En ese territorio, en el término municipal de Manacor y junto al pequeño núcleo de Son Macià, el estudio Llorenç Brunet Arquitectes ha diseñado una vivienda unifamiliar ligada a una explotación agrícola. Es Rafal de Son Macià ocupa una parcela rústica de fuerte pendiente y 336 metros cuadrados entre planta baja y sótano. El nombre ya anuncia la vocación del proyecto. Se trata de una casa de campo vinculada a la tierra que la rodea, y no “colocada” sobre el paisaje.

Cuatro volúmenes sobre la pendiente

La primera decisión fue de emplazamiento. La casa se asienta en la parte más alta y amable del terreno y se hunde parcialmente en la topografía. Así reduce su presencia visual y se adapta a la ladera del terreno. El programa se reparte en cuatro volúmenes interconectados, ligeramente desplazados entre sí para seguir las curvas de nivel. Esa fragmentación evita el bloque longitudinal que una vivienda de esta superficie habría producido en una ladera abierta, y devuelve a la construcción la escala de las agrupaciones rurales de la isla, formadas por cuerpos sucesivos añadidos con el tiempo.

Cada volumen acoge un uso diferenciado y se cubre con su propio tejado inclinado de teja árabe. Los faldones de pendiente desigual dibujan hastiales de perfil asimétrico que rematan chimeneas de piedra, y desde lejos el conjunto se lee como una secuencia de piezas escalonadas recortadas contra el pinar. Los muros de mampostería, levantados con la piedra característica del Llevant, presentan tonos que van del ocre al rosado y cambian de color según la hora. Al atardecer, la luz rasante revela la irregularidad de cada pieza. Las carpinterías de madera y las persianas mallorquinas pintadas de verde pálido completan una imagen reconocible, en la que la tradición constructiva de la isla aporta un lenguaje preciso y actual.

La disposición de los volúmenes orienta la vivienda en dos direcciones: hacia el mar, que asoma en el horizonte por encima de la línea de pinos, y hacia el paisaje interior de la finca, con las lomas cercanas como fondo. Una piscina de borde desbordante prolonga la terraza principal hacia el valle, y un jardín de especies mediterráneas, con plumbago, romero y buganvillas, integra la arquitectura con la vegetación de la ladera.

Patios de luz y de sombra

Entre los volúmenes aparecen los patios, que son el verdadero corazón del proyecto. Semienterrados y protegidos por muros de piedra, funcionan como pequeños refugios donde la luz y la sombra se alternan a lo largo del día y generan microclimas distintos en cada rincón de la casa. En uno de ellos, una red tensada filtra el sol del mediodía y sostiene un conjunto de lámparas de fibra trenzada. En otro, que oficia de comedor junto a la cocina, una buganvilla trepa por el muro y deja caer sus flores sobre la grava. La cocina, el comedor y los dormitorios se abren a estos espacios exteriores mediante grandes puertas correderas, y la relación entre dentro y fuera se vuelve cotidiana.

Los patios también sostienen el funcionamiento climático de la vivienda. Llevan luz natural al interior de cada pieza y permiten una ventilación cruzada constante, una estrategia heredada de la arquitectura popular mediterránea. A ella se suman captadores solares fotovoltaicos y térmicos que orientan la casa hacia la autosuficiencia energética. La sostenibilidad se entiende aquí como una manera de construir y de habitar, integrada en el proyecto desde su origen, y no como un añadido técnico.

El interior, un fondo sereno

Dentro, la paleta se reduce a lo esencial. Paredes blancas, vigas pintadas que acompañan la inclinación de las cubiertas, pavimento de piedra clara y madera en carpinterías y mobiliario. Las estancias de día ocupan los volúmenes de mayor altura, donde el techo inclinado amplía el espacio y la luz entra por varios frentes. El estudio es la excepción material de la casa. Allí el muro de piedra queda visto en el interior y una esquina acristalada enmarca la colina de pinos que se levanta frente a la vivienda.

La vida en Es Rafal de Son Macià transcurre en ese continuo de estancias, patios y terrazas, siguiendo el recorrido del sol y del viento. La casa propone un ritmo pausado, ligado a la finca agrícola de la que forma parte y a un modo de vida en el campo que en Mallorca tiene siglos de historia. Quien la habita ocupa un lugar con memoria, en el que cada volumen recuerda a las casas de labor que durante generaciones han ido creciendo pieza a pieza sobre estas mismas laderas.

Arquitectura, topografía, materia y paisaje forman en este proyecto una sola propuesta, que el propio estudio resume en la voluntad de “habitar el lugar con respeto y naturalidad”. Es Rafal de Son Macià recupera así el sentido antiguo de su nombre. Es una casa con su tierra alrededor, levantada con la piedra de esa misma tierra.

Proyecto: Es Rafal de Son Macià.
Programa: Vivienda unifamiliar aislada vinculada a explotación agrícola.
Ubicación: Son Macià, Manacor (Mallorca).
Superficie: 336,20 m² (planta baja + sótano).
Año de finalización: 2025.
Arquitectura: Llorenç Brunet Arquitectes.
Arquitecto principal: Llorenç Brunet Nicolau.
Constructora: Projectes i Obres JCA.
Fotografía: Neus Pastor.

Llorenç Brunet Arquitectes

Llorenç Brunet Nicolau (Manacor, 1971) se tituló en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura del Vallès en 1996 y ha desarrollado toda su trayectoria en Mallorca, con base en su ciudad natal. Al frente de Llorenç Brunet Arquitectes, el estudio que fundó y dirige en Manacor, ha construido una práctica atenta a la arquitectura rural de la isla, a la rehabilitación y a la eficiencia energética, con una línea de trabajo cada vez más centrada en la vivienda pasiva bajo el estándar Passivhaus.

Su interés por el patrimonio y la arquitectura bioclimática tiene también una dimensión institucional. Desde mayo de 2007 es vocal de la junta de Mallorca del Colegio Oficial de Arquitectos de las Illes Balears, en las áreas de Patrimonio y Bioclimática, y ha formado parte, en representación del colegio, de la Comisión de Centro Histórico y Catálogo de Palma, de la Ponencia de Patrimonio del Consell de Mallorca y de los trabajos de modificación del plan general de Inca. A esa labor se suman una veintena de artículos sobre arquitectura bioclimática y urbanismo y diversas conferencias sobre rehabilitación de edificios y modelo de ciudad.

El estudio, que Brunet comparte con los socios Mateu Llodrà Adrover y Carme Pascual Estelrich, reúne perfiles de arquitectura, diseño, restauración, urbanismo, estructuras y gestión de proyectos, y trabaja con una red de colaboradores externos en ingeniería, instalaciones y control de calidad. Su recorrido en concursos públicos incluye los primeros premios para la reestructuración del Hipódromo de Son Pardo en Palma, el local social para personas mayores de Manacor y el acuartelamiento de la Guardia Civil en Úbeda, además del segundo premio en la ampliación del hospital de Manacor. Varias de sus obras residenciales han sido seleccionadas en tres ediciones consecutivas del premio a la mejor obra construida de las Illes Balears (2007-2010, 2011-2013 y 2014-2016). Entre sus trabajos recientes destacan distintas intervenciones en suelo rústico mallorquín, como Pleta de Son Violí, Lloseta o Es Rafal de Son Macià.

Nečín es un territorio de segundas vidas. Las paredes lisas de roca conservan la huella del trabajo, pero el uso ha cambiado por completo, y lo que fue extracción es ahora paisaje y lugar de encuentro. Esa lógica de transformación lenta, en la que cada etapa se superpone a la anterior y la deja a la vista, recorre también la pequeña casa que el estudio praguense Facha architekti ha reformado y ampliado en el borde del pueblo.

Una casa que crece por capas

La historia del edificio es la de un crecimiento casi orgánico. En origen, la parcela albergaba un establo de una sola planta, sobre la que alguien levantó más tarde una sencilla cabaña de fin de semana. Con los años, aquella cabaña se fue adaptando hasta convertirse en vivienda permanente, y cada cambio dejó su marca en muros y techos. Sus propietarios actuales, una familia de cuatro miembros, amigos del estudio, necesitaban más espacio de estar, una relación real con el jardín y lugar donde guardar los objetos de la vida doméstica que ya desbordaban la casa.

Los arquitectos tomaron ese proceso de crecimiento como punto de partida. La casa se asienta en el límite del pueblo, entre viviendas aisladas y antiguas construcciones agrícolas dispersas, y la ampliación se diseñó como una capa más en su desarrollo, claramente distinta en forma y materia, lo que permite que la historia del edificio siga siendo legible.

El nuevo volumen se adosa a la fachada encalada como un cuerpo ajeno y a la vez familiar. Dos prismas de alturas diferentes, unidos por un plano inclinado que evoca la pendiente de una cubierta, revestidos de chapa ondulada de un rojo intenso. El más alto se separa del terreno sobre apoyos esbeltos y parece suspendido sobre el jardín. La elección de la chapa ondulada fue elegida como material sencillo, duradero y económico, que el propio equipo podía colocar y que otorga a la intervención una identidad contemporánea inequívoca.

Hacia el oeste, una gran ventana corredera abre el estar a una terraza de alerce con amplios peldaños que funcionan como gradas, protegidos por un toldo textil del mismo color rojo. El cuerpo más bajo acoge la nueva entrada principal, y ese desplazamiento del acceso permitió reorganizar la planta original, ampliar el baño y rediseñar la cocina. Los armarios integrados en la ampliación resuelven, por fin, la necesidad de almacenaje.

La intervención alcanza a toda la casa

El sótano y el desván permanecen casi intactos, mientras la planta baja elevada se reconfigura por completo. El edificio original recibió aislamiento térmico, nuevas ventanas de madera, una cubierta de chapa ondulada que dialoga en gris plateado con el rojo de la ampliación, y una bomba de aerotermia. En el interior, el contrachapado de pino da forma a los muebles hechos a medida, el linóleo natural oscuro unifica los suelos, una estufa de leña giratoria ocupa un rincón junto a la cocina y el baño se reviste de enlucido de cemento.  

Dentro de la ampliación, el contrachapado de pino forra paredes y techo y su veta pronunciada continúa en bancos corridos, armarios y una pequeña mesa redonda. Es un espacio cálido y envolvente, abierto al jardín, que prolonga el comedor a través de un amplio hueco en el muro original. En la cocina, la encimera roja lleva al interior el color de la fachada.

La arquitectura se ofrece aquí como soporte de la vida cotidiana de una familia, atenta a sus gestos más que a su propia imagen, como vemos en las fotografías que muestran una casa habitada, con libros y discos, pinturas en las paredes, plantas en cada alféizar, sillas de madera curvada en rojo y negro alrededor de la mesa y un perro que vigila el jardín desde la entrada.

Diseñar y construir

Lo más singular del proyecto está en la forma en que se hizo. Como en otras obras del estudio, Facha architekti diseñó la ampliación y la construyó junto a sus propietarios, desde la estructura de madera hasta la fachada y los revestimientos interiores. Las imágenes de la obra lo cuentan mejor que cualquier memoria. El entramado de montantes levantado en una tarde de verano, los rastreles amarillos sobre la lámina impermeable, los primeros perfiles rojos enmarcando huecos y esquinas, los arquitectos sobre el andamio fijando la chapa en pleno invierno.

