica, patrimonial y técnica— define un perfil que se prolonga en una especialización continua.

Para Segura, rehabilitar no significa únicamente conservar, sino también interpretar. Cada edificio existente plantea una conversación entre pasado y presente. Qué debe preservarse, qué puede transformarse y cómo incorporar nuevas formas de habitar sin desdibujar la identidad del lugar. En ese equilibrio, tenso y necesario, entre conservación y contemporaneidad se sitúa el núcleo de su trabajo, que aborda cada intervención desde el respeto por los sistemas constructivos originales, la memoria material del edificio y su relación con el paisaje.

Esta manera de proyectar se traduce en soluciones que el propio estudio define como serenas, precisas y honestas. Respuestas espaciales, constructivas y energéticas coherentes con el edificio y con su entorno, capaces de poner en valor lo existente sin renunciar a las necesidades actuales de confort, funcionalidad y sostenibilidad. Una arquitectura que da continuidad a la propia historia del edificio.

Junto al rigor técnico, el proceso de trabajo del estudio se distingue por una dimensión relacional que Segura entiende como parte constitutiva del encargo. El acompañamiento del cliente en todas las fases del proyecto, desde las primeras conversaciones hasta la obra, se sustenta en la proximidad, la confianza y el diálogo continuo. En esta concepción, la arquitectura es un proceso compartido en el que cada decisión surge del rigor técnico, la sensibilidad y la atención al detalle.

Villa Talha se ha construido en este entorno fruto de la colaboración de Alfonso Architects y Contacto Atlântico, el estudio liderado por André Caiado en Estoril. La suma de ambas miradas produce una obra que combina claridad formal con sensibilidad hacia este lugar privilegiado. Una arquitectura que interpreta el Alentejo con precisión y materiales propios.

Arquitectura alentejana

La composición volumétrica desarrolla dos niveles con una superficie construida de 495 m². Los volúmenes, de perfil limpio y cubierta inclinada de teja tradicional, se fragmentan para acomodarse a la topografía y a la vegetación existente. La blancura del revoco pintado, reflejo de la presencia constante de la arquitectura alentejana, actúa aquí como fondo y forma simultáneamente. Recoge la luz del sur, proyecta las sombras del mediodía y otorga al conjunto una densidad visual que no necesita elementos decorativos.

La secuencia de entrada comienza en el exterior, con una rampa suave en adoquín portugués tradicional que establece la transición entre el espacio público y el privado. La elección del material no es casual, el empedrado tiene en Portugal una presencia centenaria; aquí, en el umbral de esta villa contemporánea, actúa como marcador cultural, como guiño a un territorio con historia.

Un zaguán generoso

Al entrar en la casa sorprende el amplio zaguán abierto hacia el jardín y la piscina a través de grandes carpinterías de acero negro, un espacio protagonizado por la gran escalera helicoidal que organiza la experiencia doméstica. De peldaños en madera y pasamanos de yeso curvo, asciende bajo un lucernario y construye un recorrido vertical lleno de luz.  

Las estancias de la planta baja se ordenan en torno a esa tensión entre interior y exterior. El salón se prolonga bajo una pérgola de madera, con estructura robusta y sección generosa, que cubre la terraza y organiza la transición hacia el agua. La piscina, de borde contenido y geometría rectangular, se asienta sobre una tarima de madera oscura que la vincula a la casa y la separa del jardín de arena y guijarros donde crecen olivos y lavanda. La orientación de este conjunto permite mantener vistas abiertas hacia el paisaje.

Paleta cálida y contenida en el interior

Los interiores trabajan con una paleta cálida y contenida de piedra Moleanos en suelos, madera de roble en el pavimento de los dormitorios y en las carpinterías de los baños, azulejo artesanal de formato irregular en las duchas. La materia elegida en cada estancia tiene textura suficiente para acusar el paso del tiempo y la luz, y para hacer sentir que la casa ha sido construida para ser habitada.

La relación entre Villa Talha y su entorno es la de una arquitectura que ha aprendido a escuchar antes de ser. El proyecto suma la inteligencia constructiva de Contacto Atlântico al trabajo conceptual de Alberto Alfonso Architects para producir, en este rincón preservado del Atlántico, una casa que pertenece a un lugar en el que disfrutar de la paz del Alentejo.

Proyecto: Villa Talha.
Ubicación: Melides, Portugal.
Terminado: 2025.
Arquitecto conceptual: Alfonso Architects.
Arquitecto local: Contacto Atlântico.
Superficie de parcela: 2.049 m².
Superficie construida: 495,68 m².
Planta: 305,52 m². 2 niveles.
Fotografía: Gonçalo Henriques.
Fuente: Contacto Atlântico.

André Caiado. Contacto Atlântico

André Caiado nació en Lisboa en 1967 y se formó como arquitecto en la Universidade Técnica de Lisboa, donde obtuvo su titulación en 1990. De Lisboa se trasladó a Madrid, a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, donde realizó un máster en Informática para la Arquitectura, el Urbanismo y la Gestión Inmobiliaria y, en 1995, defendió con la máxima distinción —cum laude— su tesis doctoral en Tecnologías del Edificio Inteligente. Durante esos años trabajó en paralelo como arquitecto en IBM y en Telefónica, una doble experiencia que marcó desde el principio su manera de entender la disciplina: como práctica que integra el conocimiento técnico, la inteligencia constructiva y la dimensión estratégica del proyecto.

