Villa Talha se ha construido en este entorno fruto de la colaboración de Alfonso Architects y Contacto Atlântico, el estudio liderado por André Caiado en Estoril. La suma de ambas miradas produce una obra que combina claridad formal con sensibilidad hacia este lugar privilegiado. Una arquitectura que interpreta el Alentejo con precisión y materiales propios.

Arquitectura alentejana

La composición volumétrica desarrolla dos niveles con una superficie construida de 495 m². Los volúmenes, de perfil limpio y cubierta inclinada de teja tradicional, se fragmentan para acomodarse a la topografía y a la vegetación existente. La blancura del revoco pintado, reflejo de la presencia constante de la arquitectura alentejana, actúa aquí como fondo y forma simultáneamente. Recoge la luz del sur, proyecta las sombras del mediodía y otorga al conjunto una densidad visual que no necesita elementos decorativos.

La secuencia de entrada comienza en el exterior, con una rampa suave en adoquín portugués tradicional que establece la transición entre el espacio público y el privado. La elección del material no es casual, el empedrado tiene en Portugal una presencia centenaria; aquí, en el umbral de esta villa contemporánea, actúa como marcador cultural, como guiño a un territorio con historia.

Un zaguán generoso

Al entrar en la casa sorprende el amplio zaguán abierto hacia el jardín y la piscina a través de grandes carpinterías de acero negro, un espacio protagonizado por la gran escalera helicoidal que organiza la experiencia doméstica. De peldaños en madera y pasamanos de yeso curvo, asciende bajo un lucernario y construye un recorrido vertical lleno de luz.  

Las estancias de la planta baja se ordenan en torno a esa tensión entre interior y exterior. El salón se prolonga bajo una pérgola de madera, con estructura robusta y sección generosa, que cubre la terraza y organiza la transición hacia el agua. La piscina, de borde contenido y geometría rectangular, se asienta sobre una tarima de madera oscura que la vincula a la casa y la separa del jardín de arena y guijarros donde crecen olivos y lavanda. La orientación de este conjunto permite mantener vistas abiertas hacia el paisaje.

Paleta cálida y contenida en el interior

Los interiores trabajan con una paleta cálida y contenida de piedra Moleanos en suelos, madera de roble en el pavimento de los dormitorios y en las carpinterías de los baños, azulejo artesanal de formato irregular en las duchas. La materia elegida en cada estancia tiene textura suficiente para acusar el paso del tiempo y la luz, y para hacer sentir que la casa ha sido construida para ser habitada.

La relación entre Villa Talha y su entorno es la de una arquitectura que ha aprendido a escuchar antes de ser. El proyecto suma la inteligencia constructiva de Contacto Atlântico al trabajo conceptual de Alberto Alfonso Architects para producir, en este rincón preservado del Atlántico, una casa que pertenece a un lugar en el que disfrutar de la paz del Alentejo.

Proyecto: Villa Talha.
Ubicación: Melides, Portugal.
Terminado: 2025.
Arquitecto conceptual: Alfonso Architects.
Arquitecto local: Contacto Atlântico.
Superficie de parcela: 2.049 m².
Superficie construida: 495,68 m².
Planta: 305,52 m². 2 niveles.
Fotografía: Gonçalo Henriques.
Fuente: Contacto Atlântico.

André Caiado. Contacto Atlântico

André Caiado nació en Lisboa en 1967 y se formó como arquitecto en la Universidade Técnica de Lisboa, donde obtuvo su titulación en 1990. De Lisboa se trasladó a Madrid, a la Escuela Técnica Superior de Arquitectura, donde realizó un máster en Informática para la Arquitectura, el Urbanismo y la Gestión Inmobiliaria y, en 1995, defendió con la máxima distinción —cum laude— su tesis doctoral en Tecnologías del Edificio Inteligente. Durante esos años trabajó en paralelo como arquitecto en IBM y en Telefónica, una doble experiencia que marcó desde el principio su manera de entender la disciplina: como práctica que integra el conocimiento técnico, la inteligencia constructiva y la dimensión estratégica del proyecto.

De regreso a Lisboa, dirigió los departamentos de Medio Ambiente y Arquitectura en Novodesign y ejerció como docente en distintas universidades durante más de dos décadas. En 1996 fundó Contacto Atlântico en Estoril. Lo que comenzó como un estudio de arquitectura se ha convertido, a lo largo de treinta años, en una firma multidisciplinar con decenas de colaboradores especializados en todas las áreas vinculadas al proyecto de construcción: arquitectura, ingeniería, urbanismo, diseño interior, arquitectura del paisaje y visualización arquitectónica.

Contacto Atlântico ha desarrollado una obra diversa, con proyectos para clientes nacionales e internacionales. Entre sus referencias más reconocidas figuran el edificio del Diário de Notícias —premiado en varias ocasiones— y la intervención en el Quarteirão do Rossio, dentro del patrimonio construido de Lisboa.

Más allá de la práctica profesional, André Caiado participa activamente en el debate disciplinar a escala global: imparte conferencias sobre arquitectura en distintos países y asesora a la Comisión Europea como experto en la evaluación de proyectos de eficiencia energética urbana en el marco de los programas FP7 y Horizon 2020. Ha formado parte también del consejo ejecutivo de BUILT CoLAB, plataforma portuguesa de I+D y digitalización en el sector de la construcción.

Tres décadas de trabajo han consolidado en Contacto Atlântico una cultura de estudio que combina rigor técnico, capacidad de gestión y atención al lugar. Una arquitectura que no se entiende al margen de su contexto —geográfico, climático, patrimonial— y que encuentra en la inteligencia del proceso constructivo su forma más propia de expresión.

Dos sistemas volumétricos

El punto de partida es la formación de un nuevo hogar. Los arquitectos leyeron en esa circunstancia una oportunidad para trabajar con la geometría de los vínculos: la unión y la individualidad, lo compartido y lo propio. La casa lo traduce en dos sistemas volumétricos que conviven con tensión productiva.

Un anillo blanco recorre el perímetro de la planta baja, abraza el jardín, se deforma para respetar la vegetación preexistente y proyecta su cubierta en voladizo sobre el espacio exterior, brindando protección visual y solar a los espacios internos y a sus ocupantes. Es una estructura ultraligera de acero, capaz del gesto continuo y fluido que permiten los sistemas contemporáneos de construcción.

Sobre él y desde él, los volúmenes del segundo nivel, construidos con una estructura de acero ligera, emergen, altos y compactos, revestidos con ladrillo de arcilla artesanal y tejas recicladas recuperadas de los propios artesanos locales.

La función narrativa de la materialidad

La elección material tiene función narrativa. Los ladrillos evocan los hornos que están desapareciendo del contexto inmediato y conectan con la tradición constructiva andina de volúmenes macizos, opacos y con peso. El anillo blanco desarrolla el registro opuesto —ligero, continuo, abierto hacia el jardín y hacia el cielo—, y la casa trabaja con esa diferencia de registros como si los dos sistemas se necesitaran mutuamente para conseguir el sentido.

La materialidad interior mantiene la misma austeridad orientada. Los suelos de hormigón pulido recorren la planta baja con continuidad y frialdad táctil; la estructura de hormigón cede al acero en el nivel superior, más liviano en su comportamiento y en su apariencia. Las escaleras de peldaños volados organizan la transición entre ambas plantas con una presencia escultórica que la luz natural, filtrada desde lucernarios, amplifica a lo largo del día.

El jardín

El jardín, diseñado por Lorena Velasco, densifica el espacio exterior con vegetación que crece entre los pliegues del anillo y alrededor de los árboles preexistentes, haciendo del recorrido exterior parte indistinguible del habitar.

Casa Dominga suma 450 metros cuadrados construidos sobre una parcela de 1.000. Una escala doméstica que el proyecto gestiona con precisión: lo que la casa ofrece a quien la recorre es densidad de decisiones en una superficie contenida.  