Para el estudio, esta implicación directa forma parte inseparable de su práctica. En proyectos pequeños y poco convencionales, les permite resolver detalles y soluciones constructivas para los que resulta difícil encontrar contratistas, y les proporciona un conocimiento de los materiales, las técnicas y el oficio que alimenta cada nuevo encargo. Los arquitectos lo explican con claridad: “la presencia física en la obra permite afinar el proyecto a través de innumerables detalles y decisiones que no pueden anticiparse frente a un ordenador”.

Hace años, Martin Chlanda hablaba de la arquitectura como “escultura social”, una práctica que trabaja tanto la forma como las relaciones entre quienes la hacen posible. En Nečín, ambas ideas se encuentran. Una casa ampliada entre amigos, en la que arquitectos y propietarios compartieron herramientas, frío y decisiones.

Quizá sea el lugar adecuado para ello. En un pueblo cuya memoria pertenece a los canteros, que conocían a fondo la piedra porque la trabajaban, este pequeño grupo de jóvenes arquitectos reivindica un saber semejante, aprendido en el contacto directo con la materia. Y como esas canteras que conservan las marcas del trabajo mientras el agua las convierte en otra cosa, la casa guarda las huellas del establo, la cabaña y los arreglos sucesivos, y suma ahora una capa roja que, probablemente, tampoco será la última.

Proyecto: House With a Red Addition
Ubicación: Nečín, distrito de Příbram (República Checa)
Arquitectura: Facha architekti — Martin Chlanda, Andrea Sobotková, Matěj Nepustil, Jana Fischerová, Nikola Gronychová.
Finalizado: 2025.
Superficie construida: 50 m² (casa) + 26 m² (ampliación).
Superficie bruta: 154 m² (casa) + 26 m² (ampliación).
Parcela: 515 m².
Fotografía: Peter Fabo.
Colaboradores y proveedores:
Estructura de madera de la ampliación y acabados: Facha architekti.. Albañilería: Jaroslav Kozohorsky.
Ventanas: Cadre.
Carpintería: Panab, Eman Trefný.
Tapicería: Polstrin, A-ACTU.
Iluminación: Artemide.
Sillas y mesa: Ton.
Linóleo: DLW Colorette, de Gerflor.

Facha architekti

Facha architekti es un estudio de arquitectura fundado en Praga en 2018 por Jana Fischerová, Martin Chlanda y Matěj Nepustil, al que en 2020 se incorporó la artista y diseñadora Andrea Sobotková, completando el equipo actual. Trabajan desde un taller en un patio interior del barrio de Smíchov, y el nombre ya anuncia una manera de entender el oficio, en el checo coloquial, facha es el trabajo, la faena. Los fundadores coincidieron en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica Checa (ČVUT), y parte de sus raíces se encuentra en el estudio Povětroň, donde empezaron a compartir una mirada común sobre la arquitectura rural checa y la búsqueda de su carácter.

Cada uno llegó por un camino propio. Martin se formó en una escuela de artes y oficios de Český Krumlov especializada en la restauración de edificios históricos. Más tarde pasó tres años en el taller interdisciplinario de la Academia de Bellas Artes de Praga, una experiencia que desmontó los prejuicios de su formación anterior y le acercó al arte contemporáneo de Gordon Matta-Clark, Pierre Huyghe o Francis Alÿs. Matěj creció observando la evolución de la arquitectura contemporánea de la mano de su padre, también arquitecto, mientras que Jana, hija de arquitecta, se presentó a las pruebas de acceso de la facultad casi como un tanteo que acabó convirtiéndose en vocación. La llegada de Andrea reforzó una inclinación presente desde el origen, el diálogo con el arte, que el estudio cultiva también en instalaciones para el espacio público realizadas junto a amigos artistas.

Sus referencias combinan la precisión de Peter Zumthor y la tradición suiza y austriaca con la crudeza deliberada de Arno Brandlhuber o Jan De Vylder, pero su fuente más cercana está en el propio territorio. La arquitectura vernácula y la autoconstrucción anónima de los pueblos checos, las consideran una herencia tan fértil como las revistas internacionales que llenan sus estanterías. De ahí su interés por transformar lo existente, desde edificios históricos hasta casas corrientes de la segunda mitad del siglo XX.

La escala reducida es una elección consciente. Las viviendas unifamiliares y los refugios de temporada les ofrecen libertad creativa y, sobre todo, una relación estrecha y prolongada con quienes van a habitarlos. Dentro del equipo, las sensibilidades se complementan: Martin y Jana tienen la capacidad de imprimir en cada casa el carácter de sus dueños, mientras Matěj tiende hacia soluciones más generales, atentas sobre todo al entorno. Martin resume esa ética en la idea de que una casa bien proyectada es una huella de quien la habita, y toma de Joseph Beuys la noción de “escultura social”: más allá de la forma construida, cada obra debería cultivar las relaciones con el cliente y con quienes trabajan en ella, y terminar en amistad.

La obra es el otro lugar natural del estudio. Sus miembros alternan el ordenador con la construcción, convencidos de que combinar trabajo intelectual y físico es una forma sana de pensar la arquitectura, y de que el contacto con el paisaje y con personas ajenas a su círculo enriquece el proyecto. Aquella aspiración temprana de ejecutar con sus propias manos al menos una obra al año se ha consolidado como parte de su práctica, especialmente en proyectos pequeños cuyos detalles poco convencionales resultan difíciles de confiar a terceros. Obras como la casa de Kořenov, entre los montes Jizera y los Krkonoše, o The Box in the Barn, un refugio estacional insertado en un granero de Bohemia oriental, les han dado proyección internacional, y la reforma de un piso junto a la plaza de la Ciudad Vieja de Praga fue nominada en 2025 a los premios Czech Grand Design. Con la mirada puesta también en el espacio público, los pequeños conjuntos urbanos y modelos de vivienda colectiva como las Baugruppen, Facha architekti sostiene que la generosidad de un edificio es independiente de su tamaño, que la intuición y la pasión pesan a menudo más que los parámetros exactos, y que en cada construcción conviven la forma, la estructura y la materia con las personas y las historias que la sostienen.

Esa arquitectura anónima tiene una lógica de supervivencia y optimización de recursos. Cada bancal responde a la caída del terreno, cada muro aprovecha la piedra que el propio campo ofrecía, cada chozo se orienta y se cierra según el sol y el viento. Ese diseño sostenible original, perfeccionado a lo largo de generaciones, es un paisaje construido con economía y con paciencia, y cualquier casa que quiera instalarse allí debe aprender primero a leerlo.

Hace unos meses contábamos cómo Ábaton rehabilitaba un antiguo establo de ovejas en la Sierra de Gata. Allí la memoria estaba en pie, en los muros de piedra y la teja que el estudio decidió respetar. En la Vera el punto de partida es otro: una parcela de olivos en terrazas y una normativa de suelo rústico que impone una estética tradicional. Ábaton tomó esa condición como material de proyecto. Teja árabe, muros de piedra de la zona y cubiertas inclinadas sitúan la casa en la familia de las construcciones del lugar, los chozos del olivar. La planta, en cambio, las visuales y las instalaciones pertenecen por completo a nuestro tiempo. La restricción acabó siendo la razón de que la casa transmita esa sensación tan difícil de conseguir en una obra nueva, la de llevar allí más tiempo del que realmente lleva.

Una casa escalonada como el terreno

La parcela desciende en bancales y la vivienda la acompaña. En lugar de partir de una plataforma única, el proyecto se organiza en pequeños saltos de cota que siguen las terrazas del olivar y que, al mismo tiempo, separan con suavidad unos espacios de otros. El gesto tiene tanto de respeto al terreno como de estrategia doméstica.

El proyecto fue encargado por una pareja con los hijos ya independizados. Querían una casa a su medida, pensada para dos, que pudiera crecer cuando llegaran los hijos con sus propias familias. Ábaton resolvió esa doble escala en la sección. Los distintos niveles y los espacios semiindependientes permiten que la vivienda funcione replegada cuando la habitan sus propietarios y se despliegue entera en los días de reunión, sin que sobren metros en la vida cotidiana. La misma separación que ordena los usos ordena también el clima, basta con acondicionar las zonas que se ocupan en cada momento. Lo que en temporada baja se traduce en ahorro, en los períodos de vacaciones se convierte en casa abierta.

Una casa que mira hacia poniente

Las vistas están al oeste, sobre el valle, y el estudio decidió que mandaran sobre la orientación más cómoda desde el punto de vista solar. Las visuales cruzan la vivienda de lado a lado, de modo que desde casi cualquier rincón el ojo alcanza el fondo del valle y la línea de la sierra. Esa elección tiene un precio, el sol duro de la tarde, y el proyecto lo asume con dos respuestas. La primera son las contraventanas de castaño que, cerradas o entornadas, dan a la fachada oeste su ritmo de tablas verticales y tamizan la luz del poniente. La segunda son los aleros, que proyectan sombra sobre los huecos. Hacia el sur se extienden los porches, bajo vigas de madera y estructura metálica, con el suelo de ladrillo continuando desde el interior.

La casa entera funciona casi como uno de esos porches. Abierta de un lado a otro, deja que los vientos de poniente la atraviesen y la refresquen en las tardes de verano, mientras los muros de gran espesor hacen su trabajo silencioso, acumulan el calor y el frío con lentitud y mantienen estable la temperatura interior sin consumo añadido. Al estar en suelo rústico, la vivienda necesita además bastarse a sí misma. Paneles solares, aerotermia, depósito de gas, pozo propio y fosa séptica la hacen prácticamente autónoma de las redes urbanas. Aquí la autonomía forma parte de la ética del proyecto y, más aún, de la propia posibilidad de construir en ese lugar.

El espacio social, un lugar de recogimiento

En el centro de la casa, situado en una cota ligeramente más baja, se encuentra el espacio común: salón, comedor y cocina en una sola estancia continua. Descender a ella produce un efecto de recogimiento, como si la vivienda se cerrara alrededor de quien llega, y sin embargo es el punto con mejores vistas, prolongado hacia dos terrazas y la piscina. Una chimenea de obra con repisa de granito ancla el estar, frente a un muro de piedra vista que recuerda en todo momento de qué está hecha la casa. Las vigas de madera recorren el techo inclinado y el ladrillo recuperado cubre el suelo de toda la planta. La cocina, de frentes claros y encimeras de piedra, se abre al paisaje mediante una ventana alargada que encuadra la sierra a la altura de los fogones. El mobiliario mantiene el tono: sofás de lino, butacas de madera y enea, una mesa de centro hecha con una losa de granito sobre troncos, y las famosas sillas potro de Oscar Tusquets, recuperadas en varios colores que ponen una nota rústica y alegre alrededor de la mesa del comedor.

El dormitorio principal dispone de su propio porche, con salida directa al jardín, y unas cortinas de lino que filtran la luz de la tarde mientras la sombra de la pérgola dibuja franjas sobre el pavimento. Los demás dormitorios se asoman a un porche pasillo que recorre la fachada norte y actúa como filtro entre el interior y el campo. Es uno de los recorridos más bellos de la casa, con puertas de madera recuperada y la luz entrando de costado. En algún rincón la vivienda se permite pequeños espacios de retiro, como el escritorio corrido bajo dos ventanas que miran al olivar y al muro de piedra, junto a una vieja puerta de cuarterones que se desliza sobre un riel. Los baños, revestidos de mortex en tonos tierra, y distintos entre sí, rompen la frialdad clásica, aportando una calidez orgánica con su textura aterciopelada y natural.