De regreso a Lisboa, dirigió los departamentos de Medio Ambiente y Arquitectura en Novodesign y ejerció como docente en distintas universidades durante más de dos décadas. En 1996 fundó Contacto Atlântico en Estoril. Lo que comenzó como un estudio de arquitectura se ha convertido, a lo largo de treinta años, en una firma multidisciplinar con decenas de colaboradores especializados en todas las áreas vinculadas al proyecto de construcción: arquitectura, ingeniería, urbanismo, diseño interior, arquitectura del paisaje y visualización arquitectónica.

Contacto Atlântico ha desarrollado una obra diversa, con proyectos para clientes nacionales e internacionales. Entre sus referencias más reconocidas figuran el edificio del Diário de Notícias —premiado en varias ocasiones— y la intervención en el Quarteirão do Rossio, dentro del patrimonio construido de Lisboa.

Más allá de la práctica profesional, André Caiado participa activamente en el debate disciplinar a escala global: imparte conferencias sobre arquitectura en distintos países y asesora a la Comisión Europea como experto en la evaluación de proyectos de eficiencia energética urbana en el marco de los programas FP7 y Horizon 2020. Ha formado parte también del consejo ejecutivo de BUILT CoLAB, plataforma portuguesa de I+D y digitalización en el sector de la construcción.

Tres décadas de trabajo han consolidado en Contacto Atlântico una cultura de estudio que combina rigor técnico, capacidad de gestión y atención al lugar. Una arquitectura que no se entiende al margen de su contexto —geográfico, climático, patrimonial— y que encuentra en la inteligencia del proceso constructivo su forma más propia de expresión.

Dos sistemas volumétricos

El punto de partida es la formación de un nuevo hogar. Los arquitectos leyeron en esa circunstancia una oportunidad para trabajar con la geometría de los vínculos: la unión y la individualidad, lo compartido y lo propio. La casa lo traduce en dos sistemas volumétricos que conviven con tensión productiva.

Un anillo blanco recorre el perímetro de la planta baja, abraza el jardín, se deforma para respetar la vegetación preexistente y proyecta su cubierta en voladizo sobre el espacio exterior, brindando protección visual y solar a los espacios internos y a sus ocupantes. Es una estructura ultraligera de acero, capaz del gesto continuo y fluido que permiten los sistemas contemporáneos de construcción.

Sobre él y desde él, los volúmenes del segundo nivel, construidos con una estructura de acero ligera, emergen, altos y compactos, revestidos con ladrillo de arcilla artesanal y tejas recicladas recuperadas de los propios artesanos locales.

La función narrativa de la materialidad

La elección material tiene función narrativa. Los ladrillos evocan los hornos que están desapareciendo del contexto inmediato y conectan con la tradición constructiva andina de volúmenes macizos, opacos y con peso. El anillo blanco desarrolla el registro opuesto —ligero, continuo, abierto hacia el jardín y hacia el cielo—, y la casa trabaja con esa diferencia de registros como si los dos sistemas se necesitaran mutuamente para conseguir el sentido.

La materialidad interior mantiene la misma austeridad orientada. Los suelos de hormigón pulido recorren la planta baja con continuidad y frialdad táctil; la estructura de hormigón cede al acero en el nivel superior, más liviano en su comportamiento y en su apariencia. Las escaleras de peldaños volados organizan la transición entre ambas plantas con una presencia escultórica que la luz natural, filtrada desde lucernarios, amplifica a lo largo del día.

El jardín

El jardín, diseñado por Lorena Velasco, densifica el espacio exterior con vegetación que crece entre los pliegues del anillo y alrededor de los árboles preexistentes, haciendo del recorrido exterior parte indistinguible del habitar.

Casa Dominga suma 450 metros cuadrados construidos sobre una parcela de 1.000. Una escala doméstica que el proyecto gestiona con precisión: lo que la casa ofrece a quien la recorre es densidad de decisiones en una superficie contenida.  

Proyecto: Casa Dominga.
Tipo: Vivienda unifamiliar.
Ubicación: Puembo, Ecuador.
Superficie construida: 450 m².
Superficie de parcela: 1.000 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Nicolás&Nicolás. Arquitectos Nicolás Vivas y Nicolás López.
Paisajismo: Lorena Velasco.
Jefe de obra: Ing. Willan Mora.
Estructura de hormigón: Argu Projects.
Estructura metálica: Simetrika.
Ingeniería estructural: Vanegas Martinez.
Ingeniería hidro-sanitaria: Ing. Diego Tello.
Ingeniería eléctrica: Ing. Jorge Gomez.
Dibujos: Gabriela Velasteguí – Nicolás Rosero.
Fotografía: JAG Studio.
Fuente: Nicolás&Nicolás.

Nicolas&Nicolas

Nicolas&Nicolas es un estudio de arquitectura y diseño contemporáneo fundado en Quito en 2017 por los arquitectos Nicolás Vivas y Nicolás López Ayoub. Con sede entre la capital ecuatoriana y Barcelona, el estudio opera desde una posición singular: la de dos profesionales formados en América Latina y Europa que dialogan con su herencia cultural sin someterse a ella. Su práctica abarca la arquitectura, el interiorismo y el diseño de objetos, atravesada por una misma actitud: el contraste entre memoria y vanguardia, entre lo local y lo universal.

El estudio practica un diseño integral que va desde la escala arquitectónica hasta el objeto, pasando por el interiorismo, la moda textil y el arte. Esa amplitud de miras no es eclecticismo sino coherencia: la convicción de que el espacio bien resuelto es el que atiende todas sus capas al mismo tiempo. Sus proyectos, desarrollados principalmente en Ecuador y España, reflejan un compromiso con la calidad material, la consciencia medioambiental y la durabilidad como forma de resistencia a lo efímero.