Proyecto: Casa Dominga.
Tipo: Vivienda unifamiliar.
Ubicación: Puembo, Ecuador.
Superficie construida: 450 m².
Superficie de parcela: 1.000 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Nicolás&Nicolás. Arquitectos Nicolás Vivas y Nicolás López.
Paisajismo: Lorena Velasco.
Jefe de obra: Ing. Willan Mora.
Estructura de hormigón: Argu Projects.
Estructura metálica: Simetrika.
Ingeniería estructural: Vanegas Martinez.
Ingeniería hidro-sanitaria: Ing. Diego Tello.
Ingeniería eléctrica: Ing. Jorge Gomez.
Dibujos: Gabriela Velasteguí – Nicolás Rosero.
Fotografía: JAG Studio.
Fuente: Nicolás&Nicolás.

Nicolas&Nicolas

Nicolas&Nicolas es un estudio de arquitectura y diseño contemporáneo fundado en Quito en 2017 por los arquitectos Nicolás Vivas y Nicolás López Ayoub. Con sede entre la capital ecuatoriana y Barcelona, el estudio opera desde una posición singular: la de dos profesionales formados en América Latina y Europa que dialogan con su herencia cultural sin someterse a ella. Su práctica abarca la arquitectura, el interiorismo y el diseño de objetos, atravesada por una misma actitud: el contraste entre memoria y vanguardia, entre lo local y lo universal.

El estudio practica un diseño integral que va desde la escala arquitectónica hasta el objeto, pasando por el interiorismo, la moda textil y el arte. Esa amplitud de miras no es eclecticismo sino coherencia: la convicción de que el espacio bien resuelto es el que atiende todas sus capas al mismo tiempo. Sus proyectos, desarrollados principalmente en Ecuador y España, reflejan un compromiso con la calidad material, la consciencia medioambiental y la durabilidad como forma de resistencia a lo efímero.

Nicolás Vivas

Nicolás Vivas se graduó con honores en Arquitectura por la Universidad San Francisco de Quito en 2012 y completó su formación con un máster en Diseño Industrial para la Arquitectura en el Politecnico di Milano entre 2016 y 2017. Antes de fundar Nicolas&Nicolas, desarrolló una trayectoria sólida en Ecuador y Estados Unidos. Casi ocho años como arquitecto senior y proyectista en Estudio A0 en Quito, una experiencia formativa en el reputado despacho californiano Brooks + Scarpa Architects en Los Ángeles, y un período en Contract Workplaces dedicado al diseño de espacios de trabajo. Esa acumulación de escalas y geografías —la arquitectura paisajista de la costa oeste norteamericana, el rigor técnico milanés, la especificidad del contexto ecuatoriano— define una sensibilidad capaz de moverse entre referencias sin perder el hilo propio.

Nicolás López Ayoub

Nicolás López Ayoub estudió Arquitectura en la Universidad San Francisco de Quito, donde coincidió con Vivas, y amplió su formación con un máster en Diseño e Innovación de Producto en IED Spain en Madrid en 2019. Su recorrido profesional lo llevó a trabajar con Teresa Sapey + Partners en Madrid, firma conocida por su aproximación cromática y sensorial a los interiores de gran escala, antes de incorporarse plenamente a Nicolas&Nicolas en 2020 desde Barcelona. Su trayectoria independiente, que incluye proyectos de interiorismo en Madrid, Valencia y Quito —entre ellos la transformación de una casa colonial en hotel boutique en el centro histórico de la capital ecuatoriana— revela una arquitectura interesada en la atmósfera y la narrativa del lugar. Desde Barcelona, donde también colabora con 118 Studio, López Ayoub actúa como puente entre la práctica latinoamericana del estudio y el contexto europeo.

El proyecto comenzó antes de colocar la primera piedra. La deconstrucción de la vivienda existente se abordó como una operación de recuperación: los materiales se separaron y clasificaron para reintegrarlos en otros ciclos constructivos, reduciendo desde el primer momento la generación de residuos. Ese gesto inicial establece la ética que guía toda la obra: el recurso —material, energético, económico— como bien que se administra, no como variable que se optimiza al final.

La casa resultante ocupa 115 m² distribuidos en dos plantas. En la baja, el espacio doméstico se condensa en una sola estancia continua —cocina, estar y comedor— que se abre al patio trasero. El lugar que en otras casas de este tipo ocuparía el coche pasa a convertirse en un recibidor con aparcamiento para bicicletas, lavadero y almacenamiento: una decisión de programa tan pequeña como reveladora de las prioridades de sus habitantes. En el centro de la vivienda, un baño y una escalera completamente abierta organizan la conexión visual y lumínica entre las dos plantas. En la primera se sitúan el dormitorio, un estudio y un baño orientado hacia el hueco de la escalera. Lo necesario, nada más.

La estructura es sistema y acabado

La estructura es al mismo tiempo sistema y acabado. La planta primera se concibe como una caja de madera contralaminada (CLT) que apoya sobre las medianeras existentes; las cubiertas de la planta baja se resuelven con vigas y entablados de madera que trabajan entre esa caja y las fachadas inferiores. La decisión de prescindir de falsos techos y revestimientos añadidos deja a la vista la lógica constructiva: la madera estructura, cierra y da carácter al interior. En la planta baja, la cerámica de El Bruc en el pavimento y el ladrillo del Segrià en los muros aportan masa térmica y frescor, conformando una paleta de materiales que regula activamente la temperatura y la humedad de la vivienda. El aislamiento es de fibra de madera; las fachadas exteriores, de paneles de corcho. Todos los materiales son argumentados, no decorativos.

Estrategias bioclimáticas

La vivienda funciona sin sistemas de climatización mecánica. Esta decisión, que podría leerse como una renuncia, es en realidad la consecuencia de un trabajo riguroso sobre la envolvente y el comportamiento bioclimático. En verano, la ventilación cruzada se refuerza con el efecto chimenea de las ventanas de cubierta, que permiten purgar el calor acumulado durante la noche. Las persianas alicantinas y los ventiladores garantizan el confort diurno. En el patio, una pérgola y vegetación generan sombra y mitigan el efecto isla de calor. En invierno, la orientación y el aislamiento retienen cada ganancia solar. El resultado, avalado por una calificación energética A, habla por sí solo: 21,80 kWh/m²·año de energía primaria no renovable y una demanda de refrigeración de apenas 0,10 kWh/m²·año.

Una historia respetada y renovada

La fachada a la calle se restaura recuperando la fisonomía original de la vivienda. La casa se inserta en el tejido urbano con la continuidad de una historia respetada y renovada. Esa discreción exterior contrasta con la densidad de decisiones que la sostienen: un proyecto donde cada elección material, orientación y programa, responde a una misma idea de habitabilidad entendida como suficiencia.

Veinte palmos: la medida no es una limitación, es la escala exacta en que esta pareja eligió vivir.

Proyecto: 130AUS.
Tipología: Obra nueva de vivienda entre medianeras.
Ubicación: Sabadell, Barcelona.
Superficie: 115 m².
Terminado: 2024.
Autor: Vallribera Noray Arquitectes.
Arquitectos: Aleix Gil Noray, Alba Robles Ezquerro, Llorenç Vallribera Farriol.
Colaboradores: Josep Maria Fosalba (Oftècnics), consultor energético y
arquitecto técnico; Míriam Molina (MVA), consultora de estructuras; Pol Miret (Recursos Urbans), consultor de reutilización.
Fotografía: Marta Vidal.
Consumo de energía primaria no renovable: 21,80 kWh/m²·año
Emisiones totales de CO₂: 4,10 kgCO₂/m²·año.
Demanda de calefacción: 7,40 kWh/m²·año.
Demanda de refrigeración: 0,10 kWh/m²·año.
Calificación energética: A.

Vallribera Noray Arquitectes

Hay estudios de arquitectura que nacen de una vocación técnica y otros que brotan de un profundo deseo de acompañar vidas. Vallribera Noray Arquitectes pertenece claramente a esta segunda estirpe: la de quienes entienden que una casa no es un objeto, sino un refugio emocional; que un proyecto no es un ejercicio de estilo, sino una oportunidad para que las personas vivan más felices. Ver biografía completa.

El proyecto lo realiza Twobo para una pareja con dos hijos que quería vivir con el exterior como parte activa de la vida cotidiana y volver a Matadepera, un pueblo con el que mantenían un vínculo desde la infancia.