Materiales procedentes del entorno

El repertorio material es breve y procede del entorno. Piedra de la zona en los muros, barro y ladrillo recuperados, castaño en las contraventanas, madera vista en las cubiertas, perlita en los revestimientos interiores, mortex en los baños. Son materiales que envejecerán con dignidad, y algunos llegaron a la obra con el tiempo ya incorporado. El proyecto conservó además todo el arbolado existente; la casa se acomoda entre los olivos sin desplazarlos. La piscina completa la secuencia. Elevada sobre el terreno como una alberca, está más próxima a la tradición del riego que a la del ocio, y prolonga la cota del estar hacia el valle cerrando la sucesión de porches y terrazas.

Quien pasea hoy por el olivar ve una casa de piedra y teja que parece una más entre los chozos y los muros de los bancales. Esa discreción es su mayor logro. En la Vera, donde durante siglos la gente aprendió a habitar la pendiente escalón a escalón, Ábaton ha construido una casa que entiende esa lección y la traslada al presente con naturalidad.

Proyecto: Casa de campo en el olivar.
Ubicación: La Vera, Cáceres.
Arquitectura y paisajismo: Ábaton.
Arquitectos directores: Guillermo Santos, Blanca Marías y Javier de Montero.
Fotografía: Azul Vivó.
Fuente: Ábaton. Paula Cárdenas.

Ábaton

Desde su fundación en 1998, Ábaton se ha consolidado como uno de los estudios de arquitectura más influyentes de España. Su obra, reconocida por su honestidad formal y su profundidad conceptual, nace de una filosofía clara: eliminar lo superfluo para alcanzar lo esencial. Para Ábaton, la arquitectura no es solo una cuestión de espacio, sino una forma de conversación íntima con uno mismo, con los demás y con la naturaleza.

En un contexto saturado de estímulos, Ábaton reivindica el poder del silencio arquitectónico. Sus proyectos reflejan una estética que escapa a la razón para centrarse en la experiencia vital de quienes los habitan. Diseñan espacios que acogen y dialogan con el entorno.

Comprometidos desde sus inicios con la sostenibilidad, han sido pioneros en el uso de madera CLT en España, con más viviendas construidas con este sistema que ningún otro estudio del país. Utilizan materiales reciclables, planifican con criterios bioclimáticos y minimizan la huella ambiental de cada proyecto. Su arquitectura respeta el lugar y el tiempo: casas que aspiran a ser atemporales, perdurables y conscientes.

Además de su producción de obra nueva, Ábaton ha llevado a cabo más de 300 rehabilitaciones, entendiendo que restaurar también es una forma de crear. Su enfoque integral —que abarca desde el diseño hasta la construcción— garantiza coherencia, precisión y belleza en cada etapa del proceso.

Hoy, con más de 500 proyectos construidos, Ábaton continúa construyendo formas de habitar más libres, más empáticas, más humanas. En sus espacios se respira una arquitectura, más pensada para sentirla que para verla.

La arquitecta Camino Alonso es la directora creativa de Ábaton Arquitectura, estudio que fundó en 1998 junto con Ignacio Lechón, también Arquitecto y Carlos Alonso, Ingeniero Industrial. Una nueva generación se ha incorporado al equipo de dirección de Ábaton: Miriam Arias, directora de Interiorismo y Blanca Marías arquitecta directora.

Los caminos que salen del pueblo atraviesan campos de secano, algarrobos y olivos contenidos por márgenes de piedra. Es un paisaje construido con lo que había a mano, en el que cada muro explica su origen y su función. Esa misma lógica, la de una arquitectura que muestra de qué está hecha, recorre Casa Arlo, la vivienda unifamiliar proyectada por los arquitectos Luis Royon Barea y Andreu Arévalo Llàcer en una de las zonas residenciales de Creixell.

Un prisma sobre la pendiente

La casa, de 310 metros cuadrados construidos, se presenta como un prisma de aristas nítidas y geometría limpia que se asienta con cuidado sobre el terreno. La cota de la planta baja coincide con el centro de gravedad de la parcela, una decisión que reduce al mínimo las alteraciones del perfil natural. Los retranqueos que fija la normativa definen la huella del edificio, y el resultado es un monolito blanco que recoge los cambios de la luz mediterránea a lo largo del día.

Sobre esa fachada lisa se abren grandes huecos con carpinterías de madera natural, que introducen un contrapunto cálido y conectan el interior con el entorno. Al caer la tarde, cuando la casa se ilumina desde dentro, esos vanos se convierten en el rasgo más elocuente del volumen.

El encuentro con el suelo se resuelve mediante un basamento de hormigón visto que absorbe el desnivel. Sobre él, la franja libre que rodea la vivienda se destina al uso exterior. En la esquina opuesta al acceso, donde la geometría del solar ofrece más holgura y mejor soleamiento, una plataforma de madera acoge una piscina de líneas sencillas. A su lado, una pérgola ligera cubierta de cañizo tamiza el sol y proyecta sobre los acristalamientos un dibujo cambiante de sombras, a la manera de los emparrados tradicionales del litoral. Incluso la escalera que salva los bancales del jardín está construida con los mismos bloques cerámicos del interior, colocados de forma que sus perforaciones quedan a la vista en cada peldaño.

La estructura como acabado

El carácter de la obra nace de una decisión constructiva que los arquitectos han querido mostrar en todo el proyecto: cada material se muestra tal como es y cumple una función reconocible. La estructura aérea se resuelve casi por completo con elementos de hormigón prefabricado, un sistema modular que aporta orden métrico, economía de medios y una estética de raíz industrial. Ese montaje en seco convive con la planta sótano, donde los muros de contención se ejecutan en hormigón armado in situ. El subsuelo resiste los empujes del terreno y funciona a la vez como podio técnico, con el aparcamiento y las instalaciones de la vivienda.

En el interior, la paleta se reduce a tres materiales. Los cerramientos verticales dejan a la vista el bloque de termoarcilla, cuya textura estriada aporta una vibración geométrica constante, un tono terracota que aporta calidez a los espacios y una notable inercia térmica. Frente a esa superficie rugosa, el hormigón aparece crudo en pilares y forjados, con las marcas del encofrado y el peso de su presencia. El pavimento continuo de madera completa el conjunto y devuelve la escala doméstica. Los arquitectos hablan de un “brutalismo cálido”, y la expresión describe con precisión una atmósfera en la que la austeridad material produce, paradójicamente, una sensación de acogida.

Las instalaciones discurren vistas, con sus tubos blancos recorriendo muros y techos, y el mobiliario de madera de pino, las estanterías llenas de libros y las lámparas de ratán prolongan esa misma honestidad hasta la escala del objeto.

El vacío que ordena la casa

El acceso se ha desplazado hacia la fachada oeste, donde el desnivel con la calle es menor y la entrada puede producirse de forma suave. Un vestíbulo contenido, separado del espacio de trabajo por una celosía de listones de madera, prepara el paso hacia la zona de día, que se abre de golpe como una gran plataforma continua. La cocina, resuelta con frentes blancos lisos y encimeras de acabado madera, se organiza en torno a una isla que mira hacia el resto de la planta y favorece la vida compartida a lo largo del eje longitudinal de la casa.

El verdadero motor espacial aparece junto al núcleo central de comunicación vertical: una doble altura que acoge el salón y la biblioteca y enlaza las dos plantas principales. Este vacío amplía la percepción del espacio y actúa también como regulador térmico y lumínico, porque los ventanales superiores llevan la luz natural hasta el fondo de la planta baja. La arquitectura responde aquí a criterios pasivos precisos. Las aberturas enfrentadas permiten la ventilación cruzada, y la orientación garantiza que el sol de invierno entre directamente en la sala principal entre las diez y las doce, hora solar, en torno al solsticio.

La escalera de hormigón que comunica las plantas se aligera gracias a su cerramiento, una malla metálica blanca de tipo red que protege sin interrumpir el paso de la luz. Vista desde el salón, la escalera parece suspendida en un velo translúcido.

Habitar la galería

En la planta superior, el pasillo de distribución funciona como una galería que se asoma al salón a través de grandes acristalamientos enmarcados en madera. Desde allí se domina la doble altura, de modo que la zona privada, con dos dormitorios y un pequeño balcón exterior, participa de la amplitud del espacio común. La luz y las vistas atraviesan la casa de un extremo a otro, y la vida cotidiana de la planta baja permanece presente también arriba.

Los dormitorios mantienen el tono sereno del conjunto. En el principal, una cama con dosel de tela ligera, un lavabo doble sobre encimera de bambú con espejos redondos suspendidos de montantes de madera y una ducha revestida de piezas de hormigón componen un espacio abierto y fluido. En la habitación infantil, el bloque cerámico se pinta de blanco y conserva su textura, mientras una cama baja de madera, unas estanterías de pequeña altura y un columpio colgado del forjado convierten la estructura en soporte del juego. Es en estos detalles donde la casa revela su condición más valiosa: una arquitectura pensada para acompañar una vida familiar que crece, cambia y ocupa el espacio a su manera.

Una casa hecha de lo esencial

Casa Arlo demuestra que la contención material puede ser una forma de generosidad. Con una paleta reducida y unos elementos constructivos de uso corriente, el proyecto alcanza una expresividad que procede de la proporción, del orden estructural y del cuidado con que cada pieza se deja ver. La tensión entre el sistema prefabricado y la experiencia singular de habitar da a la vivienda su calma particular. Como los márgenes de piedra que ordenan los campos de Creixell, la casa se explica a sí misma a través de su construcción, y en esa claridad encuentra su belleza.

Proyecto: Casa Arlo
Ubicación: Creixell (Tarragona).
Superficie construida: 310 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Luis Royon Barea y Andreu Arévalo Llàcer.
Fotografía: Lluís Bort i Cerezo.
Fuente: Lluís Bort.

Luis Royon Barea

Luis Royon Barea se tituló como arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Reus (Universitat Rovira i Virgili) en 2017, y un año después fundó en Tarragona su propio estudio, LRB_arquitectura. Desde entonces ha desarrollado encargos de escala y naturaleza diversas, en el ámbito residencial, comercial y de la rehabilitación, acompañando cada proyecto a lo largo de todas sus fases: del concepto y el diseño a la dirección de obra y la coordinación técnica.

En paralelo, desde 2021 ejerce como arquitecto tasador para sociedades de tasación homologadas, entre ellas Gloval, una labor que le ha llevado a gestionar más de quinientos expedientes al año. Ese contacto continuo con viviendas reales, con sus problemas habituales y con las personas que las habitan, ha afinado una forma de trabajar basada en la anticipación y el trato directo. Royon entiende la arquitectura como un servicio cercano, sostenido por explicaciones claras y por la convicción de que cada cliente debe comprender, paso a paso, las decisiones que dan forma a su casa.

Andreu Arévalo Llacer

Andreu Arévalo Llàcer se formó en la Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Reus (Universitat Rovira i Virgili), donde obtuvo el título en 2013 con matrícula de honor. Sus años de estudiante estuvieron marcados por el trabajo colectivo y experimental: participó en equipos como Solar Decathlon y Build Our Nation, en talleres como “La ciutat Mediterrània” o el desarrollado en EMBT, y formó parte del grupo BON en la Bienal de Venecia de 2012.

