La luz es una de las grandes protagonistas de esta edición de Madrid Design Festival (MDF25) que presenta, por primera vez en la historia del festival, una exposición monográfica sobre la relación que existe entre la luz y el espacio, con una experiencia sensorial comisariada por Javier Riera en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Plaza de Colón, 4. Madrid.
La Línea Sueña, que puede visitarse del 6 de febrero al 20 de abril, dentro de la programación de Madrid Design Festival, muestra el trabajo de 45 creadores a través de 70 piezas diferentes que abarcan distintas disciplinas: la iluminación de interiores, el diseño de producto e instalaciones lumínicas. Todas ellas comparten un sentido del diseño estrechamente vinculado con la arquitectura y el paisaje y una visión particular de la luz en la cual lo técnico y lo metafórico discurren en paralelo.
Con diseño expositivo de Studio Animal, su título hace referencia a la idea de Paul Klee sobre el dibujo como actividad de conexión entre el mundo interno y la realidad, una metáfora que se traslada a la luz como trazo en el espacio.
Diseño, materia y concepto: las piezas de La Línea Sueña
La Línea Sueña pone en valor el diseño de iluminación como disciplina. La muestra se organiza en torno a distintos bloques temáticos, como perspectivas desde las que explorar las obras: La luz en el paisaje, Elogio de la penumbra, Luz, forma y materia, La luz sostenible y El resplandor pasajero, este último dedicado al ámbito de la instalación. Su recorrido se centra tanto en los efectos que la luz produce como en los elementos que la generan, emiten o difunden, creando una unidad coherente a través del diseño.
Desde lámparas de alabastro hasta luminarias hechas de deshechos urbanos como el poliestireno inspiradas en los farolillos granadinos, cada creación ofrece una visión particular sobre la luz. La sostenibilidad y la innovación también tienen un papel clave con piezas realizadas mediante impresión 3D o diseñadas con materiales reciclados, como las lámparas de lana de Mallorca o la colección Tierra, Mar y Aire de Héctor Serrano.
Algunas de las propuestas más llamativas de la exposición La Línea Sueña son las propuestas lumínicas de Draga & Aurel, Davide Groppi y Carlos Coronas. También la lámpara de Álvaro Catalán de Ocón, Premio Nacional de Diseño en 2023, fabricada a partir de botellas PET recicladas por artesanos de Ghana; lámparas fabricadas a partir de impresión 3D con pétalos de cayena y piel de naraja de Andreina Reventós; o las lámparas de lana de María Abando Olarán.
Destacan, a su vez, aquellas propuestas de diseñadores españoles icónicos como André Ricard o Antoni Arola, o las colaboraciones creativas como la de Candela Cort con LZF. Incluso, figuras internacionales presentan intervenciones como la de Tom Dixon, Maximilian Marchesani o Michael Anastassiades.
Andreína Raventós
Andreína Raventós nació en Venezuela en 1986. Se trasladó a España cuando era adolescente y se graduó en la escuela de Arquitectura en 2014. Ha vivido en diferentes ciudades que han enriquecido su visión sobre diferentes culturas y formas de vida. Después de trabajar en un estudio en Ginebra, regresó a Madrid y comenzó su propio estudio en 2016. Leer más.
María Abando Olarán
Nacida en San Sebastián y residente en Mallorca, es licenciada en BBAA por la Universidad del País Vasco, diplomada en Diseño Industrial por la Scuola Politecnica de Design de Milano y graduada en interiorismo por la Escuela Superior de Diseño de Logroño. Dedicada durante más de dos décadas a la formación en la cultura del diseño, especialmente en la generación de las formas, en Diseño para todas las Personas y Ergonomía, ejerciendo como profesora en la antigua Escuela Experimental de Diseño, hoy Arte10 de Madrid y en la Escola d’Art i Superior de Disseny Illes Balears. Leer más.