Twobo —estudio fundado por María Pancorbo, Alberto Twose y Pablo Twose— comenzó el proyecto desde la escucha atenta al terreno. La parcela tiene una topografía pronunciada, con zonas de sombra húmeda bajo encinas y robles, y aperturas al paisaje y al sol de poniente. La tierra es roja, como la roca que domina el horizonte. Esa condición cromática y geológica es la materia del proyecto, que los arquitectos deciden darle un protagonismo total.

Dos volúmenes entre encinas

La respuesta formal es rotunda: fragmentar para fundirse. La casa se divide en dos volúmenes que se adaptan a las curvas de nivel y abrazan entre ellos un pequeño bosque de encinas. Uno aloja la vida en común —los espacios abiertos, orientados a las vistas y al sol de la tarde—; el otro recoge la intimidad de los dormitorios, organizada alrededor de un patio. La separación entre ambos cuerpos es una decisión de implantación: al fragmentarse, la casa pierde escala, se ajusta al perfil de la ladera y permite que el bosque penetre en el centro de la vida doméstica. Los arquitectos invocan la casa experimental de Muuratsalo, donde Alvar Aalto ensayó volúmenes autónomos sobre topografía rocosa: «la fragmentación puede ser una forma de desaparecer, y de unir arquitectura y naturaleza».

Los muros emergen del propio terreno siguiendo las curvas de nivel. El propio proceso del dibujo lo hacía evidente: «al trazarlos parecía que los desenterrábamos directamente de la tierra, como ruinas que siempre hubieran estado allí», comentan los arquitectos. Sobre ellos se elevan las bóvedas de hormigón que resguardan el espacio interior. La sección es tan directa como expresiva: muro que surge, bóveda que cubre, pavimento que prolonga el suelo exterior. La casa se entierra parcialmente, gana inercia térmica y reduce su presencia sobre el paisaje.

Hormigón pigmentado en tono rojizo

El material central es el hormigón pigmentado en tono rojizo, sistema constructivo y acabado definitivo. La huella del encofrado permanece visible en las superficies. Junto al hormigón, mortero de cal y rasillas cerámicas completan una paleta que dialoga con los tonos del terreno. Las bóvedas de volta catalana definen los espacios principales —sala de estar, comedor, cocina— y construyen una continuidad interior casi sin interrupciones. El rojo terroso del interior tensiona el verde intenso del exterior, que entra por los ventanales con una fuerza que el contraste cromático convierte en presencia física.

La relación con el lugar se vuelve literal en el patio en el que los arquitectos deciden conservar la roca que permanece anclada a la geometría de la casa. Es un gesto menor, pero revela la actitud del proyecto: el terreno con sus irregularidades y sus accidentes es el interlocutor real. La vegetación exterior da continuidad a una casa que se construye para fundirse con el lugar.

Un lugar donde vivir de otra manera

Casa Sota la Mola pertenece a una línea de trabajo en la que Twobo lleva años profundizando: la de una arquitectura que encuentra su forma a partir del lugar, antes que a partir de una imagen previa. En Matadepera esa posición es casi literal. La montaña estaba allí. La tierra era roja. El bosque de encinas ocupaba el centro de la parcela. La arquitectura encontró el modo de habitarlo sin perturbarlo, y en ese acto de escucha hay algo que va más allá de la técnica: una ética de la presencia que, en el mejor sentido, hace de esta casa un lugar donde vivir de otra manera.

Proyecto: Casa Sota la Mola.
Tipo: vivienda unifamiliar.
Ubicación: Matadepera, Barcelona
Superficie: 250 m².
Terminado: 2025
Arquitectura: Twobo.
Fotografía: José Hevia.
Colaboradores: Claudia Canalda, Sara Alves, Javi Comadrán, Víctor Díaz-Asensio, Ourania Chamilaki.
Constructora: Prismatic 360 + Coterm (instalaciones).
Mobiliario: Bivaq.
Fuente: Twobo.

Twobo Arquitectura

Twobo Arquitectura es un estudio de arquitectura con sede en Barcelona, fundado por los arquitectos Pablo Twose, María Pancorbo y Alberto Twose. Desde sus inicios, hace más de 15 años,  el estudio ha centrado su práctica en proyectos de vivienda y en arquitecturas de escala doméstica, entendidas como espacios donde se condensan las decisiones esenciales del habitar contemporáneo.

El trabajo de Twobo se caracteriza por una aproximación rigurosa al contexto físico y climático, donde la orientación, la topografía y las condiciones ambientales forman parte activa del proyecto desde sus primeras fases. La arquitectura se construye a partir de geometrías claras y sistemas espaciales precisos, en los que cada elemento responde a una lógica funcional y constructiva reconocible. No hay gestos superfluos: la forma es siempre consecuencia de un proceso creativo, que trabajan de forma artesana, buscando una aparente sencillez que se adapta a cada cliente. ver biografía completa.

Castelló trabaja desde Formentera con una coherencia intelectual y una fidelidad al territorio que lo sitúan en la estela de aquella tradición que Álvaro Siza consolidó en Portugal: la que entiende la arquitectura como escucha antes que como imposición, la que convierte el acto de construir en un gesto de continuidad con la memoria del lugar. Sus obras —y Ses Clotades es su expresión más madura hasta la fecha— tienen esa cualidad de las cosas que siempre estuvieron ahí, aunque acaben de ser construidas.

Un paisaje modelado por hondonadas

Ses Clotades da nombre a una zona del istmo que une La Mola con el resto del territorio de Formentera, un umbral geográfico de singular carácter. Castelló lo describe con una precisión que merece citarse: es «una topografía cambiante, un juego de subidas y bajadas, fruto de la lenta consolidación de un vasto sistema dunar hoy en gran parte colonizado por una importante masa boscosa». En ese umbral entre el pinar y los campos de cultivo —un paisaje modelado por hondonadas que se hunden entre pequeñas colinas de arena— la vivienda surge adoptando el lenguaje de su entorno.

La implantación responde con «un diálogo de contrarios: adición y sustracción, ascenso y descenso, solidez y permeabilidad, luz y sombra». Sobre un podio de hormigón descansan tres volúmenes: dos cuerpos de diferente altura que albergan los espacios de la vivienda, y un tercero que se incrusta en la tierra para convertirse en agua. La piscina, así, forma parte de la lógica tectónica del conjunto, enterrada y reflectante, como un espejo del paisaje invertido.

Volumetría y programa

El volumen de mayor altura se esconde entre los pinos más cercanos, aligerado por una constelación de patios que lo erosionan y lo vuelven poroso. Es un volumen habitado por los vacíos. Contiene una unidad habitacional completa y autónoma —capaz de funcionar independientemente cuando la casa la habita una sola persona o una pareja—, con estancia diáfana en planta baja, dormitorio principal en la primera planta, y solárium-mirador en la cubierta, desde donde se abren visuales profundas hacia el sur de Ibiza y la silueta de La Mola.

El volumen más pequeño, compacto y opaco, funciona de manera complementaria: alberga tres habitaciones dobles en suite y un baño de cortesía. La separación física entre ambos cuerpos permite una gestión independiente de la privacidad según la ocupación, una disposición que evidencia la inteligencia programática del proyecto. Entre ambos volúmenes, el nexo de unión actúa como rótula y vestíbulo: «una galería permeable que conecta los espacios más íntimos con el exterior y que muta su personalidad según las estaciones del año». En verano funciona como porche ventilado; en invierno, cerrada, como captador solar de efecto invernadero.

El nivel inferior —técnicamente un sótano, pero concebido con una ambición espacial completamente distinta— alberga la biblioteca, el gimnasio, las áreas de servicio y el aparcamiento. Los patios estratégicamente situados inundan de luz natural estas estancias y crean, en palabras del arquitecto, «atmósferas de silenciosa monumentalidad». Es una de las mayores audacias del proyecto: subvertir la condición oscura del sótano hasta convertirlo en uno de los espacios con mayor carga poética de la casa.