Tras unos primeros pasos en el urbanismo y la rehabilitación, orientó su trayectoria hacia el diseño conceptual y la visualización arquitectónica, primero como profesional independiente y como socio de Arquitectura Beta, y después con Beta Imagery, el estudio que fundó en 2017 y que dirige desde entonces. Colabora con estudios y constructoras en la conceptualización y definición de proyectos de paisajismo, interiorismo y obra residencial.

Su manera de proyectar descansa en la idea de que el concepto es el alma de la obra, y el desafío consiste en preservarlo intacto a medida que crece la complejidad técnica de su construcción. Arévalo persigue un diálogo en el que la idea y las restricciones se alimentan mutuamente, para dar lugar a espacios que concilian carácter y pragmatismo, hondura y ligereza.

En un lugar así, la primera pregunta del arquitecto es: qué arquitectura es apropiada para habitarlo. Vila Marebo, diseñada por el arquitecto Frederico Zanelato, responde desde la organización del espacio. El encargo llegó de un colaborador de largo recorrido y debía incorporar dos bloques independientes unidos por una pasarela y una amplia galería acristalada. A partir de ella, el estudio entendió la casa como una aldea en miniatura que ocupa toda la parcela, donde los recorridos entre volúmenes y los espacios intermedios tienen tanto peso como las estancias.

Dos volúmenes y una galería

El diseño se apoya en dos condiciones que en el sur de Bahía son una exigencia: la orientación respecto al sol y el aprovechamiento del viento. La separación en dos cuerpos permite que la brisa atraviese el conjunto, y las aberturas, situadas de forma estratégica, garantizan la ventilación cruzada en el interior. El resultado es una arquitectura porosa, en la que el límite entre dentro y fuera se diluye y el clima tropical forma parte del proyecto como un material más.

Los dos volúmenes se leen con claridad desde la calle. Son cuerpos blancos, encalados, coronados por cubiertas de teja cerámica que se inclinan en direcciones opuestas y apoyan sobre postes torneados de madera cuyos extremos asoman bajo el alero, en una cita directa a la casa tradicional del litoral de Bahía. Entre ambos, retranqueada, la galería acristalada se envuelve en una cortina de varas de biriba dispuestas en vertical. Las varas conservan su forma natural, ligeramente irregular, y componen un velo que protege el interior sin cerrarlo. Durante el día tamiza el sol y la mirada; al anochecer, con las luces encendidas, la fachada se transforma en una linterna que se refleja sobre la piscina y la calle de arena.

La entrada a la casa se realiza por una puerta pivotante de madera, flanqueada por paneles de lamas, que da paso al área social, un espacio de doble altura cubierto por una galería de estructura de madera y cerramientos de vidrio. Bajo la cubierta transparente de la galería, un techo de finas varas de biriba actúa como celosía y deja pasar la luz en franjas que se proyectan sobre el suelo. Esa cubierta orienta la mirada y el paso hacia el área social, y convierte la entrada en un tránsito gradual hacia el exterior. En la planta superior, una pasarela atraviesa el vacío de la doble altura para unir los dos bloques; sus barandillas de troncos y cuerda trenzada, junto a las lámparas de fibra que cuelgan sobre el espacio, prolongan la misma lógica material del conjunto.

La casa cambia de carácter hacia el jardín

La casa cambia de carácter hacia el jardín y se abre por completo. La planta baja se prolonga en porches sostenidos por troncos de madera, y una amplia tarima conecta las estancias con la piscina, que se pliega en L junto a ella. Las terrazas de la planta superior, con barandillas de madera rústica, hacen de cubierta para los espacios que quedan debajo. Bajo una de ellas se resuelve la cocina exterior, con una barra de obra y una larga balda donde se alinean piezas de barro; bajo la galería central, un gran comedor se reúne en torno a una mesa redonda, presidido por una lámpara de fibra vegetal. La cocina interior se abre a la tarima mediante grandes paños plegables de vidrio, de modo que en los días de calor la frontera entre dentro y fuera desaparece.

En la planta baja, una suite cuenta con un baño cuya ducha se abre, a través de un paño de vidrio, a un pequeño jardín privado cerrado por una empalizada de troncos, de manera que el agua, la vegetación y el cielo forman parte del mismo espacio. En la planta superior, otras dos suites disponen de terrazas propias, abiertas entre palmeras hacia los tejados vecinos. En los dormitorios, las mosquiteras suspendidas sobre las camas, los tejidos claros y las piezas de barro prolongan la misma sobriedad del exterior.

La elección de los materiales responde a una voluntad de pertenencia

La cal blanca de los muros, la calidez de la madera, el vidrio y las fibras naturales, presentes en las cuerdas de las barandillas y en el tejido de las lámparas, componen una paleta reconocible en la arquitectura vernácula de la región, reinterpretada con un lenguaje contemporáneo. El protagonismo recae en la biriba, una madera de la mata atlántica que se trabaja en varas finas y con la que se resuelven techos y cerramientos. Su función es doble: filtra la luz natural, protegiendo los interiores del exceso de radiación, y proyecta sombras cambiantes que se desplazan por suelos y paredes a medida que avanza el día. La casa se convierte así en un reloj de sol habitable, y el material argumenta su presencia por razones climáticas y sensoriales. El mismo material se extiende a los cerramientos de la parcela, resueltos con empalizadas de troncos, y su presencia acaba unificando casa y jardín bajo una única textura.

El proyecto incorpora además una serie de elementos artesanales que dialogan con la arquitectura. Las vasijas y cántaros de barro, la cestería, las lámparas de fibra trenzada, el mobiliario de madera maciza y las sillas de rejilla remiten a los oficios de la región y dan continuidad, a escala doméstica, a la misma lógica de lo hecho a mano que define la construcción.

Esa atención a lo local recorre la trayectoria de Zanelato, para quien la arquitectura bioclimática, la ventilación natural y el empleo de materiales del lugar constituyen una ética de proyecto más que una etiqueta. En Vila Marebo esa ética se traduce en una construcción ligera y abierta, que se apoya en el clima para resolver el confort y en la tradición constructiva de la región para encontrar su forma.

Habitar la pausa

La casa cobra pleno sentido en el uso. La organización fluida del programa favorece los encuentros, las conversaciones largas, el ocio compartido, y hace de los recorridos entre volúmenes un lugar de estancia. Quien la habita despierta con la luz tamizada por las varas de madera, siente el fresco de la mañana entrar por las terrazas y deja que la brisa del mar marque el ritmo del día. Las vacaciones adquieren aquí otra cualidad, dejan de ser una interrupción para convertirse en una manera de habitar. El propio arquitecto lo resume con una idea que devuelve al punto de partida, al río que hay que cruzar para llegar a Caraíva. Estar en Vila Marebo, escribe, es comprender que “el tiempo en Bahía corre a otro compás”. La casa asume ese tiempo como condición de proyecto y lo hace habitable.

Proyecto: Vila Marebo.
Ubicación: Caraíva, Porto Seguro, Bahía (Brasil).
Programa: Residencia vacacional en dos bloques con área social de doble altura, cocina abierta a zona gourmet y tres suites.
Superficie: 200 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Frederico Zanelato Arquitetos.
Arquitecto responsable: Frederico Zanelato.
Construcción: Projetar Engenharia.
Fotografía: Oka fotografia.
Materiales principales: cal blanca, madera, vidrio, fibras naturales y varas de biriba.
Fuente: Frederico Zanelato.

Frederico Zanelato

Frederico Zanelato (Ribeirão Preto, 1972) llegó a la arquitectura por el camino del oficio. De niño aprendió dibujo, pintura y escultura en la Casa da Cultura Cândido Portinari de su ciudad natal, y en la adolescencia sumó el teatro y el dibujo publicitario y arquitectónico en la escuela Bauhaus. Esa formación temprana, más próxima al taller que al aula, ayuda a entender una obra que piensa desde la materia y la mano antes que desde la imagen.

Se licenció en Arquitectura y Urbanismo por la Universidade Braz Cubas en 1999, el mismo año en que fundó su estudio, Frederico Zanelato Arquitetos, con sede en Mogi das Cruzes, en el estado de São Paulo. Cursó después el máster profesional del Instituto de Pesquisas Tecnológicas del Estado de São Paulo (IPT), donde abrió una línea de investigación que incluye sostenibilidad, economía y diseño contemporáneo y que sigue orientando su práctica. Entre 2000 y 2005 enseñó Proyecto Arquitectónico y Dibujo en la Braz Cubas, y mantiene el vínculo con la universidad a través de conferencias y talleres en escuelas de arquitectura de todo Brasil. Desde 2014 trabaja también junto a Ar:Co Arquitetura Cooperativa.

El estudio actúa en todas las escalas, de arquitectura y urbanismo, guiado por la arquitectura bioclimática como método, los materiales del lugar como argumento y la ventilación natural como forma de dialogar con el clima. De esa forma de trabajar han nacido obras tan distintas como la restauración del histórico Casarão do Chá, en Mogi das Cruzes, la Casa ER, en el sur de Bahía, vestida con una fachada de cerámica artesanal, o la Casa MS, en el interior paulista. Casi cuarenta colaboradores han formado parte de su equipo a lo largo de más de veinticinco años.

Su trayectoria ha acompañado desde el inicio el circuito de los premios y bienales brasileños. Fue seleccionado en varias ediciones del Prêmio Jovens Arquitetos, con exposición en el Museu da Casa Brasileira, participó en cinco ediciones de la Bienal Internacional de Arquitectura de São Paulo y obtuvo una mención en la VI Bienal Iberoamericana (2007). En los últimos años ha recibido el tercer premio del 5º Prêmio Saint-Gobain de Arquitetura Habitat Sustentável (2018), distinciones de la AsBEA y el primer premio de la Premiação IAB 2021, edición del centenario del Instituto de Arquitectos de Brasil en Bahía. Ese mismo año, el Instituto Coreano de Arquitectos incluyó su obra en la exposición Hidden Architects, en Seúl. Su relación con los concursos es igual de larga: desde las convocatorias barcelonesas de vivienda en el centro histórico (1995) y la sede de la Fundació Mies van der Rohe (1998) hasta la escuela para Guinea-Bisáu (2010) o el Campus Cabral de Curitiba (2012).

Una trayectoria que empezó entre lápices y arcilla en Ribeirão Preto y que sigue midiendo cada proyecto por su capacidad de pertenecer a su lugar.

La respuesta de HW Studio –el estudio de arquitectura fundado por Vallejo Bores– fue reducir el proyecto a sus componentes más elementales: un suelo, una cubierta, una sombra. Es la lógica de la enramada, esa construcción mínima que no necesita representar nada porque ya cumple su condición esencial —cobijar, proteger del sol y de la lluvia, dejar que el paisaje transcurra alrededor sin interferir en él. Casa Malonic sigue esa misma lógica, el horizonte es su razón de ser. Así lo reflejan los primeros bocetos del proyecto.