Amarist Studio
Activo en diseño colectivo y arte contemporáneo, Amarist Studio trabaja en un marco de reflexión y desarrollo de piezas críticas con la actualidad social, cultural y económica internacional. Una serie de objetos cotidianos y símbolos preconcebidos se transforman en esculturas funcionales para estimular la conciencia. Cambiando conceptos heredados y poniendo de manifiesto las consecuencias detrás de nuestras acciones e intereses. Todas las piezas se caracterizan por su colosal poder visual, transmitiendo preguntas y cuestiones desafiantes de la actualidad internacional. Leer más.
Maximilian Marchesani
Maximilian Marchesani es italo-alemán, tiene formación en gastronomía, ha estudiado diseño, es consultor de diseño industrial, creció entre las orillas del río Po y Berlín, y vive en Milán. Presentó sus primeras creaciones lumínicas en 2022. Obsesionado con la búsqueda de la armonía entre la tecnología y el mundo orgánico, sus instalaciones invocan un intercambio continuo entre la interioridad humana y los fenómenos globales, entre causas y consecuencias, entre pasado y futuro. Leer más.
Antoni Arola
La investigación artística de Antoni Arola gravita en torno a un elemento esencial e inmaterial: la luz. Lo hace tanto en su ausencia como en su presencia, ya sea natural o artificial. A partir de este diálogo con la luz —y su interacción con el espacio—, busca apelar a la percepción visual del espectador, invitándolo a sumergirse en un mundo nuevo: intangible, poético y siempre abierto a nuevas interpretaciones. Leer más.
Massimiliano Moro
Nacido en Suiza, 1986, Maximiliano Moro es un escultor que trabaja con la luz, el color y el movimiento con las sombras como protagonistas. Da forma a la luz para dar color a la sombra. Su investigación busca crear nuevos equilibrios que evoquen la naturaleza en algunos aspectos, pero que sean siempre conscientes de su artificialidad y que al mismo tiempo mantengan una familiaridad que facilite la contemplación. Leer más.
Álvaro Catalán de Ocón
Comenzó su carrera después de estudiar Diseño Industrial en el Instituto Europeo di Design de Milán y en el Central Saint Martins College of Art and Design de Londres, y posteriormente fundó su estudio en Barcelona. Los diseños de Catalán de Ocón se caracterizan por un fuerte enfoque en la responsabilidad social y medioambiental. Leer más.
La exposición, que invita a la reflexión sobre percepción y creatividad, cuenta con la participación de importantes artistas y diseñadores, cuyas obras destacan por su innovación y su capacidad para transformar entornos a través de la luz. Algunos de ellos son Antoni Arola, Massimiliano Moro, We+, Maximilian Marchesani, Michael Anastassiades, Andreu Carulla, Mayice, Ábbatte, Marre Moerel, Eliurpi, Davide Groppi, Draga & Aurel, Josep Vila Capdevila, Jana Tothill, Héctor Serrano, Max Enrich, Eduardo Barco, Studio Élémentaires, Carlos Torrijos, María Abando Olarán, Candela Cort/LZF, Marta Pascual, Mario Ruiz, Ezequiel Nobili, Max Milá, Gracias Grecia, Lucas Muñoz, Álvaro Catalán de Ocón, Sergi Pequera/Suru, Carlos Coronas, Elisa Valero, Frank Oehring y Gonzalez Haase.
“Todas las obras reunidas destacan por su innovación y su capacidad para transformar entornos a través de la luz, a partir de diversos modos de sentir y de construir elementos destinados a iluminar nuestro entorno. Así, la temperatura, la saturación, la intensidad se traducen en elementos emocionales, poniendo de relevancia el poder artístico de la luz: la luz como un elemento intangible pero que nos toca y que penetra en nuestra psicología mucho más allá de nuestra piel” comenta el comisario de la exposición, Javier Riera.