Nicolás Vivas

Nicolás Vivas se graduó con honores en Arquitectura por la Universidad San Francisco de Quito en 2012 y completó su formación con un máster en Diseño Industrial para la Arquitectura en el Politecnico di Milano entre 2016 y 2017. Antes de fundar Nicolas&Nicolas, desarrolló una trayectoria sólida en Ecuador y Estados Unidos. Casi ocho años como arquitecto senior y proyectista en Estudio A0 en Quito, una experiencia formativa en el reputado despacho californiano Brooks + Scarpa Architects en Los Ángeles, y un período en Contract Workplaces dedicado al diseño de espacios de trabajo. Esa acumulación de escalas y geografías —la arquitectura paisajista de la costa oeste norteamericana, el rigor técnico milanés, la especificidad del contexto ecuatoriano— define una sensibilidad capaz de moverse entre referencias sin perder el hilo propio.

Nicolás López Ayoub

Nicolás López Ayoub estudió Arquitectura en la Universidad San Francisco de Quito, donde coincidió con Vivas, y amplió su formación con un máster en Diseño e Innovación de Producto en IED Spain en Madrid en 2019. Su recorrido profesional lo llevó a trabajar con Teresa Sapey + Partners en Madrid, firma conocida por su aproximación cromática y sensorial a los interiores de gran escala, antes de incorporarse plenamente a Nicolas&Nicolas en 2020 desde Barcelona. Su trayectoria independiente, que incluye proyectos de interiorismo en Madrid, Valencia y Quito —entre ellos la transformación de una casa colonial en hotel boutique en el centro histórico de la capital ecuatoriana— revela una arquitectura interesada en la atmósfera y la narrativa del lugar. Desde Barcelona, donde también colabora con 118 Studio, López Ayoub actúa como puente entre la práctica latinoamericana del estudio y el contexto europeo.

En ese contexto urbano, en la última planta de un edificio de Argüelles se encuentra este piso de 78 metros cuadrados y una terraza de 12 orientada al este, reformado por Gon Architects. 

El encargo

Toni, propietario de la vivienda, es responsable de proyectos aeronáuticos, periodista y apasionado de la cultura pop. Llegó a Gon Architects con un deseo doble, preciso y ambicioso: habitar el interior de una obra artística y diseñar el lugar donde vivir definitivamente. Una casa pensada para quedarse.

El estudio madrileño, dirigido por Gonzalo Pardo, recibió una planta que tenía la forma de tubo con 18 metros de largo y apenas 3,5 en su punto más estrecho. La organización original respondía a la lógica doméstica heredada: un pasillo oscuro adosado a la medianera que distribuía el acceso a piezas independientes entre sí. Una configuración que remite a modelos históricos donde la circulación actuaba como dispositivo de segregación más que como espacio habitable.

La estrategia

La clave del proyecto reside en la decisión aparentemente sencilla de sustituir la lógica del tabique por la lógica del filtro. Un sistema de puertas correderas de suelo a techo, ejecutadas con distintos materiales, texturas y policromías, transforma el antiguo pasillo en una secuencia abierta y continua. Según la posición de estos planos móviles, las estancias se conectan o independizan, se comprimen o se expanden. La casa funciona como un organismo vivo que acompaña los rituales diarios de Toni y su perrita Kea.

El proyecto incorpora también una gran diagonal que reestructura la circulación. El acceso, que se produce por el extremo más privado de la vivienda se convierte en el inicio de un recorrido, disolviendo los límites entre estancias. Las puertas y los pasos dejan de actuar como barreras de jerarquía para funcionar como mediadores de encuentro y ambigüedad espacial, una lectura que conecta con las tesis del historiador Robin Evans sobre la conectividad doméstica.

Los cuatro volúmenes

La transición cromática y material se desarrolla a través de cuatro volúmenes concatenados que estructuran la parte más íntima de la vivienda. El primero es una caja azul Klein adosada al acceso que incluye el cuarto de baño. El segundo contiene el dormitorio y el vestidor, protegidos tras la calidez de grandes marcos de madera y vidrio acanalado que tamizan la luz sin cerrar del todo el espacio. El tercero, de color verde, se corresponde con la ducha. El cuarto es la cocina: un volumen amarillo que funciona simultáneamente como núcleo de actividad doméstica y posición de control desde la que Toni puede ver toda la vivienda.

A partir de ese filtro cerámico amarillo, el espacio se libera. El salón, el comedor y un pequeño rincón de trabajo se funden en un gran espacio compartido donde el mobiliario actúa como infraestructura arquitectónica: estantes que organizan, mesas que delimitan, objetos que acumulan cultura pop sin perder orden.

La terraza como continuación del espacio interior

La secuencia continúa en la terraza. Gon Architects la concibe como una habitación exterior abierta al cielo de Madrid, la última estancia de la casa, donde la frontera entre el interior doméstico y el paisaje urbano se vuelve irrelevante. Desde ahí, las cubiertas de Argüelles y la luz del este de la mañana confirman que este piso se ha convertido en una casa confortable y vivible.

Proyecto: Casa JAM.
Localización: Barrio de Argüelles. Madrid.
Terminado: 2026.
Superficie construida: 78 m².
Arquitectura: Gon Architects.
Arquitecto responsable: Gonzalo Pardo.
Equipo de diseño: Carol Linares, María Cecilia Cordero, Sara Mordt, Maria Konstantinidou, Alexandra Marouda.
Construcción: Redo Construcción.
Fotografía: Imagen Subliminal (Rocío R. Rivas + Miguel de Guzmán).