Recorrer la casa para descubrirla

Desde la calle, la vivienda se presenta como una masa blanca y compacta, acompañada por un único muro curvo de hormigón que sigue el recorrido vial marcando el límite con la calle. La vegetación, las piedras y la topografía impiden que la casa se muestre totalmente, es preciso recorrerla para descubrirla en su verdadera dimensión. Este recorrido conduce a un patio circular de muros blancos, en el que aparece de nuevo el paisaje: un gran vacío en el espacio construido. “La arquitectura comienza a perder su condición de límite y se convierte en una forma de dirigir la mirada y el cuerpo hacia la belleza de la naturaleza circundante” comenta el arquitecto, y añade “el proyecto se organiza a partir de una transición: de la calle al refugio, del refugio al patio, del patio al paisaje. La arquitectura empieza siendo protección y termina siendo, apenas, una sombra frente al horizonte”.

Tierra y color convertidos en materia

Los materiales sostienen la relación con el lugar. “La materialidad no pretende representar el paisaje, sino establecer una continuidad sensorial con él. La arquitectura se experimenta primero con los pies, antes de ser comprendida con la mirada” explica Vallejo. El suelo recupera el color y la textura de la arena de la playa cercana, como si la casa hubiera encontrado una manera de prolongar ese suelo bajo su propia cubierta. El blanco de los muros, es una cita al entorno inmediato, a los nueve cacalosúchil —el árbol que aztecas y mayas consideraban sagrado y reservaban como ornamento para gobernantes— florecen alrededor de la casa con un blanco idéntico al de sus paredes.

Arquitectura esencial

Esta forma de proceder —reducir la arquitectura a lo esencial, dejar que el vacío organice el sentido del espacio— es reconocible en toda la trayectoria de Vallejo Bores quien sostiene desde hace años que la sensación de calma que persigue en sus proyectos tiene menos que ver con moldear el material que con esculpir el vacío, que termina siendo más determinante que la forma misma. En Casa Malonic ese principio se hace evidente en el patio circular, en la sustracción de muro que permite que el cielo forme parte de la experiencia doméstica, en la insistencia en que la casa no compita con el paisaje sino que se disuelva progresivamente en él. El propio Vallejo lo resume con una fórmula que podría aplicarse a toda su obra: “La masa blanca protege. El muro conduce. El vacío permite que el paisaje penetre. La cubierta ofrece sombra. Y el horizonte permanece”.

Proyecto: Casa Malonic.
Ubicación: Punta Garrobo, Zihuatanejo, Guerrero, México
Terminado: junio de 2026.
Superficie: 497 m².
Arquitectos: HW Studio.
Arquitecto principal: Rogelio Vallejo Bores.
Arquitectos: Oscar Didier Ascencio Castro y Nik Zaret Cervantes Ordaz.
Equipo: Juan Pablo Camacho Ayala.
Ingeniería estructural: Arga Constructora.
Constructora: Comaqso.
Fotografía: César Béjar.
Fuente: HW Studio.

Rogelio Vallejo Bores. HW Studio

Hay ciudades que enseñan arquitectura sin proponérselo, y Morelia fue la primera escuela de Rogelio Vallejo Bores. Creció en su centro histórico, entre canteras y bóvedas que llevaban siglos filtrando la luz de la misma manera exacta, y recuerda con nitidez el instante en que aquella presencia, hasta entonces un simple telón de fondo, se volvió revelación: sentado en el Templo de San Agustín, con la mirada puesta en las bóvedas, quedó completamente cautivado por la forma en que el sol entraba y transformaba el espacio. De niño imaginaba una vida como médico, pero esa fascinación temprana por la luz, el material y el efecto emocional de los espacios bien construidos fue, dice hoy, la semilla silenciosa de toda su práctica, la conciencia de que el diseño puede afectar profundamente a quien lo habita.

Vallejo es arquitecto por la Universidad Vasco de Quiroga, máster en Arte y Nuevas Tecnologías por la Universidad Europea de Madrid y máster en Diseño e Innovación en Valencia, ciudad donde colaboró además con Fran Silvestre Arquitectos. Su formación se amplió con un workshop junto a RCR Arquitectes —ganadores del Premio Pritzker— en Olot, Cataluña, y con un programa de desarrollo conceptual en el estudio de Aires Mateus, en Lisboa, en 2023. De cada una de estas experiencias tomó una manera de mirar: la atención al vacío, la economía de medios, la convicción de que lo esencial, bien entendido, basta.

Al frente de HW Studio, el estudio que fundó en 2010, Vallejo ha construido una obra que él mismo describe como silenciosa, precisa y atenta a la poesía sutil del espacio. Persigue una simplicidad que nunca cae en la esterilidad, espacios que el habitante pueda habitar por completo, donde cada línea, cada proporción y cada material tienen una razón de ser. “Una arquitectura que susurre en lugar de gritar”, dice, “que cree ambientes que inviten a la reflexión, a la contemplación, a una conciencia serena de la propia presencia”. Su arquitectura se sostiene en un método propio, casi ritual. Cada proyecto nace de tres elementos entrelazados: el habitante, el sitio y el propio equipo de diseño. 

Para comprender al habitante, Vallejo y su estudio se sumergen en los espacios que han marcado su vida —las casas donde ha vivido, los lugares donde ha experimentado alegría o calma— y recurren incluso a un instrumento psicológico aplicado por un neuropsicólogo, cuyas lecturas traducen después en gestos espaciales, escalas y materialidad. El sitio, por su parte, nunca es un simple terreno: es una presencia viva que visitan una y otra vez, observando cómo se mueve la luz a lo largo del día, qué texturas tienen los materiales, qué sonidos se absorben o resuenan. Y para comprenderse a sí mismos como diseñadores, practican meditación zen: a través del silencio y la presencia atenta cultivan una sensibilidad perceptiva, una manera de sentir las corrientes invisibles del espacio, el tiempo y la luz. De esa conversación íntima entre habitante, sitio y uno mismo emerge, poco a poco, un edificio: cada muro, cada modulación, cada proporción se convierte en eco de una experiencia vivida.

Vallejo cree, cada vez más claramente, que esa sensación de calma que persigue tiene menos que ver con moldear el material y más con esculpir el vacío —lo que en japonés se llama ma—. Eso significa pensar el espacio no como ausencia sino como presencia: un marco silencioso donde la luz, la sombra y la experiencia humana pueden desplegarse.

Sus referentes hablan el mismo idioma contenido. Entre sus obras favoritas del mundo están el templo Entoku-in, en Kioto, y el Museo de Arte de Teshima, en Kagawa: una arquitectura tradicional y otra contemporánea que comparten, según Vallejo, una delicada sensibilidad hacia el vacío, el material y la presencia humana. Entre sus influencias declaradas están Tadao Ando, Kengo Kuma y Luis Barragán, arquitectos cuya obra describe como poética, sutil y profundamente conectada con la luz, el material y la experiencia humana; y, más al fondo, la sabiduría budista, que le enseñó la atención, el silencio y una conciencia profunda de la presencia.

Ese modo de mirar, forjado entre Morelia, Valencia, Olot y Lisboa, no ha pasado inadvertido. En pocos años, HW Studio ha recibido reconocimientos como Design Vanguard 2024 y Record House 2023, ambos de Architectural Record; una nominación al Mies Crown Hall Americas Prize for Emerging Architecture 2024, otorgada por el Illinois Institute of Technology; el German Design Award 2024 a la excelencia en arquitectura; el Kyoto Global Design Award 2023; y distinciones de Azure Magazine, Architecture Hunter Awards, Archello Awards y Loop Design Awards, entre otras. Su obra ha sido publicada en Architectural Record, Azure, Architectural Digest, Dezeen, Archello y Architizer, y el estudio ha sido incluido entre las mejores firmas de arquitectura de México y entre los estudios más influyentes de Latinoamérica.

Preguntado por el consejo que le hubiera gustado recibir al empezar, Vallejo no habla de estrategia ni de oficio, sino de rendición: “Ojalá alguien me hubiera dicho que no luchara tanto, que me permitiera fluir con la vida, más allá de los planes e ilusiones del propio ego.” Estamos aquí, dice, para experimentar una multitud de emociones, y una de ellas —el sufrimiento— nace del deseo de que las cosas sean distintas de como son. Aceptar la vida tal cual es, con sus momentos de alegría y de dolor, le parece la lección más esencial, tanto para vivir como para diseñar. “Confía en tu propia percepción y en tu propio silencio”, añade. “Es fácil dejarse distraer por las tendencias, el reconocimiento o el deseo de impresionar. Pero la arquitectura tiene que ver con cómo las personas se experimentan a sí mismas, no con presumir.”

Si tuviera que resumir su arquitectura en un mantra, Vallejo elegiría un instante raro pero profundamente conmovedor que a veces le regala la meditación: esos breves segundos de silencio en que incluso el monólogo interior se detiene, y no queda más que un espacio puro y quieto. Esa ausencia de ruido, ese silencio, es lo que intenta infundir en cada uno de sus edificios. Vuelve entonces, inevitablemente, al niño sentado bajo las bóvedas del Templo de San Agustín, en Morelia, mirando cómo la luz cambiaba de forma sin que nadie se lo hubiera enseñado. Toda su arquitectura, treinta años después, sigue siendo un intento de devolver aquel instante a quien la habita.

En ese contexto llega Sa Casa, el proyecto con el que Stefano Boeri Architetti ha ganado el concurso convocado en Ibiza por la Entidad Estatal de Vivienda, Casa 47, la entidad pública española dedicada a la gestión y el desarrollo de vivienda asequible. El encargo contempla cerca de ciento noventa viviendas de alquiler por debajo del precio de mercado, distribuidas en cuatro volúmenes y construidas íntegramente con un sistema prefabricado de madera, pensado para adaptarse en el tiempo a las necesidades de sus residentes y para mantenerse en diálogo constante con la comunidad, la naturaleza y la ciudad.

Modularidad principio que organiza todo el proyecto

La modularidad no es aquí un recurso técnico añadido, sino el principio que organiza todo el proyecto. Los edificios se levantarán en CLT, madera contralaminada formada por capas cruzadas, prefabricada fuera de obra y ensamblada directamente en el emplazamiento: un sistema seco, rápido y preciso que reduce los tiempos de construcción, los residuos y el impacto sobre el entorno. Esa misma lógica constructiva define la gramática arquitectónica del conjunto y permite reconfigurar las viviendas con el paso del tiempo, atendiendo a criterios de accesibilidad universal y dando cabida, dentro de una misma tipología flexible, a jóvenes, personas mayores, familias y personas con movilidad reducida.

“El proyecto de Ibiza es estratégico para el futuro de las ciudades europeas porque propone un modelo de vivienda asequible que utiliza la prefabricación en madera a partir de un sistema modular adaptable a diferentes contextos. Una arquitectura residencial verde, en madera, modular y universalmente accesible representa la auténtica gran respuesta para las políticas de regeneración urbana pública”, afirma el arquitecto Stefano Boeri.

El mismo principio de flexibilidad se traslada a los espacios de trabajo compartido y a las áreas comunitarias, donde el límite entre lo privado y lo colectivo puede redibujarse sin alterar la identidad del conjunto. La decisión de fragmentar el programa en cuatro volúmenes, en lugar de resolverlo en un único bloque, libera un espacio verde central que actúa como corazón de la vida comunitaria y, al mismo tiempo, mantiene el conjunto permeable y abierto hacia su entorno. La vegetación autóctona recorre los edificios y da forma a patios, recorridos y una plaza pública central, dentro de un sistema continuo de espacios abiertos pensado para propiciar el encuentro. Ese verde asciende hasta las cubiertas de los bloques residenciales y se convierte en una infraestructura ecológica de pleno derecho: da sombra, crea nuevos hábitats, contribuye a mejorar la calidad del aire y mitiga el efecto de isla de calor urbana, mientras placas fotovoltaicas, orientación estudiada, ventilación natural y sistemas de gestión del agua completan la estrategia energética del proyecto.