Sostenibilidad como ética

La estrategia ambiental de Ses Clotades merecería un análisis separado, pero su mayor virtud es que resulta indistinguible del proyecto mismo. Castelló lo enuncia con claridad: trasciende «la simple implementación de tecnología para convertirse en un manifiesto que atraviesa la estética a favor de la ética». En una isla con escasez hídrica estructural como Formentera, la gestión del agua de lluvia es un asunto de supervivencia histórica, y la vivienda recoge esa tradición con una cisterna de gran volumen en el sótano. Los patios reducen la demanda eléctrica al llevar luz natural a todos los niveles. La cubierta del volumen bajo integra captación fotovoltaica. La ventilación cruzada sustituye, tanto como es posible, la climatización activa.

Los materiales obedecen a la misma lógica: corcho natural proyectado y aglomerante de cal para el aislamiento de los muros de cerramiento —materiales de escasa huella ecológica que permiten que la vivienda transpire—, carpinterías y contraventanas en madera de iroko y pino, que envejecerán con la dignidad del paisaje circundante. La materialidad, como todo en este proyecto, es un ejercicio de coherencia y contención.

Arte, geometría y materia natural

La arquitectura de Ses Clotades ha convocado también la mirada de la artista Elena Vinyàrskaya, cuya intervención ha dotado a la casa de «una capa de domesticidad consciente». Vinyàrskaya ha actuado no solo como artista sino como curadora del set design: a través de una selección de obras propias, piezas de mobiliario de autor y objetos con historia, el interior abandona la condición de contenedor para convertirse en un escenario de texturas y significados. Los tejidos, la cerámica y el atrezo equilibran la pureza formal de la casa con la calidez necesaria para ser habitada.

El mobiliario responde al mismo principio: muchos elementos han sido diseñados a medida e integrados en la arquitectura —entre ellos la colección D12 para Diabla— y la sabiduría de los artesanos locales impregna cada detalle. El resultado es una obra donde «la precisión de la geometría y la imperfección de la materia natural conviven en un equilibrio silencioso» comenta el arquitecto.

Arraigo en Formentera

Marià Castelló lleva décadas construyendo una de las trayectorias más singulares y menos ruidosas de la arquitectura española contemporánea. Su arraigo en Formentera —isla pequeña, frágil, con una identidad cultural y paisajística de gran especificidad— ha producido una obra que difícilmente podría haberse generado desde otro lugar o desde otra actitud. Ses Clotades es, en ese sentido, una obra de madurez: la casa que solo puede construir quien ha aprendido a escuchar durante mucho tiempo.

Proyecto: Ses Clotades.
Ubicación: Formentera, España.
Superficie: 295 m².
Proyecto: 2016-2021. Obra: 2021-2025.
Arquitecto: Marià Castelló.
Dirección de obra: Lorena Ruzafa + Marià Castelló.
Arquitecto técnico: José Luis Velilla Lon.
Estructura: Ferran Juan.
Instalaciones: Alcoitech Climatización.
Equipo de diseño: Lorena Ruzafa, Marga Ferrer y Natàlia Castellà.
Constructor: Urbafor.
Art & Set Design: Elena Vinyàrskaya.
Fotografía: Marià Castelló.
Fuente: Marià Castelló

Marià Castelló

Fundado en 2002 en Formentera por Marià Castelló (Ibiza, 1976), su estudio opera como un taller de pequeño formato dedicado a arquitectura y paisaje, con una producción mesurada y un fuerte anclaje al territorio. Desde 2017, la arquitecta de Formentera Lorena Ruzafa Tur se incorpora al estudio, afianzando una práctica que trabaja con la luz mediterránea, los ritmos del lugar y una materialidad honesta que dialoga con la tradición insular.  

Castelló es arquitecto por la ETSAB (UPC) desde 2002 (con honores) y, ya desde sus inicios, su obra se ha difundido en publicaciones internacionales y se ha mostrado en la Bienal de Venecia (Pabellón Catalán, 2012). Entre los hitos tempranos figura el premio “Emerging Architect” en los VI Premios de Arquitectura de Ibiza y Formentera (2012), señales de una trayectoria atenta al patrimonio y el paisaje cultural de Formentera.  

La arquitectura del estudio explora el equilibrio entre lo telúrico y lo tectónico, lo pesado y lo ligero, lo artesanal y lo tecnológico; principios que se vuelven manifiesto en proyectos residenciales como Bosc d’en Pep Ferrer —donde la roca tallada convive con tres volúmenes de CLT en seco— y en Es Pou, una vivienda de escala contenida que se inserta con precisión en la retícula histórica de muros de piedra seca de la isla. Estas obras han sido ampliamente publicadas y premiadas.  

Además de vivienda y paisaje, el estudio ha desarrollado equipamientos como el Centre d’Esports Nàutics de Formentera, obra dirigida por Marià Castelló y Lorena Ruzafa, que reafirma un modo de proyectar atento al contexto físico y social del archipiélago.  

Desde 2019, Castelló y Ruzafa desarrollan el proyecto Fragments d’Arquitectura, un proyecto singular, que nos revela otra dimensión de su pensamiento creativo: piezas que no son edificios ni maquetas, sino evocaciones, memorias, poemas geométricos que nos acercan al corazón mismo de la arquitectura. Una invitación a mirar con inocencia, a detenernos en la belleza esencial de la forma, la materia y la luz. La serie ha sido presentada en exposición en 2025, y ha cristalizado en un extenso libro homónimo. La propuesta ha recibido una Honorable Mention en Architecture MasterPrize (Categoría Conceptual).  

El trabajo de Marià Castelló y Lorena Ruzafa mira a la isla como archivo vivo: cada proyecto es una lectura precisa del terreno, la luz, el viento y los oficios. La economía de recursos, la tectónica sobria y la continuidad con la memoria construida hacen de su arquitectura una práctica comprometida con la sostenibilidad y la belleza esencial del lugar.  

Durante siglos, la agricultura modeló estas laderas en plataformas horizontales —las feixes de la tradición catalana— que ordenan el terreno, retienen la tierra y orientan la mirada hacia el valle. Cuando Bouman afronta el encargo, asume esa geografía preexistente como el punto de partida del proyecto. El solar se organiza en una secuencia de terrazas escalonadas, cada una con su propio uso: el huerto, la piscina, el aparcamiento, la terraza de estancia. La casa ocupa la plataforma superior, la de mayor amplitud y las mejores vistas. Desde ahí, el valle se abre en toda su extensión. La implantación prolonga el orden que el paisaje ya tenía.

Forma y comportamiento energético

Bouman diseña una planta cuadrada. Una decisión que en otro contexto podría parecer arbitraria aquí tiene su justificación: la compacidad reduce la superficie de envolvente en relación al volumen habitable, y eso repercute directamente en el comportamiento energético del edificio. La cubierta a dos aguas completa esa lógica: adapta el volumen a la pendiente del terreno, reduce su presencia visual en el paisaje y organiza la sección interior en dos niveles que permiten habitar el espacio bajo cubierta con plena dignidad.

En el interior, el espacio central y transversal actúa como columna vertebral de la casa: recibidor, cocina, sala y comedor se suceden sin tabiques que los separen, formando una banda continua que conecta las dos fachadas principales. Las cuatro esquinas acogen los dormitorios; el baño y el lavadero se sitúan en los laterales. La distribución es generosa sin ser excesiva; cada estancia tiene el lugar adecuado.

Estándares de consumo casi nulo

El rendimiento energético de la casa resulta de la suma de decisiones que se refuerzan mutuamente. El aislamiento es reforzado en toda la envolvente. La aerotermia resuelve tanto la climatización como la producción de agua caliente sanitaria. La forma compacta minimiza los puentes térmicos y reduce las pérdidas por transmisión. El conjunto se aproxima a los estándares de consumo casi nulo sin recurrir a certificaciones que, en este caso, no son el objetivo: más allá de un etiqueta, la eficiencia es aquí una consecuencia del rigor proyectual.

La Casa Boratuna fue seleccionada en los Premis d’Arquitectura de Girona 2025, reconocimiento que confirma la solidez de una propuesta que resuelve con eficacia y sensibilidad un programa doméstico exigente en un entorno de gran valor paisajístico.