Gon Architects

En el devenir cambiante de la arquitectura contemporánea española, Gon Architects surge como un taller de experimentación, sensibilidad y generosidad. Una oficina ubicada en Madrid, fundada y dirigida por Gonzalo Pardo desde 2014.  

Gonzalo Pardo, arquitecto graduado en 2007 por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM), alcanzó en 2016 el título de Doctor Arquitecto gracias a su tesis “Cuerpo y Casa: Hacia el espacio doméstico contemporáneo desde las transformaciones de la cocina y del cuarto de baño en Occidente”, galardonada con la calificación Cum Laude, el Premio Extraordinario de Tesis Doctoral 2016-2017 y una mención honorífica en el concurso de la Fundación Arquia.  

Ese bagaje intelectual, profundo y reflexivo, no es un acto de culto al pasado, sino una plataforma desde la que Pardo se lanza a reinventar el hábitat contemporáneo con audacia y delicadeza. Su estudio concibe la arquitectura como un proceso creativo complejo, donde la observación minuciosa y el detalle se combinan con una mirada lúdica, experimental, crítica y optimista hacia nuestra contemporaneidad.  Ver biografía completa.

El encargo partió de Adam y Julia, una pareja que, tras años de estancia entre Londres y Nueva York, eligieron Barcelona para establecerse. Querían una casa diseñada para compartir y recibir a sus amigos, donde convivieran la energía urbana y una manera de habitar más pausada. Ese programa concreto orienta todas las decisiones del proyecto.

Elementos originales conservados

La intervención preserva los elementos originales: las bóvedas catalanas permanecen vistas y las carpinterías en arco de nogal macizo se integran en el conjunto como parte del lenguaje propio de la vivienda. Àbag Studio trabaja desde la identidad del edificio, sumando una capa nueva que amplía su lectura y le da continuidad.

La paleta es casi monocromática. Travertino, microcemento, nogal y lino crudo configuran una base neutra y cálida sobre la que se introducen dos piezas de mayor intensidad cromática: los sofás Julep de Tacchini, en terciopelo verde esmeralda, que organizan visualmente el salón con su volumen blando y rotundo; y el ónix verde, seleccionado directamente en cantera por el estudio, que aparece en los baños como el material de mayor densidad del conjunto.

La zona de estar reúne cocina, comedor y salón en una continuidad fluida. La cocina adopta la forma de una pieza escultórica: paneles de madera con relieve, isla en travertino de esquinas redondeadas, revestimiento continuo de Pavidnus en el suelo. Una chimenea suspendida, diseñada junto al estudio barcelonés Marlot Baus, define el punto focal de la estancia y organiza el espacio sin fragmentarlo.

Arquitectura interior expuesta

Parte de la arquitectura interior permanece expuesta con intención. Àbag Studio incorpora lo constructivo como elemento de composición, modulado aquí con formas orgánicas y materiales cálidos. Las cortinas de lino de Gancedo filtran la luz natural y refuerzan el carácter doméstico y pausado del ambiente. La vivienda también se prolonga hacia el exterior a través de una terraza y un balcón con vistas abiertas sobre Barcelona.

En la suite principal, una bañera exenta enmarcada por un arco abre a un espacio de sauna y hammam. Los baños están revestidos en ónix verde con griferías de Hotbath en cobre, donde la materialidad alcanza su mayor concentración. Armarios revestidos en piedra, realizados por expertos artesanos, y un conjunto de decisiones de escala doméstica, entre ellas, un rincón diseñado para los gatos de Julia, integrado discretamente en la arquitectura, confieren a la zona privada su carácter más singular.

El proyecto incorpora obras comisionadas junto a Galería Alzueta y el artista Stan Van Steendam, y en la terraza un mosaico Nolla diseñado específicamente para la vivienda retoma la tradición cerámica local con vocabulario contemporáneo. La iluminación de Flos, Santa & Cole y Foscarini, y las piezas de firmas como Ferm Living, Hay o Sarah Lavoine completan un interior donde cada elemento responde a una cuidadosa elección.

El proyecto Córcega construye su argumento desde la acumulación de decisiones precisas. En esta vivienda cada material, cada forma y cada escala tienen una razón que el proyecto hace legible. El resultado es un interior mediterráneo contemporáneo, abierto, sensorial y bien ejecutado, exhibiendo un interiorismo al que nos tiene acostumbrados Abel Pérez Gabucio. 

Proyecto: Córcega, Barcelona.

Tipología: Vivienda privada.
Estudio: Àbag Studio.
Dirección creativa: Abel Pérez Gabucio.
Materiales principales: Travertino, ónix verde, microcemento, nogal macizo. Pavimento: Pavidnus.
Mobiliario a medida: Marlot Baus.
Mobiliario: Tacchini, Flos, Santa & Cole, Foscarini, Gancedo, Hotbath, Zieta.
Arte: Galería Alzueta. Stan Van Steendam.
Elementos wellness: Sauna y hammam.
Fotografía: Eugeni Pons.

Àbag Studio

Abel Pérez Gabucio (Barcelona, 1979) desarrolla su trayectoria profesional desde una posición híbrida entre la arquitectura y el interiorismo, entendidas como una misma práctica proyectual. Formado como arquitecto técnico en la Universitat Politècnica de Catalunya y con una estancia en VIA University, su recorrido inicial se vincula a estructuras de gran escala como IDOM y, posteriormente, al estudio Jordà & Guasch. En ese contexto adquiere una base técnica sólida y una comprensión precisa del proceso constructivo, que más adelante trasladará a un ámbito más cercano a la escala doméstica y a la relación directa con el usuario.