Sa Casa, un modelo contemporáneo de vivienda accesible

Sa Casa se suma así a un modelo contemporáneo de vivienda accesible en alquiler por debajo del precio de mercado, donde arquitectura, tecnología y naturaleza conviven sin jerarquía. En sintonía con los objetivos europeos de descarbonización, el proyecto ofrece una respuesta concreta y potencialmente replicable a los desafíos ambientales y sociales de la vida contemporánea: una arquitectura capaz de evolucionar junto a sus residentes y una comunidad que puede crecer en torno a sus espacios compartidos.

Administración pública y emergencia habitacional

La fuerza de Sa Casa está también en lo que representa: la prueba de que un encargo público, bien planteado, puede exigir a la arquitectura contemporánea sus mejores respuestas frente a la emergencia habitacional. Ese papel corresponde a las administraciones, que tienen en sus manos la herramienta más directa para revertir la exclusión del acceso a la vivienda, promoviendo suelo y parque público, y confiando esos encargos a equipos capaces de convertir cada proyecto en un ejemplo replicable.

En Baleares, el Institut Balear de l’Habitatge (IBAVI) lleva años demostrando cómo hacerlo, con proyectos como Son Servera, Mallorca, en el que Peris+Toral Arquitectes proyectó para el IBAVI Living in Limestone, cuarenta y dos viviendas sociales construidas con cal y piedra de marés locales, organizadas en torno a pasarelas que funcionan como calles de pueblo en altura y que promueven la interacción entre vecinos sin renunciar a la intimidad de cada hogar, o en Puigpunyent, donde, Joan J. Fortuny junto a Alventosa Morell Arquitectes diseñaron Ses Veles Puigpunyent, seis viviendas de consumo energético casi nulo, levantadas con cal, tierra y cerámica local, capaces de reducir a la mitad las emisiones de una construcción convencional y de recortar en un sesenta por ciento sus residuos. Ambos proyectos demuestran, cada uno desde su escala, que la vivienda social puede ser digna, bella y profundamente arraigada al lugar que la acoge, y que la sostenibilidad, lejos de encarecer o retrasar estos encargos, puede ser precisamente lo que los hace posibles.

Sa Casa se inscribe en esa misma convicción, trasladada a la escala de un complejo residencial de casi doscientas viviendas. Frente a un problema que golpea con especial dureza a quienes sostienen la vida cotidiana de Ibiza, el proyecto de Stefano Boeri Architetti recuerda que la arquitectura pública, cuando se piensa con rigor y con tiempo, puede ofrecer algo más que un techo: una forma de vivir en comunidad para personas que desarrollan su capacidad de crecimiento y evolución.

Proyecto: Sa Casa.
Arquitectura: Stefano Boeri Architetti.
Ubicación: Ibiza.
Año: 2025 (concurso).
Programa: 190 viviendas de alquiler asequible, distribuidas en cuatro volúmenes.
Sistema constructivo: madera contralaminada (CLT), prefabricada.
Promotor: Entidad Estatal de Vivienda, Casa 47.
Equipo Stefano Boeri Architetti: Stefano Boeri (socio responsable), Hana Narváez (directora), Silvia Fernández (jefa de proyecto), Nahed Zmeter, Yulia Filatova, Mohamed Hassan Elgendy (equipo de diseño).
Arquitecto local y estrategia de sostenibilidad: SOCOTEC Spain.
Fuente: Stefano Boeri Architetti.

Stefano Boeri Architetti

Con sede en Milán, Shanghái y Tirana, Stefano Boeri Architetti investiga y proyecta arquitectura y planificación urbana desde 1993, cuando nació como Boeri Studio de la mano de Stefano Boeri, Gianandrea Barreca y Giovanni La Varra. La multiplicidad ha sido, durante más de tres décadas, el principio que ha guiado una actividad que recorre la arquitectura, el diseño y el urbanismo, siempre atenta a las implicaciones geopolíticas y ambientales de los fenómenos urbanos, y que ha convertido al estudio en un referente internacional de la arquitectura sostenible y el desarrollo urbano estratégico.

El Bosco Verticale, construido en Milán en 2014, marcó el origen de esa mirada: el primer prototipo de arquitectura que integra naturaleza viva a gran escala, reconocido como mejor edificio del mundo por el CTBUH de Chicago y como mejor rascacielos por el DAM de Fráncfort. Desde entonces, el estudio ha llevado ese lenguaje —el llamado Green Obsession, título también de su libro de 2021— a proyectos de reforestación urbana y vertical en distintos continentes, atendiendo en cada caso al clima y a las necesidades funcionales del lugar. Entre ellos, el Trudo Vertical Forest de Eindhoven, inaugurado en 2021 como el primer bosque vertical destinado a vivienda social, anticipa buena parte de lo que Sa Casa plantea ahora en Ibiza: la posibilidad de combinar el reto ambiental con la urgencia habitacional de las ciudades contemporáneas.

Junto a Stefano Boeri, socio fundador, dirigen hoy el estudio Francesca Cesa Bianchi, Marco Giorgio y Pietro Chiodi, con Hana Narváez, Livia Shamir y Corrado Longa al frente de las direcciones de proyecto, investigación y planificación urbana. Bajo su firma, el estudio trabaja actualmente en masterplanes y proyectos arquitectónicos en ciudades como Lausana, París, Utrecht o Milán, sin abandonar su compromiso con el patrimonio arqueológico y cultural, visible en intervenciones como la nueva entrada a la Domus Aurea de Roma o la puesta en valor del yacimiento de Paestum.

Stefano Boeri

Nacido en Milán en 1956, Stefano Boeri se forma como arquitecto en el Politecnico di Milano, donde se gradúa en 1980, y completa su doctorado en Urbanística en la Universidad IUAV de Venecia en 1989. Catedrático de Urbanística en el Politecnico di Milano y director del Future City Lab de la Universidad de Tongji en Shanghái, ha sido profesor invitado en instituciones como Harvard, la École Polytechnique Fédérale de Lausana, el Berlage Institute de Róterdam o la Academia de Arquitectura de Mendrisio.

Autor del Bosco Verticale, Boeri es una de las voces más reconocidas del debate internacional sobre arquitectura y cambio climático. Preside desde 2020 el comité científico de Forestami, el proyecto de forestación urbana del área metropolitana de Milán que prevé la plantación de tres millones de árboles antes de 2030, y ha presidido la Triennale di Milano entre 2018 y 2026. Su trayectoria incluye también el ejercicio institucional, como concejal de Cultura, Moda y Diseño del Ayuntamiento de Milán entre 2011 y 2013 —años en los que impulsó festivales como BookCity y Piano City— y su participación, junto a Richard Burdett, Jacques Herzog y William McDonough, en el comité que definió el masterplan de la Expo de Milán 2015.

En 1993 fundó Multiplicity, un colectivo de investigación que reúne a arquitectos, geógrafos, artistas y fotógrafos en torno a la relación entre geopolítica y urbanismo, y entre 2004 y 2010 dirigió las revistas Domus y Abitare. Su obra escrita, publicada en libros como L’anticittà, Biomilano o Urbania, y su práctica profesional, presente en ciudades como São Paulo, El Cairo, Riad o Tirana, dibujan la trayectoria de un arquitecto para quien pensar la ciudad contemporánea y proyectar edificios son, en el fondo, un mismo ejercicio.

La parcela, en un promontorio rocoso protegido de Randaberg, albergaba una cabaña de los años setenta, y las restricciones urbanísticas obligaban a respetar su huella y su altura. Dentro de ese margen fijo, el estudio organizó el nuevo edificio en torno a tres condiciones del paisaje que a primera vista parecían irreconciliables: el horizonte abierto sobre el Atlántico, el descenso rocoso y agreste hacia el mar, y la vegetación intacta que ocupa la parte trasera de la finca. “Nuestro objetivo era crear una arquitectura que conectase estas distintas zonas del paisaje, estableciendo al mismo tiempo una relación fuerte con las cualidades propias del lugar”, señalan los arquitectos.

Diseño y tradición vikinga

El diseño arquitectónico se basa en dieciocho abetos enteros, extraídos con sus raíces, limpiados, secados durante ocho meses y escaneados digitalmente antes de que unos brazos robóticos fresaran directamente sobre las raíces los ensamblajes que hoy unen columnas y vigas. El gesto recupera, casi literalmente, la tradición naval vikinga. Allí donde los carpinteros de ribera buscaban en el encuentro natural entre tronco y raíz la pieza que afianzaba el casco de un barco, Helen & Hard encuentra la unión que sostiene la cubierta de la casa. El resultado es una construcción de madera con la estructura portante a la vista. Cuatro filas de estas columnas arbóreas se abren en abanico, y las vigas de cubierta, en voladizo, se encuentran por parejas en el centro para tensarse entre columnas, formando una abertura horizontal de más de nueve metros hacia el poniente marino y, en el extremo opuesto, un acceso estrecho orientado al sol de la mañana y al jardín.

Estructura y mobiliario fusionados

El interior no distingue entre estructura y mobiliario. Los troncos se ramifican hacia el techo y continúan en estanterías, bancos, divisiones, marcos de puertas y ventanas, la cocina y la chimenea, de modo que cada elemento construido parece haber crecido del mismo árbol que sostiene la casa. “Queríamos evocar la experiencia de estar bajo el dosel de los árboles”, explican los arquitectos. “A medida que uno se mueve por el espacio, la secuencia rítmica de las columnas de madera y el carácter orgánico de la estructura crean una fuerte sensación de refugio y protección”. Esa sensación de cobijo convive con una exposición casi total al paisaje. Un acristalamiento continuo envuelve gran parte del perímetro, de modo que la luz, las sombras y el clima cambiante del Atlántico entran en la casa a lo largo del día y de las estaciones.

El espacio principal, de planta en forma de embudo, queda flanqueado por dos zonas laterales: la cocina en un lado, y dos áreas de trabajo en el otro, una de ellas elevada medio nivel sobre el salón, con el baño situado debajo. Aunque la cabaña se percibe como un espacio continuo, estos pliegues laterales introducen profundidad y una secuencia de experiencias que evita la monotonía de la planta abierta. Frente al mar, la gran abertura acristalada —de nueve metros y medio sin ningún montante que interrumpa la vista— queda protegida por un profundo voladizo de cubierta, que permite liberar de columnas el hueco acristalado. “El clima en la costa atlántica puede ser extremadamente duro. El profundo voladizo de la cubierta y la disposición de la estructura de madera crean un lugar resguardado e íntimo que, al mismo tiempo, se abre hacia el mar”.

Una casa anclada al lugar

La relación con el lugar se cierra por abajo y por arriba. Un zócalo macizo, construido con la misma piedra hallada en la parcela, protege la base de la cabaña y la ancla al suelo rocoso; la cubierta sigue la topografía del terreno y mantiene el volumen bajo, casi indistinguible de la roca que lo rodea. Entre ambos, la estructura de madera se alza como un organismo propio, visible y legible en cada una de sus dieciocho raíces, que conservan su irregularidad natural pese a la precisión del fresado robótico.