Proyecto: Casa Boratuna.
Tipología: vivienda unifamiliar aislada.
Ubicación: Vall del Llémena, Girona.
Terminado: 2024.
Arquitecto: Victor Bouman.
Colaboradores: RSC Arquitectura, Construccions Marc i Jou, ELKE Windows, Fustech, Rajoleria Quintana, Piscines Blanes.
Fotografía: Pol Viladoms.
Reconocimientos: obra seleccionada, Premis d’Arquitectura de Girona 2025.
Fuente: Bouman Arquitectura.

Victor Bouman

Victor Bouman pertenece a esa generación de arquitectos que han hecho de la sencillez una forma de precisión y del paisaje su principal aliado. Arquitecto por la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona (ETSAB, 2016), su trabajo se despliega hoy entre Girona y la Costa Brava, donde firma viviendas silenciosas, compactas y profundamente atentas al clima y a la vida real de quienes las habitan.

En 2020 funda Bouman Arquitectura, un estudio con sede en Girona y Llançà (Costa Brava) que se reconoce, ante todo, por una manera de trabajar serena, directa y honesta. Desde estas dos bases, urbanas y a la vez muy próximas al territorio, el estudio acompaña a clientes particulares y promotores en proyectos de obra nueva, rehabilitación, interiorismo, retail y paisajismo, con un hilo conductor: crear espacios fáciles de vivir, tranquilos y sostenibles, donde la arquitectura no se imponga sobre la vida sino que la sostenga con discreción. Ver biografía completa.

La ciudad creció a la sombra del monasterio de Sant Esteve, fundado en el siglo IX, y durante siglos vivió de la agricultura y del agua. Las calles del centro histórico conservan ese estilo medieval inconfundible, fachadas donde el tiempo ha dejado su marca sin que nadie se haya apresurado a borrarla. Banyoles tiene la calidad silenciosa de los lugares que no han necesitado reinventarse, que han seguido siendo lo que eran mientras el mundo se aceleraba a su alrededor.

Es en esta ciudad singular donde trabaja la interiorista Maite Prats, y es difícil no ver en su manera de entender el espacio, una resonancia con el entorno que la rodea. Aquí se encuentra la casa objeto de este proyecto,  una de esas casas que no se dejan borrar, que tienen una manera de estar en el mundo, una proporción, una relación con la calle, una forma de recibir la luz de la mañana, que resiste cualquier intento de sustitución. Construida en 1929, conservaba intacta una manera de habitar que la interiorista ha respetado. El nombre elegido para el proyecto lo dice todo: Palimpsest, manuscrito sobre el que se escribe de nuevo sin borrar del todo lo anterior, la nueva escritura convive con las huellas de la antigua, y esa convivencia es precisamente lo que le otorga carácter.

La casa original

La intervención se desarrolla en dos volúmenes diferenciados. La casa original acoge la vida compartida: cocina, comedor, sala de estar, los espacios de tránsito y un altillo de descanso que aprovecha la altura de la cubierta. En este volumen, la actuación consiste sobre todo en recuperar. Se restituyen aperturas y proporciones, se liberan espacios que la acumulación del tiempo había comprimido. En la sala principal, la decisión más radical es también la más elocuente. Se elimina el techo de cañizo para dejar vista la estructura original, la cercha de madera que durante décadas había permanecido oculta. La sección se convierte así en el espacio, y la altura recuperada multiplica la entrada de luz y transforma la percepción del volumen.

La ampliación

La ampliación, un nuevo edificio destinado a zona de noche y espacios de servicio, se aproxima a la casa histórica con la prudencia de quien sabe que no todo encuentro debe ser un abrazo. Entre las dos piezas permanece una distancia, un espacio que permite leer cada volumen con independencia, entender qué es lo que estaba y qué es lo que ha llegado. El nuevo cuerpo no imita el lenguaje de la casa original ni compite con su ornamentación historicista, las bolas de piedra sobre los pináculos, las molduras de las ventanas, el revoco trabajado, sino que adopta un registro propio, silencioso y material: hormigón encofrado con una modulación que reproduce el ritmo del pavimento interior, carpinterías de acero lacado, contraventanas de madera que regulan la relación entre interior y exterior.

El jardín, corazón del proyecto

El jardín es el corazón del proyecto. Es él quien vertebra la secuencia entre los dos edificios, quien establece el recorrido y da sentido a la diferencia de niveles existente. Ese desnivel, lejos de ser un problema, se convierte en el instrumento que permite abrir espacios semienterrados con luz controlada, conectar niveles mediante pasarelas y porches, hacer visible en cada desplazamiento la relación entre lo heredado y lo incorporado. Una balsa-piscina revestida con piedra natural de tono verde —el mismo verde del agua que habita el lago— se integra entre la vegetación hasta disolver el límite entre arquitectura y paisaje. Una pequeña construcción preexistente en el patio se mantiene y se transforma en un comedor, con mobiliario de bambú y una gran puerta en arco que, cuando está abierta, convierte el exterior en interior de forma natural.

Materialidad precisa y coherente

En el interior, la materialidad es precisa y coherente. El pavimento de roble recorre la planta principal estableciendo una continuidad que une cocina, comedor y sala de estar; el hormigón pulido aparece en las zonas más vinculadas al suelo y al jardín. En los baños, la baldosa blanca y el zócalo de piedra construyen una atmósfera limpia y permanente. El mobiliario de cocina se diseña específicamente para la geometría del espacio, sin pretender protagonismo. En el altillo —ese espacio secreto bajo la cercha, con sus dos camas bajas, sus pilas de libros y sus cuerdas de cáñamo como única baranda—, la informalidad es completamente deliberada: un lugar para habitar de otra manera, con otra escala y otra temporalidad.

Palimpsest es un proyecto que confía en la inteligencia del tiempo. Añade capas porque la forma de habitar actual lo pedía, pero no borra huellas por pudor ni las exhibe por nostalgia. Lo que queda, al final, es una arquitectura que sabe dónde está, que conoce su historia y que ha decidido, con precisión y sin florituras, cómo continuar escribiéndola.

Proyecto: Palimpsest.
Ubicación: Banyoles, Girona.
Superficie: 294 m².
Terminado: 2025.
Autoría: Estudi Maite Prats Arquitectura Interior — Maite Prats, interiorista.
Colaboradores: Mariana Colmenero, arquitecta; Guillermo Corsunsky, arquitecto; Aurora Gavaldà, arquitecta.
Fotografía: Marc Torra / Fragments.
Fuente: Estudi Maite Prats.

Maite Prats

Maite Prats trabaja desde Banyoles, en el corazón de la Cataluña interior, con una práctica que ha ido construyendo pacientemente, desde esta ciudad tan singular que, sin duda, le ha influido en la manera de entender los espacios. Formada como interiorista en el DIAC de Barcelona, cursó un Máster en Arquitectura Efímera en Elisaba. Fundó su estudio en 2009 y desde entonces lo lidera como Directora Creativa, junto a los arquitectos Mariana Colmenero, Guillermo Corsunsky y Aurora Gavaldà.

Cada proyecto comienza con una lectura atenta del lugar: sus proporciones, su luz, su historia. A partir de esa lectura, Prats trabaja desde la reducción —eliminando lo superfluo para llegar a lo esencial— con la convicción de que las decisiones más significativas son también las más contenidas. La luz natural es un elemento que estructura, define atmósferas, articula la profundidad de los materiales y da medida al tiempo. Los materiales, por su parte, se eligen por su honestidad y permanencia, por su capacidad de envejecer con dignidad y de establecer una relación sincera con quien habita el espacio.

Prats persigue espacios coherentes: lugares donde la calma y la claridad son condiciones de habitabilidad. Esa orientación ética es reconocible en toda su obra, desde las intervenciones residenciales hasta los proyectos comerciales y de hostelería que forman parte de su trayectoria.

El estudio acumula una larga serie de reconocimientos en la Bienal de Diseño de Interiores de Girona, donde ha obtenido premios en ediciones sucesivas desde 1997 hasta 2024, así como menciones en los Premios Coac de Girona y finalista en los Premios FAD de Interiorismo en 2018. En 2008, su trabajo fue incluido en la publicación Minimalisme, la sobrietat en la Arquitectura, un título que podría funcionar como síntesis involuntaria de su propio método.