En 2008 funda Abag Studio en Barcelona, iniciando una práctica independiente que se define por la atención al detalle, la continuidad material y una clara vocación por construir espacios habitables desde la experiencia cotidiana. El estudio orienta su trabajo hacia la vivienda y el interiorismo residencial, donde el encargo se aborda como una oportunidad para ordenar, simplificar y dar coherencia a los espacios existentes. ver biografía completa.

El proyecto tiene una vocación doble. Por un lado, crear piezas duraderas que dignifiquen lo cotidiano: la mesa, la cama, el espacio habitado, recuperando para el textil el lugar simbólico y estético que en otro tiempo ocupó en nuestra cultura. Por otro, promover el conocimiento a través de seminarios, cursos y encuentros con el objetivo de revalorizar la artesanía textil.

El monasterio segoviano

En el siglo XIII, la Orden del Císter levantó en la ladera segoviana de la sierra de Guadarrama, en Collado Hermoso, el monasterio de Santa María de la Sierra. La arquitectura cisterciense respondía a una norma severa: sobriedad, proporción, rechazo de lo superfluo. Esos mismos valores, la forma que surge del material, sin adorno que la traicione, están hoy, ocho siglos después, en cada pieza que sale del taller de Ábbatte.

La pequeña comunidad que habitó el monasterio llegó a hospedar a reyes en el siglo XIV. Luego vino el declive, el abandono progresivo, la desamortización del XIX que convirtió el edificio en granja agrícola. Las piedras fueron cayendo. En 2005, Elena Goded y su marido adquirieron las ruinas. «Yo no busqué el monasterio, fue él quien me encontró a mí», cuenta, «y nos comprometimos a darle el máximo cuidado.»

Lo que siguió fue un trabajo de consolidación tan artesanal como el que hoy se realiza entre sus muros: un cantero de la zona fue fijando piedra a piedra la estructura, sujetando el perímetro con un zuncho, mientras de forma continuada se limpiaban los líquenes, la piedra degradada por el agua, la vegetación que crecía entre las juntas. La ruina fue estabilizándose sin ser falsificada. Se respetó su condición de fragmento, de tiempo detenido. En diálogo con el monasterio, se construyeron los nuevos espacios de trabajo: volúmenes de madera local y granito rubio que lo enmarcan sin quitarle el protagonismo del lugar.

Hoy el monasterio de Santa María de la Sierra forma parte del adn de Ábbatte: un edificio que resume, con la elocuencia de lo que ha sobrevivido, los valores esenciales de la firma: maestría, arraigo al territorio, permanencia. El monasterio, siempre presente, recuerda a quienes trabajan junto a sus arcos la continuidad de las tareas humanas.

El taller junto al monasterio

El taller de Ábbatte ocupa uno de los nuevos pabellones construidos junto al monasterio. Es un espacio luminoso, ordenado, donde los telares manuales se alinean como instrumentos de un oficio que no admite atajos. La urdimbre, ese conjunto de hilos paralelos y tensos que forman la base del tejido, se prepara con paciencia antes de que la trama pueda comenzar su entrelazado. Una vez terminada la pieza, se remata a mano, con hilo y aguja, y se lava para que las fibras tensas se relajen y el tejido alcance su tacto definitivo.

Las tejedoras que dan vida a estas piezas son profesionales de Segovia, dirigidas por Elena Goded Rambaud, fundadora de la firma, y Camila Lanzas, su directora creativa, historiadora del arte y diseñadora. El equipo está formado por Cristina Escribano, María del Carmen Gimeno, Carmen Palermo, Marta Rueda y Ana María Martín Gil, que formó parte del equipo de los talleres San Pablo de la reconocida Gerda Kramer, para más tarde formar en su inicio al nuevo equipo de Ábbatte. 

Junto al taller de tejeduría, en una de las cabañas de madera que incluye la finca, se realiza la tinción de las hilaturas. Es aquí donde el trabajo alcanza algo parecido a lo alquímico. Los pigmentos, procedentes exclusivamente de plantas o insectos, se aplican en un proceso riguroso que comprende tres fases: el desaprestado, para limpiar las impurezas de la fibra; el mordentado, para fijar el color; y el baño de tinte, a temperatura controlada. El resultado son colores que no se encuentran en ningún catálogo convencional. Intensos y a la vez inasibles, siempre en armonía entre sí porque todos proceden de la misma fuente, la naturaleza. Son, en palabras de Goded, colores para el placer visual.

El jardín tintóreo: un patrimonio recuperado

Donde los monjes cistercienses cultivaron su huerta, Ábbatte ha creado algo extraordinario: un jardín etnobotánico de plantas tintóreas que es uno de los más completos de Europa. Setenta especies distintas, mirto de Brabante, índigo, hierba lombriguera, gayuba, zumaque, rubia o granza, entre muchas otras, crecen en bancales geometrizados con vistas a la sierra, guardados por los muros del monasterio como en una continuación orgánica de la misma vocación monástica.

Cada planta ha tenido que demostrar que es capaz de sobrevivir al clima de Segovia y que contiene, en alguna de sus partes, raíz, hoja, flor, corteza, pigmentos aptos para el teñido. Diego de Allas, responsable del jardín y del mantenimiento integral de la finca, es el guardián de este patrimonio verde.

La rubia o granza merece mención especial. Su raíz produce un rojo teja intenso que las civilizaciones mediterráneas —Egipto, Creta, Grecia, Roma— y las culturas nórdicas utilizaron durante milenios. Castilla fue durante siglos uno de los principales proveedores europeos de rubia de calidad. Un saber que se perdió y que Ábbatte, silenciosamente, trabaja por recuperar.