Que esta sea la casa de sus propios fundadores no es un dato anecdótico. Doce años de bocetos son, para un estudio que entiende el proyecto como un proceso de relaciones antes que como un ejercicio formal, el tiempo que hizo falta para que el lugar, el oficio y el material terminaran de decir lo que la casa finalmente construye. Cabin Sande, se resguarda en el paisaje de Randaberg, con la misma lógica con la que un casco de madera aprendía a ceder ante el mar sin romperse.

Proyecto: Cabin Sande.
Ubicación: Randaberg. Noruega.

Cliente: Reinhard Kropf y Siv Helene Stangeland .
Programa: Cabaña
.
Estado: Completado.
Superficie: 112 m².
Equipo: Helen & Hard; Reinhard Kropf, Siv Helene Stangeland, Njål Undheim, Håvard Auklend .
Fotografía: Ivar Kvaal y Sindre Ellingsen.

Fuente: Helen & Hard.

Helen & Hard

En Stavanger, la costa oeste de Noruega, el paisaje impone su carácter. Un paisaje  hecho de rocas batidas por el Atlántico, fiordos que se abren paso entre bosques de coníferas y una luz que cambia con rapidez. Es también una ciudad marcada por la industria petrolera, con una cultura emprendedora que empuja a probar, transformar y explorar ideas nuevas. En ese cruce entre naturaleza exigente y espíritu de ensayo nació, en 1996, Helen & Hard, el estudio fundado por Siv Helene Stangeland y Reinhard Kropf que hoy reúne a treinta y dos personas de procedencias y formaciones muy distintas, repartidas entre sus oficinas de Stavanger y Oslo.

Diseño relacional

Helen & Hard entiende la arquitectura como un proceso de relaciones antes que como un ejercicio formal. Llaman a este método “diseño relacional”, una manera de proyectar en diálogo constante con el contexto social, material y cultural de cada encargo, y de dejar que ese diálogo transforme el propio proceso de diseño. La arquitectura, sostienen, no se concibe primero en la mente para llevarla después al mundo, sino que se construye en colaboración continua con quienes habitarán el edificio, con el lugar y con los materiales disponibles. Este enfoque holístico los lleva a intervenir en las relaciones que conectan una obra con los sistemas que la rodean, desde la escala doméstica hasta la urbana.

La primera fase de cada proyecto consiste en habitar el lugar antes de dibujarlo. Helen & Hard llama a esta práctica “walk the land”, un estudio extendido del emplazamiento y de la situación en la que el proyecto se inserta, que se combina con la escucha directa de clientes y futuros usuarios. De ahí surgen  las posibilidades propias de cada sitio, las que ningún catálogo de soluciones puede anticipar. Un equipo de arquitectos acompaña el proyecto desde el planeamiento hasta la obra, en colaboración con consultores especializados en cada disciplina.

La madera, un material que trasciende lo constructivo

La madera ocupa en este método un lugar que trasciende lo constructivo. Para Stangeland y Kropf, un sistema estructural en madera suele ser el punto de partida de su arquitectura. “Es un material sensual, en el que se puede ver cómo han actuado las fuerzas que formaron sus vetas de crecimiento”, explican. “Los árboles tienen vida propia, y uno siente un respeto profundo por el tiempo que les ha llevado crecer. Trabajamos con algo vivo, un material orgánico. Tenemos que dialogar con la materia.” Ese diálogo, dicen, se traduce en atmósferas que calman, que reducen el estrés, distintas según la especie de árbol empleada. 

Especializados en construcción en madera desde 2008, Helen & Hard se cuenta hoy entre los estudios de referencia de la arquitectura en madera, con proyectos que abarcan vivienda, oficinas, centros educativos y equipamientos culturales, reconocidos en varias ocasiones por su aportación técnica al sector. Uno de sus proyectos, Ratatosk, forma parte de la colección permanente del Victoria and Albert Museum de Londres.

La transformación de edificios existentes ocupa un lugar igual de central en su práctica. Recuperar y reutilizar construcciones y materiales es, para Helen & Hard, una manera de reducir el consumo energético, el coste constructivo y la generación de residuos, pero también de trabajar con la memoria. Entretejer lo antiguo con lo nuevo permite crear atmósferas evocadoras, cargadas de un pasado que sigue activo en la experiencia espacial de quien habita el edificio.

Atención a lo colectivo

La atención a lo colectivo define el capítulo social de su trabajo. Helen & Hard concibe el diseño de espacios de encuentro como una herramienta contra dos de los problemas que identifican en la sociedad escandinava contemporánea: la soledad y la segregación. Junto con Sissel Leire fundaron Gaining By Sharing, un modelo de covivienda que combina espacios privados con áreas comunes compartidas por una comunidad más amplia, pensado como alternativa al mercado inmobiliario convencional, centrado casi siempre en la vivienda individual. Su convicción es que la diversidad —de edades, orígenes y profesiones— fortalece estas comunidades y las hace perdurar más que aquellas pensadas para un único perfil de residente.

El estudio extiende esta lógica relacional al terreno del diseño sistémico y paramétrico, inspirado en los procesos de la ecología y en el modo en que los componentes de un ecosistema se relacionan entre sí y con su entorno. No se limitan a dar forma tectónica al espacio: buscan establecer un marco generativo, un meta-espacio en el que la arquitectura pueda desplegarse y responder a circunstancias cambiantes, con el objetivo de producir resultados más robustos y sostenibles a largo plazo.

Siv Helene Stangeland, arquitecta e investigadora noruega afincada en Stavanger, se formó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) y en la Escuela de Arquitectura y Diseño de Oslo (AHO), donde tuvo como referentes a Sverre Fehn y Christian Norberg-Schulz. Doctorada en práctica creativa por la Escuela de Arquitectura de Århus dentro del programa Adapt-r, ha impartido docencia en AHO, la Universidad Noruega de Ciencia y Tecnología (NTNU) en Trondheim, la Universidad de Chalmers en Gotemburgo, el KTH de Estocolmo, la Universidad de Sheffield y la Bartlett School of Architecture de Londres. 

Reinhard Kropf, arquitecto e investigador austriaco radicado entre Stavanger y Oslo, se formó en la TU Graz y también en AHO bajo la tutela de Sverre Fehn, y ha centrado buena parte de su trayectoria en el diseño y la construcción en madera. Ha sido profesor invitado en AHO, la Bergen School of Architecture (BAS), Chalmers, la École d’architecture de París y la Hust University de China, y ejerció como profesor invitado en la Kansas State University. Juntos fundaron Helen & Hard en 1996 y, tres décadas después, siguen defendiendo una arquitectura que se construye con quienes la habitan.

En uno de los espacios residenciales de esta península, el estudio portugués Fragmentos diseña esta vivienda vacacional, Tróia 37, siguiendo su estilo, desarrollado durante años, que vincula estrechamente la arquitectura al lugar.

Estrategia para ganar el horizonte

Sobre una parcela de unos 2.500 m², el estudio portugués optó por una solución que los arquitectos definen como “calmada y terrosa”, alejada tanto del blanco inmaculado como de los colores que destacan en las dunas vecinas. La casa se instala en la topografía mediante una secuencia de volúmenes retranqueados y superpuestos, que el estudio describe como “una rotación de la casa sobre el lugar para aprovechar al máximo la vista y el sol”. Esa rotación ordena también la relación con los vecinos. Una serie de pantallas visuales desvían la mirada de las casas colindantes para concentrar la atención en el océano Atlántico y en la sierra de Arrábida visible en el horizonte.

La paleta de materiales refuerza ese sentido de pertenencia al lugar con tonos terrosos, madera y elementos metálicos que imitan el entorno, siguiendo una lógica de “pocos elementos, pocos colores y pocos materiales” que fortalece su identidad, según explican los arquitectos de Fragmentos. El revestimiento rosado y arenoso de los muros, los porches de madera y el volumen que remata la cubierta, forrado en listones de pino tratado a modo de faro discreto sobre el conjunto, son variaciones de un mismo repertorio contenido.

Dos maneras de habitar la casa

La casa se organiza en dos plantas, que separan las áreas social y privada. Arriba, las suites principales aprovechan la cota más alta para alcanzar las vistas y se conectan mediante un puente que atraviesa el vacío sobre el salón, sacando partido de un espacio de doble altura que introduce en el interior, según describe el estudio, “toda la dinámica de la luz filtrada”. Una chimenea que recorre ambas plantas actúa como eje de esta “respiración vertical”, manteniendo conectada la vida familiar de la planta baja con los dormitorios.

Esa doble altura, más que un gesto formal, es la bisagra que une las dos maneras de habitar la casa, la vida compartida del área social y el recogimiento de las suites, unidas por la misma luz que cae desde arriba y por el calor de una misma chimenea.

Refugio en la arena

En la planta baja, el programa se completa con tres dormitorios más, que se abren a patios privados o semiprivados, reforzando la condición de refugio de la casa. La transición hacia el exterior ocurre a través de porches y pérgolas que prolongan los límites de los espacios interiores, mientras la piscina y las zonas de estar se integran de forma natural con la duna.

El jardín, pensado para requerir un mantenimiento mínimo, recurre a vegetación autóctona y a tonos de verde seco y arena, y los caminos, resueltos con traviesas de madera tendidas directamente sobre la arena, subrayan la idea de un refugio privilegiado dentro de un ecosistema sensible. Los pocos árboles presentes en las parcelas de arena, algún olivo aislado y matorral bajo, más que decorar delimitan, marcando la separación entre lo público y lo privado sin necesidad de un muro.

Esta casa, que se deja atravesar por la luz, el viento y la arena que la rodean, es una pieza más en el recorrido que Fragmentos viene construyendo en el litoral portugués, de Comporta a Melides, de Cascais a Tróia, siempre desde la misma convicción, que el paisaje, y no el arquitecto, tiene la última palabra.

Proyecto: Tróia 37.
Ubicación: Tróia, Carvalhal. Portugal.
Superficie: 342,30 m².
Terminado: 2025.
Arquitectura: Fragmentos.
Especialidades: Fragmentos Engenharia, 360 Engenharia.
Paisajismo: Greengest, arq. Ana Videira.
Supervision: FFC Gestão de projetos imobiliários.
Construcción: ECM Engenharia e Construção.
Mediciones: Hugo Pombo.
Fotografía: Adalberto Duarte.

Fragmentos

Fragmentos nace en Lisboa en 1994 como el proyecto compartido de cuatro arquitectos —Duarte Pinto-Coelho, Marcus Cerdeira, Miguel Martins Santos y Pedro Silva Lopes—, decididos a entender la arquitectura como una forma de leer la relación entre el espacio construido y la vida que lo habita. Actualmente se ha convertido en un estudio de más de sesenta colaboradores —arquitectos, ingenieros, diseñadores de interiores y especialistas en comunicación— dirigido hoy por ocho socios, que suman a los fundadores a Fernando Flora, Maria do Rosário Jacinto, João Paulo Branco y David Ferreira.