Los pueblos de la comarca —Hoyos, Gata, Robledillo de Gata, Villasbuenas, San Martín de Trevejo— conservan un tejido urbano de origen medieval prácticamente intacto, con casas de granito y madera de castaño, con soportales y una relación con la topografía que hoy cualquier arquitecto envidiaría. San Martín de Trevejo es quizá el caso más conocido, con sus calles empedradas y la presencia del fala, una lengua romance minoritaria emparentada con el gallego-portugués que todavía se habla en algunos pueblos de la comarca. Ese dato lingüístico dice mucho sobre el aislamiento que ha preservado el lugar. La Sierra de Gata no ha vivido el turismo masivo ni la segunda residencia que ha transformado otras sierras españolas. Eso tiene un precio económico para sus habitantes, pero ha mantenido intacta una forma de construir y de relacionarse con el paisaje que en otras comarcas se perdió hace décadas.

Aquí, en Sierra de Gata, se encontraba esta construcción mirando al valle, sin que nadie le prestara atención. Un antiguo establo para ovejas con muros de piedra irregular apilada con argamasa de tierra, cubierta de teja árabe, proporciones austeras dictadas por el uso y el clima, sin más retórica que la del trabajo. Ábaton lo encontró así, lo reconoció como lo que era —una pieza de arquitectura vernácula con carácter propio— y decidió que la rehabilitación comenzara por el respeto.

El estudio madrileño lleva tiempo desarrollando una forma de entender la intervención sobre lo preexistente que no se agota en el rescate material. Más allá de conservar la piedra o reutilizar la teja, se trata de tomar partido por la lógica constructiva del lugar, de aceptar que los que construyeron el establo sabían exactamente lo que hacían cuando lo situaron en aquel altozano con vistas sobre el robledal, cuando eligieron la orientación o determinaron el grosor de los muros. La rehabilitación de la Finca del Encinar parte de ese reconocimiento: la posición es correcta, la estructura tiene sentido, los materiales existen en el territorio. Lo que cambia es el habitante y, con él, la relación entre el interior y el exterior.

La mayor transformación estructural fue la apertura. El establo era, como todos los de su tipo, una construcción oscura y recogida sobre sí misma: la luz y el calor permanecían dentro, la naturaleza quedaba afuera. Ábaton invirtió ese orden.

Desde la zona de comedor, la apertura hacia la terraza y la piscina desvanece cualquier límite entre el espacio habitado y el paisaje; al fondo, las crestas de la sierra ocupan el horizonte con la misma naturalidad que los objetos sobre la mesa. En los dormitorios, ventanas rasantes enmarcan el robledal desde la cama. El exterior no es aquí la vista, es el argumento.

Para alojar el programa de una vivienda unifamiliar —tres dormitorios con baños propios, zona común integrada, dormitorio y baño principal— sin violentar la volumetría original, el proyecto añadió una segunda planta encajada en uno de los volúmenes. Esta adición eleva el dormitorio y el baño principales sobre el resto, separándolos física y visualmente, y les ofrece las mejores perspectivas sobre la sierra. La ampliación respeta la escala del conjunto, sigue la pendiente del tejado, mantiene la misma lógica material y desaparece entre los volúmenes existentes cuando se contempla desde el prado.

La zona común —comedor, salón y cocina— ocupa uno de los volúmenes originales como una sala única, completamente abierta al exterior a través de grandes hojas correderas. Una chimenea exenta de cuerpo blanco organiza la transición entre los ambientes sin levantar particiones. La cocina, al fondo, retiene el carácter más doméstico del conjunto: encimeras de piedra, muebles de madera recuperada, pared trasera de mampostería vista, una cocina de color rojo lacado que introduce una nota de color vigorosa entre tanta piedra caliza. Los lavabos de granito tallado —tanto en los baños de los dormitorios laterales como en el principal— son piezas directamente sacadas de la cantera local, sin más transformación que la necesaria. El material no se disfraza.

El recibidor es el espacio donde el diálogo con la historia se hace más explícito: la piedra original con tierra de la zona permanece visible en la parte inferior del muro, mientras los paramentos superiores aparecen blanqueados con el acabado que el estudio considera propio de su arquitectura. La escalera que sube a la segunda planta resuelve ese mismo cruce con elegancia técnica: el podio es de ladrillo visto —recuperado, rugoso, cargado de tiempo—, pero los peldaños son láminas delgadas de chapa metálica que ascienden sin masa, casi sin tocar. Conviven rusticidad y contemporaneidad.

Los baños continúan esa conversación entre materiales. En el principal, la mampara desaparece y el volumen del baño se integra en el espacio general del dormitorio: encimera de travertino, muro de piedra vista, techo inclinado de madera. Otros cuartos de baño optan por el gresite verde aceituna que recubre bañera y paredes de ducha, un color que recoge el monte que se ve por la ventana. En otro, el lavabo es un bloque de granito rosa excavado, el mismo granito que aparece en las construcciones más antiguas de la comarca. El baño como prolongación geológica del lugar.

Eficiencia energética y sostenibilidad

El compromiso con la eficiencia energética se abordó con la misma discreción: aislamiento térmico integrado en la envolvente y paneles fotovoltaicos para cubrir el consumo, sin que ninguna de estas decisiones altere la lectura exterior del edificio. La sostenibilidad aquí forma parte de la ética de una intervención que decide no construir más allá de lo necesario.

La decoración y el amueblamiento prolongan el tono del proyecto: piezas de artesanía y diseño contemporáneo conviven con muebles antiguos recuperados, alfombras kilim, textiles de lino y esparto. El azul desvaído de un aparador antiguo contra la piedra vista del comedor; la mesa de madera maciza con sillas de caña y esparto; la mesita de centro pintada de verde en el salón, envejecida hasta hacer olvidar cuándo fue nueva. La casa funciona como un refugio que ha acumulado objetos con lentitud, sin prisa decorativa, y eso es exactamente lo que parece.

Llegar a la Finca del Encinar es llegar a un territorio donde la arquitectura todavía tiene memoria. El encinar que rodea la finca es un ecosistema que llevaba siglos antes que el establo y seguirá cuando la intervención de Ábaton haya adquirido también la pátina que le falta.

Proyecto: Finca del Encinar
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Ubicación: Sierra de Gata. Cáceres.

Terminado: 
2024.
Arquitectura e Interiorismo: Ábaton
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Fotografía: 
Derek Pedrós.
Fuente: Ábaton.

Ábaton

Desde su fundación en 1998, Ábaton se ha consolidado como uno de los estudios de arquitectura más influyentes de España. Su obra, reconocida por su honestidad formal y su profundidad conceptual, nace de una filosofía clara: eliminar lo superfluo para alcanzar lo esencial. Para Ábaton, la arquitectura no es solo una cuestión de espacio, sino una forma de conversación íntima con uno mismo, con los demás y con la naturaleza.
Ver biografía completa.

El encargo recibido era transformar el edificio sin traicionar su carácter. El cliente buscaba algo que podría definirse como un loft rural: un espacio luminoso, de distribución generosa, desde el que sus habitantes pudieran relacionarse con el entorno y disfrutar de las vistas largas hacia la llanura ampurdanesa.

La respuesta de los arquitectos fue tomar los materiales y elementos constructivos originales como punto de partida y guía del proyecto. La fachada sur, con sus dos grandes aberturas semicirculares en ladrillo artesanal —diseñadas originalmente para dejar entrar la luz del sur y secar la paja almacenada en las plantas superiores— y la robusta fachada norte de piedra con sus cincuenta centímetros de espesor se convirtieron así en los elementos fundacionales de la intervención.

El patio interior, corazón de la vivienda

La operación más significativa del proyecto es la creación de un patio en el interior del edificio, al otro lado de la puerta de entrada de madera original. Este vacío —que recupera simbólicamente el espacio que antaño albergaba la maquinaria agrícola— resuelve el problema de la luz y la ventilación en una planta baja sin apenas aberturas, y facilita al mismo tiempo toda la organización de la vivienda: a su izquierda, sala de estar, cocina y comedor; a su derecha, un área de trabajo polivalente. Las puertas acristaladas plegables de ambos espacios pueden abrirse completamente hacia el patio, disolviendo la frontera entre interior y exterior y convirtiendo la planta baja en una sucesión fluida de estancias conectadas. En el centro, la escalera ocupa un espacio de doble altura que comparte protagonismo con el patio como corazón estructural y lumínico de la casa.