El jardín, sin embargo, no tiene como objetivo producir los colorantes que se usan en el taller, para eso harían falta muchas hectáreas por cada pigmento. Su misión es más sutil y ambiciosa, dar a conocer este uso específico de las plantas, tan antiguo como la civilización y tan olvidado como tantas cosas esenciales. Transmitir valor, hacer visible lo que el tiempo ha vuelto invisible.

La colección de Ábbate

La colección de Ábbatte abarca el espacio doméstico en su totalidad: mantas, colchas y pies de cama; almohadones; alfombras; manteles y servilletas; cortinas, visillos y estores japoneses; cabeceros tapizados; y piezas para llevar puestas, chales, ponchos, fulares, que trasladan al cuerpo la misma filosofía que al hogar. El objetivo que subyace a todas ellas es siempre el mismo: la materialidad no debe disimularse, debe revelarse.

Los tejidos se elaboran en formatos clásicos —tafetán, espiga, ojo de ganso— en anchos de hasta 3,10 metros. Para proyectos de mayor escala, Ábbatte ensambla varios lienzos con un criterio propio: las uniones se integran en el diseño, a veces como costuras casi imperceptibles en el mismo tono del tejido, otras como contrastes que subrayan la composición y le otorgan carácter. Un gesto de honestidad constructiva que no es ajeno a la tradición de los mejores oficios.

La paleta de color, construida íntegramente con tintes naturales y ejecutada por encargo, produce esos tonos indefinibles que se resisten a ser nombrados con precisión pero que se reconocen al instante como propios de la naturaleza: tierras, ocres, azules que tiran a verde, rosas que recuerdan al barro húmedo. Colores que envejecen bien, que cambian con la luz, que hacen compañía.

El tejido como arquitectura del interior

Cada vez más estudios de arquitectura e interiorismo encuentran en Ábbatte un interlocutor con quien construir la atmósfera sensorial de sus proyectos. La firma trabaja tanto en encargos integrales de textil para una vivienda o un espacio como en piezas singulares que completan o elevan interiores ya definidos.

El portfolio de Ábbatte incluye proyectos en Menorca, Asturias, Santander, Madrid, Alicante, Toledo, y colaboraciones con estudios tan prestigiosos como Pierre Yovanovitch o Marta de la Rica, entre los que se pueden citar. Mantas de alpaca sobre chaise-longues, alfombras de lana castellana en salones de techos de madera, juegos de cojines para porches de piedra, manteles de lino merino sobre mesas de nogal. En cada caso, la pieza se convierte en parte de la memoria del espacio.

Para los profesionales del diseño, Ábbatte ofrece también la posibilidad de reuniones de asesoramiento, presenciales o en formato online, para conocer en detalle los procesos, los materiales disponibles y las posibilidades de encargo. El taller está abierto a desarrollar ideas para nuevos usos del tejido. Separadores textiles para dividir espacios, tapicerías especiales, revestimientos. La única condición es que el material sea noble y que el proceso sea honesto.

En un sector donde lo efímero se ha convertido en norma, Ábbatte propone una alternativa que es profundamente contemporánea, la convicción de que los objetos bien hechos transforman a las personas que los habitan. Que vivir con textiles artesanales transmite calma y devuelve la capacidad de percibir el valor de lo que perdura.

Elena Goded Rambaud

Elena Goded es bióloga de formación, doctora en Filosofía y Ciencias de la Educación, profesora universitaria durante décadas, y actualmente, quizá como consecuencia natural de todo lo anterior, fundadora de uno de los proyectos de artesanía textil más singulares y reconocidos de España.

Se licenció en Ciencias Biológicas en una época en que la mirada científica y la mirada artística aún se consideraban territorios separados. Su trayectoria los fue acercando. A lo largo de más de veinte años fue profesora titular en la UNED, donde dirigió el curso de Artesanía Textil desde 1990 hasta 2010, formando a generaciones de docentes en el conocimiento de los tejidos, los tintes y los oficios relacionados con la fibra. Paralelamente, impartió cursos en diversas universidades sobre tintes naturales, botánica aplicada e historia de la indumentaria: un territorio de intersección entre la ciencia, la historia y la cultura material que pocos habían explorado con tanta sistematicidad.

Esta labor docente la llevó a publicar obras de referencia para la enseñanza de la artesanía textil, entre ellas los volúmenes El taller textil en el aula: Tintes naturales y El taller textil en el aula: La tejeduría, editados por la UNED, que siguen siendo textos fundamentales en su campo. Su rigor como investigadora y su capacidad para transmitir el valor de los oficios la convirtieron en una autoridad en el panorama español de la cultura artesanal.

Ese capital de conocimiento acumulado durante décadas encontró, a partir de 2005, un escenario inesperado. Ese año, Elena y su marido adquirieron las ruinas del monasterio cisterciense de Santa María de la Sierra, en Collado Hermoso, Segovia. No fue una decisión premeditada: fue, según ella misma cuenta, un encuentro. «Yo no busqué el monasterio, fue él quien me encontró a mí.» Lo que vino después fue un compromiso largo y exigente con la restauración y la consolidación de los restos de la abadía, que se encontraban en estado de abandono avanzado.

En ese mismo territorio nació, en 2013, Ábbatte —cuyo nombre deriva del término latino para abadía—, fundada junto a su hija Camila Lanzas, historiadora del arte y diseñadora. La firma supuso la confluencia de todo lo que Elena Goded había cultivado a lo largo de su trayectoria: el conocimiento científico de las fibras y los pigmentos, la comprensión histórica del textil como objeto cultural, la vocación pedagógica, y el arraigo a un lugar y a un territorio. Ábbatte es una síntesis del camino recorrrido.