El trabajo de Fragmentos recorre la vivienda unifamiliar, la residencial multifamiliar y el planeamiento urbano, siempre desde equipos transversales que cruzan arquitectura, ingeniería y diseño de interiores. Esa manera de trabajar —colaborativa, atenta a la solidez de las relaciones tanto con clientes privados como con instituciones públicas— sostiene una idea de sostenibilidad entendida como equilibrio entre las personas que habitarán cada proyecto y el ritmo de un progreso técnico que el estudio asume sin dejarse arrastrar por él.

La vocación del estudio se reconoce con particular nitidez en su arquitectura residencial del litoral portugués —Comporta, Melides, Tróia, Cascais—, donde el proyecto se somete al paisaje antes que a la voluntad del arquitecto: topografía, vegetación y luz condicionan volúmenes, materiales y recorridos hasta disolver el límite entre la casa y su entorno. Es, en palabras del propio estudio, una arquitectura pensada para “proporcionar un sentimiento de pertenencia y bienestar” a quienes la habitan.

El trabajo de Fragmentos ha sido reconocido en medios como Archdaily, Design Boom, Divisare o Architizer. En 2020 recibió el Premio Nacional de Rehabilitación Urbana por la recuperación del Palacio de la Anunciada.

Arquitectura fragmentada, en diálogo con el lugar

En lugar de allanar el terreno para construir sobre él, Ohlab ha optado por fragmentar el programa en cinco unidades —cocina y comedor, salón, dormitorios, estudio y piscina— y escalonarlas siguiendo la pendiente natural, como si fueran terrazas de cultivo reconvertidas en espacios domésticos. Esta estrategia limita el movimiento de tierras, mantiene intacta buena parte de la vegetación original y permite que cada pieza se asome a un fragmento distinto del paisaje. “Esta estructura promueve una lectura topográfica del habitar, donde los usos se distribuyen según la lógica del terreno. Lo privado se mantiene separado, pero conectado. La arquitectura construye relaciones, no solo espacios.” comentan los arquitectos de Ohlab.

El patio abierto, corazón del proyecto

En el punto donde estos volúmenes casi se tocan, se abre un vacío central, un patio que rodea la roca, respetándola, que actúa como sala de estar exterior y como articulación de todo el conjunto. Los dormitorios y espacios privados quedan apartados, pero nunca desconectados. La casa funciona como un organismo de piezas autónomas y a la vez interdependientes.

Una piel pétrea, protagoniza toda la casa

El cuidado por el lugar se hace explícito en un recurso constructivo propio del estudio: grandes paneles de terrazo, de tres metros de alto y diez centímetros de grosor, fabricados con cemento y áridos de piedra que reproducen el color y la densidad de la roca del lugar. El proceso alterna precisión industrial y trabajo manual.

Los paneles se mecanizan primero con cortes profundos y ordenados, y después se fracturan a golpe de martillo, lo que deja una superficie rugosa y casi geológica que, sin embargo, conserva la disciplina ortogonal de su fabricación. No es piedra, y tampoco pretende disimularlo, es una interpretación construida del terreno, un material que más que traído hasta la montaña, parece nacido de ella y convertido en arquitectura.

La cubierta, tapizada de vegetación, completa esa estrategia de camuflaje y aporta además un beneficio térmico directo al conjunto.

El interior se funde con el paisaje

En el interior, la misma lógica de integración se traduce en una cocina tallada de una sola pieza de piedra caliza de Binissalem, en carpinterías hechas a medida y en una paleta de materiales naturales y acabados discretos que evitan cualquier alarde, permitiendo que el paisaje invada la casa y la casa se funda con el paisaje. Un óculo circular practicado sobre el vestíbulo deja caer una luz cenital que ilumina el corazón de la casa, mientras que la piscina, alargada y asomada al valle, funciona, sobre todo, como una lámina de agua pensada para la contemplación. El jardín recupera especies autóctonas —pinos, olivos, acebuches, matorral mediterráneo— con un planteamiento de bajo consumo hídrico que prolonga, también en lo vegetal, la misma discreción que rige toda la casa.

Habitar la montaña, en una conversación continua

Casa Tramuntana renuncia deliberadamente a ser un objeto que se mire desde fuera. Es, más bien, una manera de estar en la montaña sin alterarla en exceso. Una casa que se esconde para poder mirar mejor la montaña que la sostiene, y que propone la mejor forma de habitar un paisaje extraordinario sin interrumpirlo, en conversación continua con él.

Proyecto: Casa Tramuntana.
Ubicación: Palma de Mallorca.
Terminado: 2025.
Arquitectura e interiorismo: Ohlab / Paloma Hernaiz y Jaime Oliver
Equipo Ohlab: Paloma Hernaiz y Jaime Oliver con Robin Harloff, Rebeca Lavín, Loreto Angulo, Silvia Morais, Elisabet Fábrega, Laura Colomer.
Aparejador: Jorge Ramón.
Estructura: Dicaes.
Project Manager: About Living.
Constructor: Ageitos.
Fachada: Sistema diseñado por Ohlab, producido por Huguet.
Luminarias: Contain.
Grifería: Dornbracht.
Mecanismos: Font Barcelona.
Solados: pavimento de piedra natural de Contract Stone.
Revestimientos interiores: 3Pols.
Carpintería interior: Nadal Mobiliari.
Carpintería exterior: Orell.
Cerrajería: Fullana.
Cocina: diseño de Ohlab, construida por Nadal Mobiliari, encimera de Contract Stone.
Baño: lavabos y duchas de piedra natural, Contract Stone.
Mobiliario: Decágono, La Pecera.
Fotografía: José Hevia, Anthony Perez.
Fuente: Ohlab.

Ohlab

Ohlab nace en Shanghái, se consolida en Madrid y encuentra su forma definitiva en Palma de Mallorca, ciudad desde la que hoy despliega una práctica internacional de arquitectura e interiorismo. Fundado en 2007 por los arquitectos Paloma Hernaiz y Jaime Oliver, el estudio parte de una convicción compartida, que proyectar es, ante todo, investigar. Su trabajo se dirige a comprender la sociedad contemporánea —sus hábitos, su cultura, sus condiciones urbanas cambiantes— y a traducir ese conocimiento en una arquitectura arraigada en la inteligencia material y en un compromiso firme con la sostenibilidad.

Desde Palma de Mallorca, Ohlab desarrolla proyectos en los que convergen la investigación, la sensibilidad material y la precisión técnica, ofreciendo a sus clientes un enfoque de diseño que integra arquitectura e interiorismo desde el concepto hasta la obra terminada. Esa vocación por el detalle convive con una apuesta decidida por la sostenibilidad de altas prestaciones. El estudio acumula experiencia en proyectos certificados Passivhaus y Leed Platinum, y ha sido descrito por el Chicago Athenaeum como uno de los estudios emergentes más relevantes de Europa.

El reconocimiento internacional ha acompañado esta trayectoria. Ohlab ha sido nominado en dos ocasiones al Premio Mies van der Rohe y ha recibido distinciones como Architecture Firm of the Year (2022) e Interior Design Firm of the Year (2019) en los Architecture MasterPrize, el Premio Ciutat de Palma o varias selecciones en la lista AD100, además de premios del World Architecture Festival, Architectural Record, Frame Awards, Surface y los Best of Year Awards de Nueva York. Esta trayectoria se sostiene en una cartera de proyectos residenciales, hoteleros y comerciales entre los que destacan Can Bordoy, distinguido con más de veinte premios internacionales; Paseo Mallorca 15, uno de los edificios residenciales Passivhaus más altos de España; Can Santacilia, la rehabilitación de un palacio de 3.000 m² con orígenes en el siglo XIII; y Casa Xaloc, una vivienda Passivhaus de energía positiva en Mallorca. Su obra ha sido publicada en medios como The New York Times, Financial Times, Wallpaper, Monocle, Architectural Record, Interior Design, Domus, Vogue, AD o Arquitectura Viva.

Paloma Hernaiz y Jaime Oliver han compaginado esta práctica con una intensa actividad docente, como profesores de proyectos en la IE School of Architecture, el IED Madrid y la UPC de Barcelona, y como críticos invitados en universidades como Princeton y Columbia. Esa doble condición de arquitectos y docentes explica en buena medida la forma en que Ohlab entiende su oficio, situado siempre entre la construcción y la reflexión. Más recientemente, el estudio ha trasladado su sede a Nave 6A, en Palma de Mallorca, un espacio compartido con Bornhold que funciona también como plataforma de encuentros, presentaciones y exposiciones en torno al diseño contemporáneo, desde el que Ohlab impulsa colaboraciones con marcas afines como Contain o De La Espada.

Paloma Hernaiz

Paloma Hernaiz es arquitecta por la ETSAM de Madrid y Máster en Arquitectura por la Universidad de Columbia en Nueva York. Su trayectoria profesional, desarrollada entre Europa, Estados Unidos y China, combina desde sus inicios la práctica, la investigación y la docencia. Antes de cofundar Ohlab trabajó durante nueve años en estudios internacionales de referencia: Estudio Lamela / Richard Rogers Partnership en Madrid, G-tects en Nueva York —en colaboración con la oficina de Frank O. Gehry— y OMA / Rem Koolhaas en Shanghái y Pekín, una experiencia que la situó en el centro de algunos de los debates más relevantes de la arquitectura contemporánea. Completó además labores de investigación en los archivos históricos del Royal Institute of British Architects (RIBA), en Londres.

Esa doble vocación de práctica e investigación se ha mantenido constante en su carrera. Hernaiz ha sido profesora de proyectos en la IE School of Architecture, el IED Madrid y la UPC de Barcelona, y crítica invitada en universidades como Princeton y Columbia, además de impartir conferencias en instituciones como la Universitat Politècnica de Catalunya, la Universidad Europea de Madrid o el Museo Guggenheim de Bilbao. Desde Ohlab, dirige junto con Jaime Oliver una práctica que entiende la arquitectura como una forma de conocimiento aplicado a la realidad social y material de cada lugar.

Jaime Oliver

Jaime Oliver es arquitecto por la ETSAB de Barcelona, donde finalizó sus estudios con matrícula de honor, y Máster en Arquitectura por la Universidad de Columbia en Nueva York, adonde llegó gracias a una beca de la Fundación “la Caixa” tras un año de formación en Bruselas con una beca Erasmus. Antes de cofundar Ohlab desarrolló su carrera durante nueve años en oficinas internacionales como DNA y Hariri & Hariri en Nueva York, SURV en Shanghái y OMA / Rem Koolhaas en Shanghái y Pekín, itinerario que lo llevó a formar parte de algunos de los estudios más influyentes de su generación. Es además doctorando en la ETSAB de Barcelona, donde investiga en paralelo a su práctica profesional.

Su actividad docente ha discurrido por instituciones como la IE School of Architecture, en Londres y Madrid, el IED Madrid —donde coordinó el grado en Diseño— y el máster “La Gran Escala” de la UPC en Barcelona, además de su participación como crítico invitado en tribunales de Princeton, Columbia y la Universidad Europea de Madrid. Desde 2007 organiza también Pecha Kucha Madrid, una faceta que refleja su interés por la difusión y el debate en torno a la arquitectura contemporánea más allá del propio estudio. Al frente de Ohlab junto con Paloma Hernaiz, Oliver ha hecho de la investigación urbana y la estrategia de diseño una seña de identidad de la práctica del estudio.