Protagonismo de la piedra en el interior

El muro de piedra norte, conservado íntegramente y aislado térmicamente por el exterior, pasa de ser piel del edificio a ser materia de los interiores. Para que su presencia se desplegara en toda su anchura y altura, el forjado de la planta primera no cubre la totalidad del edificio, permitiendo que la zona de cocina comedor se eleve hasta la cubierta en un espacio de doble altura que establece conexiones visuales entre ambas plantas dejando a la vista ese muro de piedra irregular, vivo, cargado de historia.

En esta zona, el muro medianero de ladrillo que deja ver las vigas de hormigón pretensado también se conserva, haciendo legibles las distintas épocas y capas constructivas que conviven en el edificio. Los materiales originales —piedra, ladrillo, madera— aportan textura y densidad histórica; los nuevos —baldosas cerámicas en los suelos, roble en las carpinterías, metal lacado en blanco, yeso, revoco de tierra y madera de álamo en la cocina— responden con superficies más lisas, colores pastel y una contemporaneidad que no compite con lo preexistente sino que lo enmarca y lo pone en valor. Hasta la viga de madera original de la cubierta encuentra una nueva vida, reutilizada como banco en el espacio de entrada.

Los arcos semicirculares determinan la geometría de la casa

El arco semicircular, presente desde el origen en la fachada sur y en los dos arcos estructurales interiores, se convierte en el leitmotiv de toda la intervención. Al introducir el forjado intermedio, los grandes arcos de la fachada quedaron ocultos desde la planta baja, visibles solo desde los dormitorios superiores y desde el exterior. Los arquitectos decidieron entonces reintroducir ese lenguaje en el interior: nuevos arcos semicirculares separan la cocina comedor del salón, y un elemento de un cuarto de círculo permite la transición entre la escalera y la zona de cocina, incorporando al mismo tiempo un nuevo pilar estructural. Ambos gestos —el arco y la curva— se presentan como piezas escultóricas dentro de la vivienda, objetos que condensan la memoria formal del edificio y la proyectan hacia sus nuevos espacios.

El resultado es una casa que encuentra su propio ritmo entre la recogida escala de las estancias más íntimas, propias de la arquitectura rural catalana, y la generosidad expansiva del patio y las dobles alturas: un juego de materiales, geometrías, luz y tiempo que permite habitar el pasado con toda la comodidad del presente.

Proyecto: Can Gori.
Ubicación: Peralada, Alt Empordà, Girona.
Conversión de granero en vivienda familiar.
Superficie: 150 m².
Finalización: 2023.
Arquitectos: Paola Bagna & Jonas Labbé.
Arquitecta técnica: Imma Ferrer.
Estructura: Codi Estudi.
Instalaciones: Enclos.
Carpintero: Sayo.
Constructor: Construccions Godó.
Fotografía: Arnau Rovira Vidal.
Fuente: Paola Bagna.

Paola Bagna

Nacida en Empuriabrava, en el litoral del Alt Empordà, Paola Bagna se formó como arquitecta en dos de las escuelas que mejor definen su manera de entender la disciplina: la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona y la Technische Universität de Berlín. Una doble formación que anticipa lo que será una carrera marcada por el movimiento, el cruce de culturas y la capacidad de adaptarse a entornos construidos muy distintos entre sí.

Con más de quince años de trayectoria profesional, Bagna ha desarrollado proyectos residenciales privados y espacios comerciales en Londres, Barcelona, París, Berlín y Abidjan. Una geografía dispersa que da forma a su modelo de trabajo, al que ella misma define como un «nomadismo a la orden del día»: en lugar de una oficina fija, una red de colaboradores y espacios compartidos en Cataluña y Berlín desde los que dirige cada proyecto con la misma atención e implicación que si estuviera en un único lugar. Es bajo este esquema que opera Paola Bagna Architect, su estudio internacional, una estructura ligera y eficaz pensada para responder con agilidad a encargos en distintos países y contextos.

El trabajo del estudio parte siempre de una premisa esencial: escuchar. Antes de cualquier trabajo formal, Bagna dedica tiempo a comprender qué desea el cliente y a medir con cuidado el espacio que va a intervenir. A partir de ese conocimiento preciso del lugar, desarrolla los primeros esbozos, trabaja en tres dimensiones y mantiene un diálogo continuado con quien le encarga el proyecto hasta afinar cada detalle. Esta metodología resulta especialmente significativa en proyectos de pequeña escala, donde, como ella subraya, «las propuestas dependen mucho de los centímetros de más o de menos de los que se dispone».

La tipología que más le fascina es la vivienda, y dentro de ella, la transformación de lo existente. Su arquitectura parte del respeto y la reinterpretación de lo que ya está construido, adaptándolo a nuevos usos y a nuevas formas de habitarlo. En este proceso, los materiales juegan un papel central: para Bagna, deben dialogar entre sí con naturalidad y nobleza, y sobre todo, deben tener la capacidad de envejecer bien, de ganar presencia con el tiempo y de acumular una «bonita pátina» con el uso. Esta sensibilidad hacia la materia la ha llevado a explorar la reutilización como práctica, rescatando piezas y elementos de unas obras para incorporarlos en otras, como ocurrió con el parquet de principios del siglo XX recuperado de un proyecto en París que acabó dando forma al mobiliario diseñado para Galatea Wine, una vinoteca en Berlín.

Un capítulo singular de su carrera transcurrió entre 2015 y 2017, cuando Bagna se instaló en Abidjan para liderar la rehabilitación de una casa de dos mil metros cuadrados construida en los años sesenta —obra del arquitecto Henri Chomette— con el objetivo de transformarla en un boutique hotel de dieciocho habitaciones. Aquella experiencia en Costa de Marfil, intensa y sin rutina, amplió su capacidad de trabajo en entornos constructivos complejos y consolidó una mirada abierta a la experimentación y al intercambio cultural, dimensión que también exploró a través de Electropique, un proyecto que ella misma organizó allí combinando música y arquitectura como forma de encuentro entre comunidades. Hoy, con base entre Empuriabrava y Berlín, y hablando cinco idiomas con fluidez, Paola Bagna sigue buscando en cada proyecto lo mismo: espacios que mejoren la vida de quienes los habitan, construidos con simplicidad, funcionalidad y una atención al detalle que nunca se da por supuesta.

Situada en el Serrat de la Cadalt, la intervención aborda la rehabilitación de una masía tradicional que había quedado abandonada con el paso del tiempo. Más que una transformación radical, el proyecto se plantea como un ejercicio de comprensión y de respeto hacia lo existente. La arquitectura se aproxima al edificio con una actitud casi arqueológica: entender primero la lógica del lugar, su tipología y su construcción, para intervenir únicamente allí donde resulta imprescindible.  

El resultado es una reinterpretación contemporánea de la tradición rural catalana. Se mantiene la volumetría original de la masía y su organización tipológica, respetando también la dimensión de los espacios existentes. Cada estancia se adapta al nuevo programa doméstico sin alterar el carácter del edificio, permitiendo que la arquitectura conserve su memoria material mientras acoge una nueva vida en su interior.  

La casa responde además a una historia personal. Sus nuevos habitantes, el diseñador británico Terence Woodgate y su pareja, decidieron abandonar su vida en Londres para comenzar una nueva etapa en el paisaje tranquilo de Girona. La vivienda se convierte así en el escenario de un cambio vital que refleja también una transformación más amplia en la manera contemporánea de habitar y trabajar: la posibilidad de desarrollar una actividad profesional desde cualquier lugar del mundo, en contacto directo con la naturaleza.  

La estructura histórica como punto de partida

La intervención parte del sistema constructivo tradicional de las masías gerundenses, caracterizado por muros portantes de piedra caliza construidos con mampostería irregular y mortero de cal aérea. Las esquinas y elementos estructurales se ejecutaban originalmente con sillares bien labrados que aportaban estabilidad al conjunto.