El reconocimiento no tardó en llegar. En 2015, Ábbatte recibió el Premio Nacional de Artesanía en la categoría de Emprendimiento, otorgado por el Ministerio de Industria, Comercio y Turismo. En 2017, el proyecto fue distinguido con el Premio Hispania Nostra a las Buenas Prácticas en la conservación del patrimonio cultural y natural, un galardón que reconoció de forma explícita la labor de recuperación del monasterio y su conversión en espacio productivo vivo.

La proyección de Elena Goded en el ámbito de la artesanía contemporánea va más allá de su propia empresa. En 2018 fue una de las fundadoras y presidenta de SACo, la Sociedad de Artesanos Contemporáneos, una asociación que agrupa a diseñadores y empresas artesanales españolas bajo criterios de excelencia y contemporaneidad, con el objetivo de convertir la artesanía de calidad en un referente cultural y económico de primer orden. SACo ha desarrollado desde entonces proyectos de visibilidad nacional e internacional, entre ellos colaboraciones con Mazda en el marco del Festival de Diseño de Madrid. La Fundación Juan March, en su sede de Palma, ha acogido asimismo conferencias de Elena Goded sobre los textiles artesanos y su filosofía, integrando su trabajo en el circuito de la cultura contemporánea española.

Hoy Elena Goded dirige Ábbatte desde el monasterio segoviano, junto a Camila Lanzas y un equipo de tejedoras y artesanos locales. Su figura encarna algo que se ha vuelto escaso: la coherencia entre el pensamiento y la práctica, la investigación y el objeto, la tradición y la propuesta contemporánea. En un momento en que la artesanía vuelve a ser reivindicada como respuesta cultural y ambiental a los excesos de la producción industrial, Elena Goded lleva décadas construyendo, con paciencia y rigor, exactamente eso.

Hoy el estudio reúne a un equipo de seis personas que trabaja con madera maciza de roble, nogal, kambala y castaño, certificada y seleccionada por su comportamiento, su presencia visual y su durabilidad. Cada pieza se elabora mediante técnicas de ejecución manual: la ebanistería tradicional, los ensambles japoneses, el carbonizado Shou Sugi Ban. Procedimientos que exigen tiempo y precisión, y que producen resultados que la producción industrial es incapaz de replicar. La estructura, la superficie, el detalle: todo responde a una lógica propia del material, trabajado siempre a favor del grano y del origen.

Diseño a partir del diálogo

El proceso de cada encargo comienza con una conversación —alrededor de una mesa, con bocetos a mano y muestras de madera. Los clientes son invitados al taller para ver la materia en bruto, palpar las texturas y compartir la construcción de la idea. Esta proximidad entre quienes hacen y quienes encargan define el carácter del estudio: una escala doméstica del trabajo artesanal que persiste incluso cuando los proyectos se despliegan en espacios públicos o institucionales.

El portafolio de Junto abarca desde coleccionistas privados hasta estudios de arquitectura internacionales, marcas de hospitalidad e instituciones culturales. Sus piezas están presentes en la Fundação Champalimaud de Lisboa, en la costa atlántica de Comporta, en proyectos de diseñadores como Nicoline Beerkens y Alicia Murphy Design, y en espacios de los Países Bajos, Italia y Estados Unidos. En 2025, el estudio lanzó su primera Signature Collection: una serie de diseños originales que condensan los valores del taller, su manera de entender el proceso y su compromiso con la honestidad del material.

La estética de Junto es refinada, funcional y sutilmente expresiva. Crean piezas que resisten el paso del tiempo, construidas para perdurar, tanto en su estructura como en su presencia.

Faro Barcelona responde a esa demanda en 2026 con tres colecciones diseñadas por Xavier Carrasquet que comparten una misma orientación: luminarias de exterior con voluntad decorativa y rigor técnico, capaces de generar atmósferas con carácter sin comprometer el bienestar visual ni el ecosistema nocturno. Toba, Nara y Saga son piezas que entienden la luz como un material de composición, cálido, dirigido, contenido, y el exterior como un espacio que merece el mismo cuidado que cualquier estancia interior.

Toba: la guirnalda que se convirtió en luminaria

Las guirnaldas de luz pertenecen al imaginario de los exteriores domésticos: pequeñas luces suspendidas entre árboles o sobre una terraza que convierten la noche en fiesta sin mayores pretensiones. Xavier Carrasquet tomó esa tipología cotidiana y se preguntó qué ocurriría si se le otorgara la misma atención que a una luminaria de arquitectura. El resultado es Toba, diseñada para Faro Barcelona.

Toba está formada por discos de silicona de 18 cm de diámetro, material flexible y resistente, pensado para el exterior, que filtran la luz a través de sus capas. Un difusor interior opal distribuye la iluminación de forma homogénea, generando una luz cálida y sin deslumbramiento. La protección IP65 garantiza su uso en condiciones ambientales exigentes. La forma, una sucesión de planos escalonados que se ensanchan hacia abajo, le confiere una presencia escultórica discreta y reconocible.

Los discos están disponibles en beige, terracotta y marrón, tres tonos tomados directamente de los paisajes mediterráneos. Su función va más allá de lo estructural: actúan como filtros cromáticos que tiñen sutilmente la luz emitida. Cuando varias piezas de distinto color se combinan en una misma composición, recrean la gradación del atardecer mediterráneo: del naranja encendido al blanco cálido del ocaso. Suspendidas a diferentes alturas o alineadas en secuencia, trazan un ritmo suave en el paisaje nocturno que acompaña a la arquitectura y la vegetación sin competir con ellas.