Berlín, ciudad invitada en esta edición del festival, forma parte de la exposición colectiva con obras de los conocidos diseñadores de iluminación de González Haase AAS que crearán una conexión con su aparición en Fiesta Design. También, Frank Oehring presentará una instalación de su escultura lumínica del mítico ICC de Berlín. La muestra da visibilidad al talento berlinés durante todo el festival y reforzará la red de contactos entre el mundo del diseño de Berlín y el público internacional del festival.
Javier Riera
El trabajo de Javier Riera se basa en proyecciones de luz de forma geométrica, realizadas directamente sobre la vegetación y el paisaje. Utiliza la fotografía como medio de registro y difusión de lo sucedido, sin manipulación en ordenador. Se centra por tanto en una experiencia de intervención real sobre “el espacio y el tiempo del paisaje”, que le aproxima a las propuestas del Land Art
La relación entre geometría y naturaleza adquiere en este trabajo un carácter meditativo, apelando a una convivencia del público con el poder de sugerencia de la modificación del paisaje a la que asiste, que aspira a ampliar su percepción, tendiendo puentes hacia cualidades y dimensiones ocultas de los espacios en los que se produce. Riera entiende la geometría como un lenguaje natural anterior a la materia, capaz de establecer con ella un tipo de resonancia sutil y reveladora.
Nacido en Avilés, Asturias, estudió Bellas Artes en Salamanca completando su formación en los Talleres de Arte Actual del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su trayectoria es de pintor hasta 2008, cuando con motivo de su exposición en el Museo Reina Sofía expone por primera vez fotografías de paisajes intervenidos.
El trabajo de Javier Riera se basa en proyecciones de luz de forma geométrica, realizadas directamente sobre la vegetación y el paisaje. Utiliza la fotografía como medio de registro, sin manipulación en ordenador. Su trabajo se basa en una experiencia de intervención real sobre “el espacio y el tiempo del paisaje”, que le aproxima a las propuestas del Land Art.
La relación entre geometría y naturaleza adquiere un carácter meditativo, apelando a la convivencia del público con el poder de sugerencia de la modificación del paisaje a la que asiste, que aspira a ampliar su percepción, tendiendo puentes hacia cualidades y dimensiones ocultas de los espacios en los que se produce. Riera entiende la geometría como un lenguaje natural anterior a la materia, capaz de establecer con ella un tipo de resonancia sutil y reveladora.
Entre sus exposiciones institucionales destacan Noche Áurea en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( 2008) , Secuencias, Museo Barjola ( 2010); Sincronicidad del DA2 de Salamanca ( 2014), Luz Vulnerada Centro Niemeyer ( 2015), Sector Primario, MUSAC ( colectiva 2015), Luz natural. Un vacío siempre distinto CAB de Burgos(2018) o Bonaval CGAC Santiago de Compostela (2018)
En relación a su trabajo en espacios públicos ha realizado intervenciones puntuales para Photoespaña, el MUSAC o el CAB de Burgos. Destacan intervenciones como Alameda llum (2012) en la que once de sus instalaciones permanecieron durante dos meses en los Jardines del Turia o Gráficos Paramétricos (2017) en el Jardín Botánico de Madrid, como parte de Luna de Octubre, que recibió mas de 6000 vistantes. Ha realizado intervenciones en lugares como Annecy, Francia (2018/ 2019) o el Karlovo Námestí Park de Praga ( 2016). En 2018 interviene en los jardines de Bonaval anexos al CGAC. En 2019 participa en UMBRA Vitoria-Gasteiz con un trabajo para los Jardines de la Florida.
Su obra se encuentra presente en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía la Fundación Cajamadrid, Fundación Princesa de Asturias, Colección Banco de España, DA 2 Domus Artium o la Nueva colección Pilar Citoler. Javier Riera mantiene actividad docente en el Master Photoespaña y en la Universidad Francisco de Vitoria de Madrid.
Fuente: Madrid Design Festival y Lelien Agencia de comunicación.