Tras la restauración de los muros de piedra, el proyecto incorpora una capa de aislamiento térmico de corcho que mejora el comportamiento energético del edificio. En el interior se introduce una segunda piel que aumenta la luminosidad, facilita el mantenimiento y permite integrar discretamente las instalaciones necesarias para el uso contemporáneo de la vivienda. El pavimento, también en piedra caliza, mantiene la continuidad material con la arquitectura original.  

El interior se concibe como un territorio intermedio entre arquitectura y diseño. Cada decisión busca la precisión: las tomas eléctricas se integran enrasadas con los paramentos, los encuentros entre elementos constructivos se resuelven en un único punto y el lenguaje espacial evita cualquier gesto superfluo. Se trata de un diálogo consciente entre lo existente y lo contemporáneo, donde la nueva intervención se reconoce permaneciendo la memoria del edificio.  

Espacios que reinterpretan la memoria rural

La organización interior se desarrolla en tres niveles que reinterpretan los usos tradicionales de la masía. En la planta de acceso se sitúan la cocina y el salón. La cocina incorpora la triple altura del torreón existente, convirtiéndose en el corazón vertical de la vivienda, mientras que el salón se abre hacia las vistas de la Sierra de la Cadalt.

En la planta superior se disponen dos dormitorios que aprovechan la configuración original de la estructura. Por su parte, el nivel inferior recupera el antiguo espacio destinado a los animales y lo transforma en una sala polivalente destinada a nuevos usos domésticos.  

Un volumen anexo que en su día albergaba herramientas agrícolas ha sido rehabilitado para convertirse en garaje. Sobre él se dispone un estudio desde el que Terence Woodgate desarrolla su trabajo como diseñador, integrando así la dimensión laboral dentro de la vida cotidiana del lugar.  

Una casa autosuficiente

Mas Cadalt es también una vivienda profundamente ligada a su territorio. La casa funciona de forma autosuficiente desde el punto de vista energético e hídrico gracias a la instalación de paneles fotovoltaicos con baterías y a un sistema de aljibes diseñado específicamente para la finca. Uno de ellos se transforma en una pequeña alberca donde refrescarse durante el verano.

El entorno agrícola que rodea la masía —casi 68 hectáreas de terreno— contribuye igualmente a la autosuficiencia de sus habitantes, produciendo alimentos suficientes para cubrir sus necesidades. La vivienda se integra así en una forma de vida que recupera una relación directa entre arquitectura, paisaje y producción.  

Restaurar una forma de habitar

En última instancia, el proyecto parece responder a una actitud silenciosa frente a la arquitectura. Como en los procesos creativos más depurados, el objetivo es permitir que el edificio encuentre nuevamente su equilibrio. Mas Cadalt se desarrolla desde la naturalidad de recomponer lo deteriorado y añadir únicamente aquello que faltaba. La arquitectura, casi invisible, permite que el lugar vuelva a hablar por sí mismo.

En Mas Cadalt, la arquitectura parece avanzar con la misma discreción con la que lo hacen los paisajes que la rodean. La intervención de Fran Silvestre Arquitectos busca recuperar el equilibrio entre materia, espacio y territorio que ya estaba latente en su construcción original.

Esa actitud recuerda a cierta tradición de la arquitectura ibérica —la que encontramos en la obra de Álvaro Siza o Eduardo Souto de Moura— donde intervenir sobre lo existente significa, ante todo, comprender profundamente el lugar. No se trata de borrar el pasado ni de reproducirlo literalmente, sino de permitir que continúe su historia desde el presente.

En Girona, entre bosques y campos cultivados, la antigua masía vuelve a formar parte del paisaje. La arquitectura se limita a recomponer lo necesario, a añadir con precisión aquello que faltaba. Y en ese gesto contenido, casi silencioso, se revela una idea esencial: que restaurar un edificio puede ser también una manera de restaurar una forma de habitar el mundo.

Proyecto: Mas Cadalt.

Ubicación: Canet d’Adri (Girona).

Construido: 385 m².
Parcela: 675.746 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Fran Silvestre Arquitectos.
Equipo de proyecto: Fran Silvestre, arquitecto de proyecto, María Masià, arquitecta colaboradora, Susana León, arquitecta colaboradora.
Diseño interior: Alfaro Hofmann.
Promotor: Terence Woodgate y Paula Woodgate.
Arquitecto técnico: Xavier Baldrich.
Estructuras: Windmill Structural Consultants.
Constructor: Construccions Costa Burch.
Business developer: Néstor Bolinches.
Fotografía: Fernando Guerra.
Vídeo: Jesús Orrico.
Fuente: Fran Silvestre Arquitectos.

Fran Silvestre

Nacido en Valencia en 1976, Fran Silvestre se ha consolidado como una de las figuras más reconocidas de la arquitectura española contemporánea. Arquitecto, diseñador y profesor, su trayectoria combina práctica profesional, investigación y docencia, tres ámbitos que en su caso forman parte de una misma manera de pensar la arquitectura como un ejercicio de precisión, sensibilidad y reflexión constante.

Se formó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde obtuvo el título de arquitecto con matrícula de honor. Durante sus años de formación se produjo un encuentro fundamental para su desarrollo intelectual: su colaboración con el arquitecto portugués Álvaro Siza, una de las figuras más influyentes de la arquitectura europea. Trabajar junto a Siza le permitió acercarse a una forma de entender el proyecto basada en la claridad conceptual, el rigor constructivo y una profunda atención a la relación entre arquitectura, lugar y experiencia humana.

De aquella etapa surgió una afinidad que ha marcado su pensamiento arquitectónico. Más que una influencia formal, la relación con el maestro portugués se traduce en una actitud disciplinar: la búsqueda de una arquitectura esencial, depurada hasta alcanzar una belleza serena donde cada decisión responde a una lógica espacial, técnica y constructiva.

Silvestre amplió posteriormente su formación con estudios de urbanismo en la Technische Universiteit Eindhoven, en los Países Bajos, y obtuvo el doctorado en la Universidad Politécnica de Valencia. A lo largo de su carrera ha desarrollado también una intensa actividad académica. Ha sido profesor de proyectos en la Universidad Politécnica de Valencia y dirige el programa de posgrado MArch Architecture and Design, un espacio docente en el que participan arquitectos de referencia internacional y donde se exploran nuevas formas de pensar la arquitectura contemporánea.

Fran Silvestre Arquitectos

El estudio Fran Silvestre Arquitectos fue fundado en Valencia en 2005. Desde entonces se ha consolidado como un estudio de arquitectura y diseño con una fuerte proyección internacional. El equipo está formado por arquitectos, diseñadores e ingenieros que trabajan de forma integrada en proyectos de distintas escalas y programas.

Desde su sede en Valencia, el estudio desarrolla proyectos residenciales, culturales y corporativos en numerosos países. Su arquitectura se distingue por una notable claridad formal y por una investigación constante en torno a la geometría, la luz y la materialidad. Volúmenes precisos, espacios silenciosos y una cuidada relación con el paisaje caracterizan una obra que busca la síntesis entre innovación tecnológica y serenidad espacial.

La práctica del estudio se desarrolla en torno a una idea que el propio Silvestre ha definido como “belleza eficaz”: una arquitectura capaz de unir rigor constructivo, pensamiento estructural y sensibilidad estética. Esta aproximación se apoya en un proceso de trabajo multidisciplinar donde especialistas en estructuras, instalaciones o diseño industrial colaboran desde las primeras fases del proyecto.

La sede del estudio ocupa además un lugar con una fuerte dimensión cultural: el antiguo taller del escultor Andreu Alfaro. Este espacio funciona hoy como oficina de arquitectura y también como lugar de investigación, docencia y encuentro entre arquitectos de distintas generaciones.

A lo largo de las últimas dos décadas, Fran Silvestre Arquitectos ha desarrollado una obra ampliamente publicada y reconocida internacionalmente. Sus proyectos —caracterizados por la precisión geométrica, el uso refinado de los materiales y una arquitectura que dialoga con el paisaje desde la serenidad— han situado al estudio entre los estudios españoles con mayor presencia global.