Toba funciona tanto como luminaria individual suspendida como en composiciones tipo guirnalda, permitiendo tender líneas de luz entre árboles, pérgolas o elementos arquitectónicos con la misma libertad de instalación que la tipología original pero con una calidad de luz cualitativamente distinta. Como señala el propio diseñador, el objetivo era conservar la simplicidad y la libertad de la guirnalda transformándola en un objeto capaz de integrarse con naturalidad en el paisaje exterior. Toba cumple ese propósito con economía de medios y precisión formal.

Saga: una campana de luz con presencia contundente

Hay una economía formal en Saga que la distingue dentro del catálogo de exterior de Faro Barcelona. La pieza, diseñada por Carrasquet, parte de una campana metálica de gran formato, con exterior en beige, negro, naranja o marrón óxido, e interior en blanco, cuya escala le otorga una presencia contundente y al mismo tiempo resuelta. No hay ornamento superfluo, la forma lo dice todo.

La función de la pantalla es doble. Por fuera define el volumen y protege de las condiciones ambientales  con protección IP65; por dentro, el blanco maximiza la reflexión y dirige la luz hacia abajo con precisión, mientras un difusor opal oculta la fuente y suaviza el haz para evitar el deslumbramiento. El resultado es una iluminación cálida, concentrada y apta para usos que requieren luz funcional: mesas de terraza, barras de exterior, zonas de paso.

Saga admite instalación individual, con florón o gancho, y en composiciones múltiples a distintas alturas, encadenando unidades para trazar guirnaldas de mayor presencia. Esa flexibilidad de montaje amplía su campo de aplicación desde el espacio doméstico hasta la restauración y la hostelería. La campana de aluminio es en este caso tanto objeto decorativo como instrumento lumínico, sin que una condición comprometa a la otra.

Nara: la luz de exterior que cuida la noche

El uso prolongado de los espacios exteriores, terrazas, jardines o patios, ha trasladado al outdoor las mismas exigencias de confort y calidez que definen la buena iluminación interior. Nara, diseñada por Xavier Carrasquet para Faro Barcelona, responde a esa demanda con una propuesta que añade una dimensión menos habitual en el producto decorativo de exterior: el respeto por la oscuridad natural.

La pieza se desarrolla en torno a una pantalla de perfil redondeado, envuelta por un patrón lineal que actúa como jaula estructural de acero. Ese entramado envolvente proyecta un juego de luces y sombras que anima el entorno sin generar deslumbramiento, y deja visible la forma interior, un difusor opal de PEMD, que distribuye la luz de manera homogénea y contenida. El conjunto tiene la presencia de un objeto doméstico cuidado, sin los rasgos utilitarios que suelen caracterizar al producto de exterior.

La dimensión ambiental de Nara va más allá del confort visual. El control de la dispersión lumínica que ofrece el difusor opal limita la contaminación lumínica y protege la biodiversidad nocturna del entorno, convirtiendo una decisión de diseño formal en un gesto de responsabilidad hacia el ecosistema. La iluminación exterior sostenible no reside solo en el consumo energético, sino también en cómo y hacia dónde se emite la luz.

La colección se presenta en tres versiones: portátil con cable, suspensión y pie, que permiten resolver necesidades distintas con un lenguaje formal coherente. Los acabados en beige, marrón óxido y negro ofrecen registros cromáticos con suficiente rango para adaptarse a estéticas diversas, desde lo más neutro y orgánico hasta lo más contrastado y contemporáneo.

Narita reinterpreta la esencia de Nara en un formato más compacto

Su pantalla, con un patrón lineal envolvente, filtra la luz y crea un juego de luces y sombras que transforma terrazas y jardines en espacios acogedores y llenos de carácter. Se fabrica en acero inoxidable para una mayor resistencia al exterior. Puede instalarse como luminaria individual con florón, o formar parte de un sistema de guirnalda con varias unidades.

Xavier Carrasquet

Xavier Fernández Carrasquet nace en Barcelona, ciudad en la que estudia en Elisava y donde se forma como diseñador de producto. Sus primeros años de trabajo transcurren en Benedito Design, el estudio de Ramon Benedito, donde desarrolla piezas para sectores muy distintos y aprende a entender el diseño como un proceso de construcción colectiva. La voluntad de profundizar en los procesos de fabricación lo lleva a incorporarse a Luxiona, empresa desde la que colabora en proyectos de Jean Nouvel y Toni Arola, y donde la iluminación se convierte en el eje de su práctica.

En 2006 asume la dirección del Departamento de Diseño de Lamp. Durante más de una década transforma un catálogo orientado a la distribución en un porfolio técnico pensado para la prescripción: más de veinticinco familias de producto lanzadas, numerosas nominaciones y premios nacionales e internacionales, y la integración del led como transición tecnológica de calado. Entre 2017 y 2019 dirige el Barcelona Creative Lab, estudio que la multinacional Xal abre en la ciudad, desde donde se lanzan productos como Unico y Roomor para Wever & Ducré.

Desde 2019 trabaja de forma independiente, estableciendo colaboraciones con empresas como Vibia, Lamo y Faro Barcelona, y con profesionales del sector como Maria Güell (La Invisible). Su visión del diseño es explícitamente colaborativa: suma habilidades complementarias para enriquecer cada fase del proceso creativo. Imparte clase en Elisava desde 2013, donde ejerce también como tutor de proyectos de fin de Máster. Para Carrasquet, enseñar y diseñar responden a una misma lógica: aprender en equipo, con curiosidad y emoción, como condición indispensable de la creatividad.